El 2024 se perfila como el año de las grandes transformaciones dentro de la música urbana latina, y un claro ejemplo de ello es la ascendente carrera de Young Miko. La cantante puertorriqueña, que irrumpió en la escena musical con su EP Trap Kitty en 2022 y su primer álbum Att en 2023, ha demostrado que el trap latino puede ser tanto un vehículo de empoderamiento para la comunidad LGBTQ+ como un espacio donde las mujeres empiezan a reclamar su protagonismo, desafiando una industria que históricamente ha sido dominada por hombres.

El mes pasado, Att le valió a Young Miko una nominación al Grammy en la categoría de Mejor Álbum de Música Urbana, un logro significativo en una categoría que, hasta ahora, ha sido considerada como un “club de chicos”. Con esta nominación, la joven puertorriqueña no solo marca un paso hacia la visibilidad femenina en el trap, sino que también se convierte en la única mujer nominada en esta categoría este año, un hecho que resalta el cambio de paradigma que está ocurriendo en la música urbana latina.

Este tipo de cambios no son aislados. En los últimos años, la música urbana ha experimentado una transformación notable, impulsada por artistas como Karol G, quien se convirtió en la primera mujer en ganar un Grammy al Mejor Álbum de Música Urbana en 2024. Mañana será bonito, el cuarto álbum más escuchado a nivel global en Spotify, fue un hito en la música, destacando la importancia del talento femenino en un género que tradicionalmente ha estado marcado por figuras masculinas.

Young Miko es parte de este movimiento renovador. Con canciones virales como “RiRi” y “offline” (junto a Feid), ha consolidado su presencia en la industria y ha dado voz a un sector de la población que a menudo se encuentra marginalizado. Su estilo fresco y audaz se fusiona con una actitud desafiante que busca romper con las expectativas del machismo arraigado en el reguetón y el trap latino.

En una reciente entrevista, Miko expresó que su nominación al Grammy fue un momento inesperado pero emocionante. “Siempre ha sido un sueño”, afirmó, reconociendo que este logro no es solo suyo, sino de todo su equipo. “Estamos felices de ser considerados. Es increíble”. Esta nominación no solo refleja su éxito personal, sino que también representa una victoria para las mujeres en un género que, aunque en constante evolución, aún enfrenta barreras significativas para ellas.

Lo que está claro es que la industria está cambiando. Miko misma es consciente de ello y lo celebra. “Creo que todo sucede por una razón y la evolución es parte de absolutamente todo”, señaló. En este contexto, su nominación al Grammy es una muestra del poder transformador que las nuevas generaciones de artistas, especialmente las mujeres, están ejerciendo sobre el trap y el reguetón, géneros que alguna vez parecieron estar cerrados para ellas.

El futuro del trap latino y la música urbana está más inclusivo que nunca, y el reconocimiento de Young Miko es solo el comienzo. A medida que las voces femeninas ganan terreno, se espera que más artistas sigan el camino de Karol G y Young Miko, demostrando que la música urbana es para todos, independientemente del género, la orientación sexual o la identidad.

La 67.ª edición de los premios Grammy, que se celebrará el 2 de febrero de 2025 en Los Ángeles, será testigo de este momento histórico para la música latina. Sin duda, Young Miko está liderando el cambio y demostrando que el trap latino tiene mucho más que ofrecer que solo lo que se ha visto hasta ahora.

El 21 de enero de 2025, durante la misa de oración inaugural en la Catedral Nacional de Washington, se produjo un momento de tensión simbólica cuando la reverenda Mariann Edgar Budde, obispa de la Iglesia Episcopal, dirigió un mensaje directo al presidente Donald Trump. En su sermón, la reverenda hizo un llamado claro y emocional, pidiéndole al presidente que mostrara “misericordia” hacia las personas LGBTQ+ y los inmigrantes, dos de los grupos más vulnerables en los Estados Unidos. Sus palabras, pronunciadas desde el púlpito, buscaban llamar la atención sobre las dificultades que enfrentan estos grupos bajo políticas que muchas veces han sido percibidas como hostiles por parte de la administración Trump.

