Atemporal
Las 10 mejores películas sáficas de los últimos tiempos
El cine ha sido un espacio vital para la representación de historias de amor entre mujeres.
Aquí te presentamos una selección de las diez mejores películas sáficas recientes que han capturado corazones y han dejado huella en la cultura LGBTQ+.
“Portrait of a Lady on Fire” (2019)
Dirigida por Céline Sciamma, esta conmovedora historia ambientada en el siglo XVIII sigue el romance entre una pintora y su musa. La cinematografía y la intensidad emocional la convierten en un clásico instantáneo.
“The Handmaiden” (2016)
Una obra maestra de Park Chan-wook, esta película surcoreana es un thriller psicológico que entrelaza romance y traición en un relato inspirado en la novela Fingersmith de Sarah Waters.
“Booksmart” (2019)
Aunque es una comedia sobre dos amigas que se proponen disfrutar de una noche de fiesta antes de graduarse, incluye una hermosa representación de la amistad y el amor entre mujeres, destacando la diversidad en su narrativa.
“The Miseducation of Cameron Post” (2018)
Basada en la novela de Emily Danforth, esta película aborda la vida de una adolescente enviada a un campamento de conversión. La historia explora la lucha por la identidad y el amor en un entorno opresivo.
“Ammonite” (2020)
Protagonizada por Kate Winslet y Saoirse Ronan, esta película se inspira en la vida de la paleontóloga Mary Anning y explora su romance con una joven que llega a su vida, con un trasfondo histórico fascinante.
“The Half of It” (2020)
Esta moderna adaptación de Cyrano de Bergerac presenta una joven que ayuda a un compañero de clase a conquistar a la chica de sus sueños, solo para descubrir que también se siente atraída por ella.
“Ellie & Abbie (and Ellie’s Dead Aunt)” (2020)
Una encantadora comedia australiana que sigue a una adolescente que intenta conquistar a su compañera de clase, mientras enfrenta la presión de ser aceptada en su entorno.
“Happiest Season” (2020)
Una comedia romántica navideña que sigue a una mujer que planea proponerle a su novia durante la visita a la familia, solo para descubrir que su pareja no ha salido del armario.
“Girlhood” (2014)
Aunque no es exclusivamente una película sáfica, este film francés de Céline Sciamma presenta la complejidad de la amistad entre mujeres y sus matices emocionales, con toques de romanticismo.
La estrella de “Emilia Pérez”, Karla Sofía Gascón, se disculpa por antiguos tuits, asegura estar “profundamente arrepentida por el dolor causado”
La actriz Karla Sofía Gascón, nominada al Oscar y protagonista de la película Emilia Pérez, ha pedido disculpas por sus antiguas publicaciones en redes sociales, en las que denigraba al islam y se refería a George Floyd como “un drogadicto y un estafador”.
“Como alguien de una comunidad marginada, conozco este sufrimiento muy bien y estoy profundamente arrepentida por el dolor que he causado”, expresó la actriz en un comunicado a través de Netflix, plataforma donde su película está disponible. “Toda mi vida he luchado por un mundo mejor. Creo que la luz siempre triunfará sobre la oscuridad.”
Gascón hizo historia como la primera actriz transgénero nominada al Oscar en la categoría de mejor actriz, lo que ayudó a que Emilia Pérez fuera la película con más nominaciones de cara a la ceremonia de los próximos Oscars. Netflix espera que la controversia no empañe las posibilidades de la película en los premios.
Las publicaciones antiguas de Gascón en Twitter salieron a la luz esta semana, algunas de ellas remontándose a 2016, donde criticaba la vestimenta, el lenguaje y la cultura de los musulmanes en su España natal. También sugirió que el islam debería ser prohibido.
Además, menos de un mes después de la muerte de George Floyd, un hombre negro que fue asesinado por un oficial de policía blanco en Minneapolis en 2020, lo que desencadenó una reflexión nacional sobre la brutalidad policial y el racismo, Gascón ofreció su evaluación de Floyd, describiéndolo como un drogadicto por el que “muy pocas personas se preocuparon”.
Gascón, quien fue una figura recurrente en telenovelas mexicanas antes de su transición en 2018, interpreta en Emilia Pérez tanto a un peligroso líder de un cartel como a la mujer que emerge después de que el líder simula su propia muerte, Emilia Pérez. Años después, Emilia contacta al abogado que facilitó su transición (Zoe Saldaña) para ayudarla a reunirse con su esposa (Selena Gómez) y sus hijos.