La reverenda Budde destacó la creciente angustia de las personas LGBTQ+ que temen por sus vidas debido a un entorno político que no siempre ha favorecido sus derechos. También subrayó la situación precaria de muchos inmigrantes, que, aunque contribuyen de manera significativa a la sociedad, viven con el temor constante de ser deportados.

“En nombre de nuestro Dios, le pido que tenga misericordia con las personas en nuestro país que ahora mismo sienten miedo”, expresó la obispa desde el altar, haciendo un llamado tanto a la humanidad como a la justicia social.

Sin embargo, la respuesta de Trump a este sermón no fue la que muchos esperaban de un líder político ante un mensaje tan cargado de moralidad y compasión. Tras la misa, Trump declaró ante los medios que no había encontrado el servicio particularmente emocionante. “No fue un buen servicio”, dijo, con su característico tono despreocupado, mientras hacía preguntas a los periodistas como “¿Les pareció emocionante? No lo fue, ¿verdad?”.

Su comentario reflejaba no solo una falta de conexión con el contenido emocional y social del sermón, sino también una desconexión con las realidades de quienes sufren debido a políticas migratorias y derechos civiles restrictivos.

Este incidente, aparentemente menor en su contexto, pone de manifiesto las profundas diferencias que existen entre el enfoque del presidente y las visiones de aquellos que piden un cambio hacia la inclusión, la empatía y el respeto por los derechos humanos. Mientras el presidente se mantiene firme en su postura, considerándola como una defensa de la ley y el orden, figuras como la reverenda Budde insisten en que la verdadera fortaleza de una nación se mide por su capacidad para mostrar misericordia hacia los más vulnerables.

Es interesante notar que la mayoría de las intervenciones de Trump durante la ceremonia no sugieren una reflexión profunda sobre el mensaje que se le dirigía, sino una actitud distante y casi indiferente. Mientras la reverenda hablaba, Trump permanecía con una expresión imperturbable, hojeando su programa y escaneando el entorno. Este comportamiento contrasta con el tono de urgencia de la misa, que pedía la intervención del presidente para proteger a los niños LGBTQ+ y a los inmigrantes que temen por su seguridad.

El sermón de la reverenda Budde no fue solo un acto de fe, sino también una declaración política.

En su discurso, llamó a la acción no solo por el bien de los individuos directamente afectados, sino también por el futuro del país. Los inmigrantes, a pesar de su situación irregular, contribuyen al bienestar social, económico y cultural de los Estados Unidos. La obispa los presentó como miembros activos y valiosos de la comunidad, pidiendo que la política y la ley reconozcan su humanidad antes que su estatus migratorio.

Por otro lado, la postura de Trump resalta las contradicciones inherentes en muchas de sus políticas, que a menudo se han centrado en la exclusión y la división. Las palabras de Budde, por más que no calaron en el presidente, resuenan en un sector importante de la población que cree que la política debe ser guiada por valores humanos y no solo por cálculos políticos.

Este contraste entre misericordia y dureza, entre la inclusividad y la exclusión, es un reflejo claro de la polarización que atraviesa el país. Mientras algunos piden un cambio hacia una mayor justicia social, otros defienden una visión de “orden” que muchas veces resulta en la deshumanización de los más vulnerables. Y es que, al final, lo que está en juego no es solo una cuestión política o legal, sino también un reto moral para la nación: ¿seremos capaces de mostrar la compasión necesaria para hacer frente a los desafíos más grandes de nuestra era?

En última instancia, el rechazo de Trump a las palabras de la reverenda podría ser visto como una oportunidad para reflexionar sobre cómo la política y la empatía deben converger. Las comunidades LGBTQ+ e inmigrantes continúan luchando por su dignidad y derechos, mientras que las voces que piden misericordia son, como nunca, necesarias para recordar que las políticas públicas deben proteger a todos los ciudadanos, independientemente de su orientación sexual, identidad de género o estatus migratorio

Yossi (2012), dirigida por Eytan Fox, es la secuela de la exitosa Yossi & Jagger (2002), una de las películas más emblemáticas del cine israelí que retrata el amor en un contexto de tensión y conflicto. Con una duración de solo 81 minutos, esta entrega nos sumerge nuevamente en la vida de Yossi, un personaje que, tras la pérdida de su pareja, lucha por sanar y encontrar la paz emocional.