Las publicaciones antiguas de celebridades han regresado a atormentarlas en el pasado, como fue el caso de James Gunn, Trevor Noah y Blake Shelton. Todos han logrado superar la controversia: Gunn fue recontratado para dirigir la tercera película de Guardians of the Galaxy de Marvel y el próximo reinicio de Superman; Noah será el presentador de los premios Grammy de este fin de semana, y Shelton fue durante años coach en The Voice de NBC.
Gascón también se ha visto envuelta en otra polémica reciente por sus publicaciones en redes sociales que han causado una gran división. Sus mensajes, muchos de ellos eliminados desde que la periodista Sarah Hagi los rescatara, expresaban opiniones controvertidas sobre el islam, George Floyd y la diversidad en los Oscars.
Una de las publicaciones más criticadas, fechada el 22 de noviembre de 2020, decía: “Lo siento, ¿es solo mi impresión o hay más musulmanes en España? Cada vez que voy a recoger a mi hija del colegio veo más mujeres con el cabello cubierto y faldas hasta los talones. El próximo año, en vez de inglés, tendremos que enseñar árabe.” También expresó opiniones negativas sobre la cultura islámica, describiéndola como “profundamente asquerosa de la humanidad”.
En otra publicación, días después de la muerte de Floyd, Gascón comentó sobre el caso de una manera que muchos consideraron insensible, llamando a Floyd un “drogadicto estafador” y sugiriendo que muy pocas personas se preocupaban por él.
Su crítica hacia los Oscars de 2021 también generó controversia, ya que calificó la ceremonia como “fea” y comparó la gala con una manifestación de Black Lives Matter o un festival afrocoreano, lo que fue interpretado por muchos como una falta de respeto hacia los esfuerzos de inclusión en la industria del cine.
En su reciente disculpa, Gascón expresó estar consciente del daño que sus palabras causaron y reafirmó su compromiso con la lucha por un mundo más justo. Sin embargo, la controversia continúa siendo un tema candente mientras la actriz se prepara para la próxima ceremonia de los Oscars, donde su película sigue siendo una de las favoritas.
Esta situación resalta las dificultades que los famosos enfrentan cuando se resucitan sus publicaciones del pasado, y cómo las redes sociales han transformado la manera en que se perciben las opiniones de los artistas. A pesar de ello, muchos siguen creyendo que, como ocurrió con otros, Gascón podrá superar esta polémica y seguir adelante con su carrera.
Fin de siglo (2019): Un Juego Sutil con el Tiempo y los Recuerdos
Fin de siglo (2019), dirigida y escrita por Lucio Castro, es una película argentina que se sumerge en las complejidades del amor, el tiempo y la memoria, a través de un relato de encuentro y reencuentro entre dos hombres en Barcelona. Con una duración de solo 84 minutos, el filme utiliza la sencillez para profundizar en temas universales como la juventud, la madurez y los recuerdos que nos acompañan a lo largo de la vida.
La trama sigue a Ocho, un hombre que viaja a Barcelona y conoce a un misterioso hombre llamado Javi. Lo que comienza como un encuentro casual y fugaz, se transforma en algo más profundo cuando ambos se dan cuenta de que ya se habían conocido 20 años antes. La película explora cómo el tiempo y las decisiones pasadas moldean nuestras relaciones, y cómo la reactivación de un viejo vínculo puede traer consigo una mezcla de emociones no resueltas y nuevas perspectivas.
Con un guion que fluye entre el presente y el pasado, Fin de siglo ofrece una mirada melancólica a la vida y el amor. Su tratamiento del tiempo es clave para entender el significado de la película, ya que juega con las expectativas del espectador y la percepción del recuerdo, desdibujando las líneas entre lo que es y lo que podría haber sido. En el fondo, Fin de siglo es una reflexión sobre las oportunidades perdidas, las segundas oportunidades y la inevitabilidad del paso del tiempo.
La película se beneficia de la excelente actuación de sus dos protagonistas, Juan Barberini y Ramón Pujol, quienes logran dar vida a sus personajes con una química que se siente real y emocionalmente resonante. A través de sus interacciones, se plantea una historia que se aleja de las convenciones románticas para ofrecer una visión más introspectiva y existencial del amor.
A nivel visual, Fin de siglo también destaca por su estilo contemplativo, con la cámara siguiendo los momentos más pequeños y significativos de la vida cotidiana de los personajes. La fotografía de Bernat Mestres, con su tono cálido y evocador, contribuye a crear una atmósfera de intimidad y reflexión, mientras que la música de Robert Lombardo se integra sutilmente, realzando la carga emocional de los momentos clave.