La trama se desarrolla varios años después de los eventos ocurridos en la primera película, mostrando a un Yossi (interpretado por Ohad Knoller) atrapado en su dolor y soledad. A lo largo de Yossi, el protagonista se enfrenta a su pasado, que lo persigue y le impide avanzar. Cuando una serie de eventos lo lleva a emprender un viaje, acompañado por varios soldados, comienza a buscar no solo un destino físico, sino también una reconexión emocional con él mismo.

La película es un retrato profundamente humano de la reconstrucción emocional, explorando los dilemas internos de un hombre que sigue viviendo con las huellas de su pasado, el cual involucra no solo el amor perdido, sino también las dificultades de aceptar su identidad y su entorno. La carretera, como metáfora del viaje interior de Yossi, es el espacio donde se enfrentan sus demonios, mientras intenta despertar del “sueño” de su vida anterior y encontrar nuevas formas de conexión y esperanza.

El guion, escrito por Itay Segal, presenta un enfoque sobrio y minimalista. A través de diálogos sencillos pero significativos, la película destaca la lucha interna de Yossi, cuyo sufrimiento es tanto un reflejo de su amor por Jagger, como de las expectativas que la sociedad y él mismo han puesto sobre su vida.

El tono de Yossi es a la vez nostálgico y esperanzador. Aunque la historia de amor que subyace en la película está marcada por la tragedia, la película tiene un enfoque de redención. A través del proceso de enfrentarse a su pasado, Yossi no solo busca la reconciliación con su amor perdido, sino también consigo mismo.

A lo largo de la película, el director Eytan Fox presenta una mirada cruda pero delicada de las emociones humanas. La puesta en escena y la fotografía a cargo de Guy Raz hacen que cada plano sea contemplativo, transmitiendo la melancolía de la historia sin sobrecargarla de dramatismo.

Yossi ha sido aclamada por la crítica por su enfoque emocional y austero. El crítico de The Wall Street Journal, Joe Morgenstern, destacó la película como “un emocionante y admirablemente austero retrato del amor perdido”. Esta obra no busca ofrecer respuestas fáciles, sino que invita al espectador a reflexionar sobre los procesos de duelo, aceptación y la búsqueda de una nueva oportunidad para el amor.

Yossi es un viaje emocional que no solo continúa la historia de Yossi & Jagger, sino que la expande al explorar las consecuencias del amor no correspondido y la soledad que queda en su lugar. La película, con su tono intimista y su estilo visual sobrio, logra capturar la complejidad de los sentimientos humanos con una sinceridad conmovedora. Si bien la trama puede parecer sencilla, la profundidad emocional que encierra convierte a Yossi en una obra memorable que toca las fibras más sensibles del espectador.

Disponible para ver en MUBI y renta en sitios de streaming. Aquí el tráiler:

Playa del Futuro (Praia do Futuro, 2014) del director Karim Aïnouz es un drama romántico que explora temas complejos de identidad, amor y desplazamiento a través de una historia de conexión inesperada entre dos hombres que se conocen en circunstancias dramáticas en la playa. La película, que fue bien recibida en varios festivales internacionales, se destaca por su enfoque sensorial y contemplativo, aunque su ritmo pausado y sus decisiones narrativas han generado opiniones divididas.

La trama sigue a Donato (interpretado por Wagner Moura), un salvavidas en la peligrosa Praia do Futuro, en Brasil. Durante una de sus jornadas en el mar, rescata a Konrad (interpretado por Clemens Schick), un turista alemán, mientras su compañero se ahoga. En medio de la espera por la recuperación del cuerpo de la víctima, se desarrolla una conexión emocional y sexual entre Donato y Konrad. Lo que comienza como una aventura de rescate se convierte en una relación que pondrá a prueba las identidades, emociones y destinos de los protagonistas, en un juego de desplazamiento entre Brasil y Alemania, donde el amor no parece suficiente para superar las barreras del pasado y las diferencias culturales.

Lo que Futuro Beach ofrece al espectador es un retrato de la vida de los personajes que se mueve más por sensaciones que por la acción en sí misma. La película se enfoca en la evolución emocional de los protagonistas a través de una serie de elipsis narrativas y saltos temporales que reflejan el desplazamiento tanto físico como emocional de los personajes. Este tratamiento de la narrativa, sin embargo, ha generado críticas sobre su “indefinición”, como señala el crítico Luis Martínez de El Mundo, quien considera que la historia no logra profundizar ni avanzar lo suficiente.

El director Karim Aïnouz ha sido elogiado por su capacidad para capturar la textura de las emociones a través de imágenes sensuales y hermosas, creando una atmósfera única que da vida a la historia de amor. La crítica de Village Voice resalta que la película es “tan potente en textura como en narrativa” y está llena de “imágenes sensuales”, lo cual es un testimonio de la destreza del director para inmortalizar el sentimiento de pertenencia y la conexión en un paisaje tan desolador como la playa en la que se desarrolla la historia.

Lo que se encuentra en Futuro Beach es una historia de amor llena de barreras: no solo la distancia geográfica entre Brasil y Alemania, sino también las barreras emocionales que se erigen cuando dos personas de orígenes y expectativas tan distintas intentan construir algo duradero. La relación entre Donato y Konrad es intensa, pero la película también muestra cómo las cicatrices del pasado, los temores internos y las inseguridades sociales y personales se interponen en el camino.

Aunque la película se desarrolla con la promesa de un romance conmovedor, muchos críticos, como Sergi Sánchez de La Razón, argumentan que la falta de una conexión emocional clara con los personajes principales hace que todo se sienta algo académico, e incluso “torpe”. La forma en que Aïnouz decide desvelar las emociones a través de silencios y no a través de palabras crea una atmósfera densa, pero esta misma estrategia puede resultar desafiante para algunos espectadores que prefieren una narrativa más directa.

En el fondo, Futuro Beach es una meditación sobre el desarraigo y la búsqueda de identidad. Donato es un hombre atrapado en su país, en su vida y en sus relaciones, mientras que Konrad es un extranjero cuya presencia en Brasil simboliza tanto una ruptura como una posibilidad de redención. La historia pone de relieve cómo las relaciones amorosas pueden ofrecer tanto una oportunidad para la autodefinición como un obstáculo para ello, especialmente cuando las expectativas y las presiones sociales se entrelazan con las emociones de los personajes.

La película está disponible en renta en Google, Youtube y en Amazon Prime. Aquí el tráiler

La película Those People (2016) nos ofrece una ventana emocional a la vida de un joven pintor gay, Charlie, atrapado en un torbellino de deseos, pasiones y realidades complejas, que exploran las difíciles decisiones que debemos tomar a medida que transitamos en la adultez. En una opulenta Manhattan, en el corazón del Upper East Side, Charlie vive entre el sueño artístico y la confusión emocional, deseando lo inalcanzable y confrontando las sombras del pasado.

El filme, calificado como drama LGBT+ y etiquetado como pesimista y emotivo, nos sumerge en la tensión emocional que surge cuando los amores y las amistades se mezclan con la ambición personal y la presión social. Charlie, un joven pintor lleno de aspiraciones, se ve atrapado en un triángulo amoroso que le impide avanzar: por un lado, su enamoramiento no correspondido por su mejor amigo, el carismático y manipulador Sebastian, y por otro, una relación con Tim, un pianista mayor, que promete algo más genuino y profundo.

Lo que distingue a Those People no es solo su tratamiento de los amores no correspondidos o la típica lucha entre lo correcto y lo deseado, sino la complejidad de sus personajes, especialmente de Sebastian, quien personifica esa figura tóxica a la que muchos de nosotros nos aferramos en un intento por justificar nuestras propias inseguridades. Sebastian, atrapado en un escándalo financiero, se convierte en la fuerza que mueve el drama, un reflejo de los desafíos de la juventud privilegiada de Nueva York y sus dilemas éticos. A través de él, Those People se convierte en una exploración de cómo los vínculos emocionales pueden estar contaminados por la manipulación y la falta de honestidad.