A pesar de ser un relato minimalista, la película es profunda en sus reflexiones sobre la identidad, el deseo y las relaciones humanas. Como señalan las críticas, Fin de siglo no solo es una historia de amor, sino también una meditación sobre la juventud, la madurez y la inevitabilidad de las decisiones tomadas en el pasado. El filme encuentra su esencia en la incertidumbre y la ambigüedad de los sentimientos, lo que lo convierte en una obra que desafía las convenciones del cine romántico tradicional.
Fin de siglo no es solo un homenaje a los encuentros inesperados, sino también una exploración de cómo esos encuentros pueden cambiar nuestra forma de ver el mundo y a nosotros mismos. Con su ritmo pausado, su carga emocional y su enfoque introspectivo, la película deja una impresión duradera, invitando a los espectadores a reflexionar sobre su propio paso por la vida y el amor.
Disponible en plataformas como Filmin, Fin de siglo se ha convertido en una propuesta esencial para aquellos interesados en el cine queer y en las historias de amor que trascienden las convenciones románticas tradicionales.
Bizarre (2015): Un Viaje de Autodescubrimiento en el Corazón de Brooklyn
Bizarre (2015), dirigida por Etienne Faure, es una película francesa que mezcla drama, romance y elementos de la cultura queer, llevando a los espectadores a través de una historia de autodescubrimiento en el contexto de una vida nocturna vibrante y desafiante. Con una duración de 99 minutos, la película se centra en Maurice, un joven aficionado a las artes marciales que decide emigrar desde Francia a Estados Unidos con la esperanza de encontrar una vida mejor. Al llegar a Brooklyn, encuentra trabajo en un club nocturno llamado “Bizarre”, donde pronto se convierte en la estrella de la noche gracias a su atractivo físico y habilidades físicas.
El filme explora temas de identidad, deseo y las complejidades de las relaciones humanas a través de los ojos de Maurice, quien se ve atrapado entre su deseo de éxito y su lucha interna por encontrar un propósito más allá de la atención superficial que recibe en el club. A medida que la película avanza, Maurice no solo se enfrenta a los desafíos de su entorno, sino también a su propio proceso de crecimiento personal, entendiendo más sobre sí mismo y sobre las dinámicas de poder y amor en un ambiente tan cargado de expectativas como lo es la vida nocturna.
El enfoque de Faure en la física del cuerpo humano y la sensualidad se combina con momentos de introspección profunda, creando una obra que no solo aborda el deseo físico, sino también las capas emocionales y psicológicas que subyacen a las relaciones románticas y sexuales. Los personajes secundarios, como los demás trabajadores del club y los clientes que interactúan con Maurice, juegan un papel crucial en este viaje, ayudando al protagonista a descubrir quién es realmente fuera de las expectativas sociales.
La dirección de Etienne Faure, junto con un guion que coescribió junto a Ray De Leon, crea una atmósfera envolvente que transporta al espectador a las entrañas de un mundo nocturno lleno de deseo, tensión y vulnerabilidad. El reparto, con Pierre Prieur en el papel de Maurice, junto a Adrian James, Raquel Nave y Rebekah Underhill, ofrece interpretaciones conmovedoras que dan vida a personajes complejos y multifacéticos.
Bizarre es una película que no solo explora las tensiones y realidades de la vida en un club nocturno, sino que también plantea preguntas sobre lo que significa encontrar un equilibrio entre la atracción superficial y el autoconocimiento profundo. En su exploración de la identidad sexual y el deseo, Faure presenta una historia que es tanto provocativa como emocionalmente rica, invitando a los espectadores a reflexionar sobre las múltiples facetas del amor y las relaciones humanas en un contexto contemporáneo y vibrante.
Con una cinematografía que captura tanto la vibrante vida nocturna de Brooklyn como los momentos más íntimos de los personajes, Bizarre es una película que ofrece una reflexión honesta y a veces incómoda sobre la identidad y la búsqueda de conexión en un mundo saturado de superficialidad. Es una obra que, a pesar de sus momentos sensuales, nunca pierde de vista el viaje emocional y humano que acompaña al protagonista en su descubrimiento personal.
Disponible en MUBI y otras plataformas en renta:
Yossi: Un Retrato Sutil de la Soledad y el Amor Perdido
Yossi (2012), dirigida por Eytan Fox, es la secuela de la exitosa Yossi & Jagger (2002), una de las películas más emblemáticas del cine israelí que retrata el amor en un contexto de tensión y conflicto. Con una duración de solo 81 minutos, esta entrega nos sumerge nuevamente en la vida de Yossi, un personaje que, tras la pérdida de su pareja, lucha por sanar y encontrar la paz emocional.