La película no presenta respuestas fáciles. No hay héroes ni villanos claros. Más bien, nos presenta a seres humanos complejos, imperfectos, cuyo deseo de amor y éxito se ve eclipsado por sus propias sombras. El trabajo de Charlie refleja, en gran parte, su desconcierto emocional: mientras busca el amor y la validación, parece también huir de la confrontación con su propia identidad y sus deseos más profundos. Esto es especialmente evidente cuando se enfrenta al dilema entre su afecto por Sebastian y su creciente relación con Tim, quien representa una figura madura y estable, un contraste significativo con el caos que Sebastian arrastra consigo.

El tono pesimista del filme también es relevante en su contexto. A diferencia de otros relatos LGBT+ que suelen presentar finales redentores o románticos, Those People se atreve a exponer la realidad de que, a veces, los lazos más profundos que formamos no son necesariamente los más saludables. La película nos recuerda que, en la vida, no siempre ganamos o alcanzamos lo que queremos de la manera que lo esperamos.

Además de los matices en la trama, Those People también brilla por su tratamiento visual. El escenario de Manhattan, que se convierte en otro personaje, refleja la brecha entre las aspiraciones personales de Charlie y la fría indiferencia del mundo que lo rodea. Los colores y las composiciones de la película subrayan la división entre lo que Charlie desea y lo que realmente necesita, sumando una capa más de complejidad emocional.

A pesar de ser un filme que aborda temas como el amor, la amistad y la traición en un contexto social privilegiado, Those People nos invita a reflexionar sobre cuestiones universales que afectan a cualquier persona, independientemente de su identidad o contexto: la lucha interna entre lo que creemos que debemos querer y lo que realmente necesitamos para ser felices.

En conclusión, Those People no es solo una historia de amor gay en el corazón de Nueva York, es una reflexión sobre los desafíos emocionales que enfrentamos al buscar nuestro lugar en el mundo, con las inevitables pérdidas y dilemas morales que acompañan esa búsqueda. Es una obra que invita a pensar, a cuestionar y, sobre todo, a aceptar que el camino hacia el amor verdadero no siempre es claro, ni fácil de transitar.

El cantante gay de country, Orville Peck, reemplazará a Adam Lambert como el emblemático Emcee en la aclamada obra Cabaret en Broadway, marcando su esperado debut en el escenario neoyorquino.

Los productores anunciaron que Peck comenzará su participación en el Kit Kat Club del August Wilson Theatre a partir del 31 de marzo de 2025, y su actuación continuará durante 16 semanas, hasta el 30 de julio.

Este cambio de reparto llega después de que Adam Lambert, quien ha estado interpretando el papel del Emcee, anuncie que su última función será el 29 de marzo. En su lugar, Peck tomará el testigo de uno de los papeles más emblemáticos de la historia del teatro musical, conocido por su naturaleza audaz y su completa libertad de expresión.

“El Emcee ha sido mi papel soñado desde que era un adolescente”, confesó Peck a través de sus redes sociales.

El Emcee, un personaje irreverente y transgresor, es el narrador central de la historia, un papel que permite una gran versatilidad en la interpretación. El musical Cabaret, basado en las obras de Christopher Isherwood y John Van Druten, se desarrolla en la Berlín de la era de la República de Weimar, en los años previos a la Segunda Guerra Mundial, y explora temas de libertad, identidad y el ascenso del nazismo.

Orville Peck es conocido por su estilo musical único que fusiona el country con elementos teatrales y queer. Su música ha atraído tanto a fanáticos del género como a la comunidad LGBTQ+, y su estética misteriosa, siempre acompañado de una máscara que oculta su rostro, ha capturado la imaginación del público. Aunque la pregunta sobre si Peck usará su icónica máscara en Cabaret sigue sin respuesta, muchos fanáticos ya están especulando sobre este detalle y su impacto en la interpretación.

Peck, originario de Sudáfrica y formado en la London Academy of Music and Dramatic Art, no es nuevo en el mundo del teatro. En 2016 participó en la producción Peter Pan Goes Wrong en el West End de Londres. Sin embargo, su participación en Cabaret marcará su primera aparición en Broadway.

“Crecer en el teatro me enseñó mucho sobre quién soy como intérprete y como persona”, declaró Peck, quien tras años de trabajo en el mundo teatral y la música, finalmente verá su sueño cumplido al tomar el papel del Emcee. Con una carrera que ha desafiado las convenciones del género country y un enfoque audaz hacia su identidad queer, Peck será una adición vibrante al elenco de esta producción tan aclamada por la crítica.

En esta nueva etapa de Cabaret, Peck compartirá escenario con la talentosa actriz Eva Noblezada, quien asumirá el rol de Sally Bowles, reemplazando a Auli’I Cravalho. La producción promete ser una combinación electrizante de talento contemporáneo y la rica tradición teatral que caracteriza a Broadway.

 

Ver esta publicación en Instagram

 

Una publicación compartida de Orville Peck (@orvillepeck)

Los seguidores de Orville Peck, emocionados por su incursión en el mundo de Broadway, ya están comentando en las redes sociales, expresando su entusiasmo con frases como “¡Willkommen, Bienvenue, yeehaw!” y preguntándose si finalmente revelará su rostro en el escenario. Como él mismo dijo, “la única forma de saberlo es comprando una entrada”.

Cabaret, desde su estreno en Broadway en 1966, ha sido un referente de la cultura teatral. La adaptación cinematográfica de 1972, que ganó ocho Premios Oscar, consolidó aún más su estatus de clásico. En su versión más reciente, el August Wilson Theatre ha sido transformado para recrear el ambiente único del Kit Kat Club, haciendo que cada función sea una experiencia inmersiva para el público.

Con Orville Peck como el Emcee, esta nueva versión de Cabaret promete ser aún más impactante, ofreciendo una visión contemporánea y queer de un clásico que sigue siendo relevante hoy en día.

Si eres fanático de la música, el teatro o simplemente de la cultura LGBTQ+, Cabaret con Orville Peck será un espectáculo imperdible. ¡No te lo puedes perder!

Boletos disponibles en el sitio web de la producción.

El caso de Natalia Lane, activista y periodista trans víctima de un intento de feminicidio, representa la grave crisis que atraviesa el sistema de justicia mexicano, especialmente cuando se trata de casos de violencia de género que afectan a la comunidad trans. El 16 de enero de 2022, Natalia fue atacada por Alejandro “N” con la intención de arrebatarle la vida. Sin embargo, tres años después, el proceso judicial sigue sin ofrecer una sentencia. El agresor fue detenido el 21 de enero de 2022, pero hasta el 16 de enero de 2025, sigue apelando su condena, utilizando juicios de amparo que retrasan aún más la resolución de este caso.

El sistema de justicia mexicano, que con frecuencia revictimiza a las víctimas, es incapaz de garantizar una respuesta pronta y efectiva ante la violencia, dejando a las mujeres trans expuestas a la impunidad. En el caso de Natalia Lane, esta situación se vuelve aún más evidente tras la intervención de la jueza Ruby Celia Castellanos Barradas, quien, al ordenar la revisión del caso, pone en riesgo la integridad de la activista y periodista, permitiendo que el agresor recupere su libertad.

Este caso no es aislado. A lo largo y ancho de México, cientos de mujeres trans viven en la incertidumbre de que sus agresores, asesinos y violadores no sean condenados, ya que los procesos judiciales son lentos, ineficaces y, en muchos casos, incapaces de brindar justicia. En 2024, el país vivió uno de los años más letales para las mujeres trans, con 60 asesinatos reportados solo en ese año. La Ciudad de México, con 13 crímenes registrados, lideró esta lamentable estadística.

Es evidente que el sistema de justicia no está preparado para proteger a la comunidad trans ni para dar respuestas adecuadas a la violencia que enfrentan.