La trama se desarrolla varios años después de los eventos ocurridos en la primera película, mostrando a un Yossi (interpretado por Ohad Knoller) atrapado en su dolor y soledad. A lo largo de Yossi, el protagonista se enfrenta a su pasado, que lo persigue y le impide avanzar. Cuando una serie de eventos lo lleva a emprender un viaje, acompañado por varios soldados, comienza a buscar no solo un destino físico, sino también una reconexión emocional con él mismo.
La película es un retrato profundamente humano de la reconstrucción emocional, explorando los dilemas internos de un hombre que sigue viviendo con las huellas de su pasado, el cual involucra no solo el amor perdido, sino también las dificultades de aceptar su identidad y su entorno. La carretera, como metáfora del viaje interior de Yossi, es el espacio donde se enfrentan sus demonios, mientras intenta despertar del “sueño” de su vida anterior y encontrar nuevas formas de conexión y esperanza.
El guion, escrito por Itay Segal, presenta un enfoque sobrio y minimalista. A través de diálogos sencillos pero significativos, la película destaca la lucha interna de Yossi, cuyo sufrimiento es tanto un reflejo de su amor por Jagger, como de las expectativas que la sociedad y él mismo han puesto sobre su vida.
El tono de Yossi es a la vez nostálgico y esperanzador. Aunque la historia de amor que subyace en la película está marcada por la tragedia, la película tiene un enfoque de redención. A través del proceso de enfrentarse a su pasado, Yossi no solo busca la reconciliación con su amor perdido, sino también consigo mismo.
A lo largo de la película, el director Eytan Fox presenta una mirada cruda pero delicada de las emociones humanas. La puesta en escena y la fotografía a cargo de Guy Raz hacen que cada plano sea contemplativo, transmitiendo la melancolía de la historia sin sobrecargarla de dramatismo.
Yossi ha sido aclamada por la crítica por su enfoque emocional y austero. El crítico de The Wall Street Journal, Joe Morgenstern, destacó la película como “un emocionante y admirablemente austero retrato del amor perdido”. Esta obra no busca ofrecer respuestas fáciles, sino que invita al espectador a reflexionar sobre los procesos de duelo, aceptación y la búsqueda de una nueva oportunidad para el amor.
Yossi es un viaje emocional que no solo continúa la historia de Yossi & Jagger, sino que la expande al explorar las consecuencias del amor no correspondido y la soledad que queda en su lugar. La película, con su tono intimista y su estilo visual sobrio, logra capturar la complejidad de los sentimientos humanos con una sinceridad conmovedora. Si bien la trama puede parecer sencilla, la profundidad emocional que encierra convierte a Yossi en una obra memorable que toca las fibras más sensibles del espectador.
Disponible para ver en MUBI y renta en sitios de streaming. Aquí el tráiler:
Crítica de Playa del Futuro: Un Drama de Identidad y Desplazamiento entre el Amor y el Dolor
Playa del Futuro (Praia do Futuro, 2014) del director Karim Aïnouz es un drama romántico que explora temas complejos de identidad, amor y desplazamiento a través de una historia de conexión inesperada entre dos hombres que se conocen en circunstancias dramáticas en la playa. La película, que fue bien recibida en varios festivales internacionales, se destaca por su enfoque sensorial y contemplativo, aunque su ritmo pausado y sus decisiones narrativas han generado opiniones divididas.
La trama sigue a Donato (interpretado por Wagner Moura), un salvavidas en la peligrosa Praia do Futuro, en Brasil. Durante una de sus jornadas en el mar, rescata a Konrad (interpretado por Clemens Schick), un turista alemán, mientras su compañero se ahoga. En medio de la espera por la recuperación del cuerpo de la víctima, se desarrolla una conexión emocional y sexual entre Donato y Konrad. Lo que comienza como una aventura de rescate se convierte en una relación que pondrá a prueba las identidades, emociones y destinos de los protagonistas, en un juego de desplazamiento entre Brasil y Alemania, donde el amor no parece suficiente para superar las barreras del pasado y las diferencias culturales.
Lo que Futuro Beach ofrece al espectador es un retrato de la vida de los personajes que se mueve más por sensaciones que por la acción en sí misma. La película se enfoca en la evolución emocional de los protagonistas a través de una serie de elipsis narrativas y saltos temporales que reflejan el desplazamiento tanto físico como emocional de los personajes. Este tratamiento de la narrativa, sin embargo, ha generado críticas sobre su “indefinición”, como señala el crítico Luis Martínez de El Mundo, quien considera que la historia no logra profundizar ni avanzar lo suficiente.