En un comunicado, la Asamblea Nacional Trans y No Binarie (ANTNB), hace un llamado urgente al Magistrado Presidente del Tribunal Superior de Justicia de la Ciudad de México, Rafael Guerra Álvarez, para que no permita que el caso de Natalia Lane quede impune. La decisión de los tribunales no solo afectará a la víctima, sino también a todas las mujeres trans en México que luchan por vivir con dignidad y sin miedo a ser atacadas.

Es fundamental que el personal judicial se conduzca con una perspectiva de género adecuada y que asuma su responsabilidad en la protección de las víctimas de violencia. En el caso de Natalia, esto es crucial para evitar que su agresor sea liberado y para garantizar que la justicia se haga efectiva.

Asimismo, alertan sobre la campaña mediática impulsada por el colectivo “No más presos inocentes”, que intenta difamar a Natalia Lane y revictimizarla.

Es alarmante que en un país donde la violencia contra las personas trans es tan alta, existan grupos que no solo niegan la identidad de género de las víctimas, sino que además promueven el odio y la impunidad hacia quienes luchan por sus derechos.

En un contexto tan desgarrador, es comprensible la frustración de Natalia, quien, después de tres años de luchar por justicia, se vio obligada a manifestarse en el Poder Judicial de la Ciudad de México junto con otras compañeras. La respuesta fue una agresión mediática que solo profundiza la herida de un sistema que protege a los agresores.

Responsabilizo al #PoderJudicial d lo que hoy en adelante me pueda suceder.

La sangre d una mujer trans está sobre sus manos. Sus omisiones y tortura institucional quedará a la posteridad como una víctima q decidió confiar en el sistema de justicia y solo obtuvo silencio 🔥🏳️‍⚧️ pic.twitter.com/oJO6eJzEb1

— Natalia Lane (@natalia_lane) January 16, 2025

Por todo esto, exigimos justicia para Natalia Lane, para las 60 mujeres trans asesinadas en 2024 y para las casi 800 mujeres trans asesinadas en los últimos 17 años.

Es hora de que el sistema de justicia mexicano cumpla su deber de proteger a todas las mujeres, sin distinción de género, y que se ponga fin a la revictimización que solo perpetúa el ciclo de violencia e impunidad.

¡Justicia para Natalia y justicia para TODAS!

La actriz Karla Sofía Gascón continúa haciendo historia en la industria del cine, ahora al convertirse en la primera mujer trans en ser nominada a los prestigiosos BAFTA Film Awards. Gascón, quien interpreta el papel protagónico en el drama musical Emilia Pérez, ha sido incluida en la categoría de Mejor Actriz por su destacada interpretación de Emilia, una exjefa de cartel mexicana que finge su propia muerte para someterse a una cirugía de afirmación de género.

La película Emilia Pérez ha sido una de las grandes revelaciones de la edición 2025 de los BAFTA, logrando un total impresionante de 11 nominaciones, incluidas las de Mejor Película y Mejor Director para Jacques Audiard. En una edición con gran competencia, Conclave lidera con 12 nominaciones, pero Gascón se ha ganado su lugar en el corazón de la crítica y el público.

En la categoría de Mejor Actriz, Gascón competirá con destacadas figuras del cine, como Cynthia Erivo (estrella de Wicked), Demi Moore (de The Substance), Saoirse Ronan (por The Outrun), Mikey Madison (de Anora), y Marianne Jean-Baptiste (de Hard Truths). Además, otras estrellas de Emilia Pérez, como Zoë Saldaña y Selena Gomez, también han recibido nominaciones en la categoría de Mejor Actriz Secundaria, por sus papeles como Rita, una abogada que ayuda a Emilia a simular su muerte, y Jessi, la esposa de Emilia antes de su transición, respectivamente.

El impacto de Gascón en la industria ha sido notable desde su incursión en el cine mainstream. En mayo, la actriz se convirtió en la primera mujer trans en ganar el premio a Mejor Actriz en el Festival de Cine de Cannes. En los recientes Premios Globo de Oro, hizo historia al convertirse en la primera actriz trans nominada en la categoría de Mejor Actriz (Musical o Comedia), aunque el premio fue para Moore.

Con su creciente éxito, Gascón es una fuerte candidata a ser nominada en la categoría de Mejor Actriz en los Premios Oscar de 2025, cuyas nominaciones se revelarán la próxima semana.

Además de su éxito en la crítica, Gascón ha respondido con firmeza a los detractores de Emilia Pérez, quienes han acusado a la película de reforzar estereotipos dañinos sobre las mujeres trans. La actriz ha defendido la película, explicando cómo su actuación y la historia de Audiard contribuyen a mejorar la representación trans en el cine.

En esta misma edición de los BAFTA, Wicked obtuvo siete nominaciones, mientras que figuras como Daniel Craig y Denzel Washington fueron excluidos de las nominaciones, a pesar de sus interpretaciones como personajes queer en Queer de Luca Guadagnino y Gladiator II de Ridley Scott, respectivamente.

Los BAFTA Film Awards se celebrarán el próximo 16 de febrero, y la ceremonia será presentada por el aliado de la comunidad LGBTQ+, David Tennant.

La película Avenida Beira-Mar nos transporta a la costa de Niterói, donde, a través de los ojos de dos jóvenes, somos testigos de los desafíos que enfrentan al tratar de reconciliar su identidad con las expectativas de una sociedad que no siempre las entiende. Dirigida por el cineasta brasileño, esta emotiva historia explora temas como el cambio, la aceptación y la presión social, con una trama que pone en primer plano la importancia de la amistad y el amor propio en el proceso de autodescubrimiento.

Rebeca, una niña de 12 años, se muda con su madre a un suburbio tranquilo luego del divorcio de sus padres, pero pronto se ve atrapada en un mundo de inseguridad y desconfianza por los robos que azotan la zona. Mientras lucha por adaptarse a su nueva vida, conoce a Mika, una niña transgénero que desafía abiertamente las normas de género establecidas. Mika, antes conocida como João Pedro, decide abrazar su identidad femenina, enfrentándose al rechazo y la incomprensión de su entorno familiar.

Lo que empieza como una amistad fortuita entre Rebeca y Mika se convierte en el núcleo de la película. Su relación desafía las barreras sociales, mostrando la belleza de un vínculo genuino entre dos almas jóvenes que buscan entenderse en un mundo lleno de restricciones. Sin embargo, la presión que enfrenta Mika debido a su identidad de género y el rechazo que recibe de su familia se convierten en una carga insostenible, llevándola a desaparecer repentinamente, dejando a Rebeca en una desesperada búsqueda para encontrarla.

Con un guion que aborda la lucha interna de sus personajes con una sensibilidad impresionante, Avenida Beira-Mar ofrece una mirada conmovedora a las realidades de las personas transgénero, particularmente a aquellas que aún son jóvenes y están en el proceso de afirmación de su identidad. La película no solo destaca la importancia de la amistad y el amor incondicional, sino también la urgencia de un entorno de apoyo y comprensión para que las personas puedan vivir auténticamente.

El elenco, encabezado por Andréa Beltrão, Emiliano Queiroz y Márcio Vito, da vida a unos personajes complejos y auténticos que reflejan las luchas cotidianas de quienes buscan encontrar su lugar en el mundo. Si bien la película se adentra en temas serios y profundos, su tratamiento sensible y la naturalidad con que aborda la historia de Mika y Rebeca ofrecen un mensaje de esperanza y resistencia frente a la adversidad.

En resumen, Avenida Beira-Mar es una obra cinematográfica que no solo toca los corazones, sino que también invita a la reflexión sobre la importancia de la empatía, la aceptación y la valentía de ser uno mismo, especialmente en un contexto tan desafiante como el de las personas transgénero. Sin lugar a dudas, una película recomendada para todos aquellos que buscan historias que rompan las convenciones y den voz a quienes a menudo son invisibilizados en el cine convencional.

Esta película se estrenó el 7 de junio de 2024 y ahora la puedes ver por MUBI y por renta en Google y otros sitios de streaming.