El director Karim Aïnouz ha sido elogiado por su capacidad para capturar la textura de las emociones a través de imágenes sensuales y hermosas, creando una atmósfera única que da vida a la historia de amor. La crítica de Village Voice resalta que la película es “tan potente en textura como en narrativa” y está llena de “imágenes sensuales”, lo cual es un testimonio de la destreza del director para inmortalizar el sentimiento de pertenencia y la conexión en un paisaje tan desolador como la playa en la que se desarrolla la historia.
Lo que se encuentra en Futuro Beach es una historia de amor llena de barreras: no solo la distancia geográfica entre Brasil y Alemania, sino también las barreras emocionales que se erigen cuando dos personas de orígenes y expectativas tan distintas intentan construir algo duradero. La relación entre Donato y Konrad es intensa, pero la película también muestra cómo las cicatrices del pasado, los temores internos y las inseguridades sociales y personales se interponen en el camino.
Aunque la película se desarrolla con la promesa de un romance conmovedor, muchos críticos, como Sergi Sánchez de La Razón, argumentan que la falta de una conexión emocional clara con los personajes principales hace que todo se sienta algo académico, e incluso “torpe”. La forma en que Aïnouz decide desvelar las emociones a través de silencios y no a través de palabras crea una atmósfera densa, pero esta misma estrategia puede resultar desafiante para algunos espectadores que prefieren una narrativa más directa.
En el fondo, Futuro Beach es una meditación sobre el desarraigo y la búsqueda de identidad. Donato es un hombre atrapado en su país, en su vida y en sus relaciones, mientras que Konrad es un extranjero cuya presencia en Brasil simboliza tanto una ruptura como una posibilidad de redención. La historia pone de relieve cómo las relaciones amorosas pueden ofrecer tanto una oportunidad para la autodefinición como un obstáculo para ello, especialmente cuando las expectativas y las presiones sociales se entrelazan con las emociones de los personajes.
La película está disponible en renta en Google, Youtube y en Amazon Prime. Aquí el tráiler
Reflexión sobre Those People: El Peso de las Decisiones en el Laberinto del Amor y la Ambición
La película Those People (2016) nos ofrece una ventana emocional a la vida de un joven pintor gay, Charlie, atrapado en un torbellino de deseos, pasiones y realidades complejas, que exploran las difíciles decisiones que debemos tomar a medida que transitamos en la adultez. En una opulenta Manhattan, en el corazón del Upper East Side, Charlie vive entre el sueño artístico y la confusión emocional, deseando lo inalcanzable y confrontando las sombras del pasado.
El filme, calificado como drama LGBT+ y etiquetado como pesimista y emotivo, nos sumerge en la tensión emocional que surge cuando los amores y las amistades se mezclan con la ambición personal y la presión social. Charlie, un joven pintor lleno de aspiraciones, se ve atrapado en un triángulo amoroso que le impide avanzar: por un lado, su enamoramiento no correspondido por su mejor amigo, el carismático y manipulador Sebastian, y por otro, una relación con Tim, un pianista mayor, que promete algo más genuino y profundo.
Lo que distingue a Those People no es solo su tratamiento de los amores no correspondidos o la típica lucha entre lo correcto y lo deseado, sino la complejidad de sus personajes, especialmente de Sebastian, quien personifica esa figura tóxica a la que muchos de nosotros nos aferramos en un intento por justificar nuestras propias inseguridades. Sebastian, atrapado en un escándalo financiero, se convierte en la fuerza que mueve el drama, un reflejo de los desafíos de la juventud privilegiada de Nueva York y sus dilemas éticos. A través de él, Those People se convierte en una exploración de cómo los vínculos emocionales pueden estar contaminados por la manipulación y la falta de honestidad.
La película no presenta respuestas fáciles. No hay héroes ni villanos claros. Más bien, nos presenta a seres humanos complejos, imperfectos, cuyo deseo de amor y éxito se ve eclipsado por sus propias sombras. El trabajo de Charlie refleja, en gran parte, su desconcierto emocional: mientras busca el amor y la validación, parece también huir de la confrontación con su propia identidad y sus deseos más profundos. Esto es especialmente evidente cuando se enfrenta al dilema entre su afecto por Sebastian y su creciente relación con Tim, quien representa una figura madura y estable, un contraste significativo con el caos que Sebastian arrastra consigo.
El tono pesimista del filme también es relevante en su contexto. A diferencia de otros relatos LGBT+ que suelen presentar finales redentores o románticos, Those People se atreve a exponer la realidad de que, a veces, los lazos más profundos que formamos no son necesariamente los más saludables. La película nos recuerda que, en la vida, no siempre ganamos o alcanzamos lo que queremos de la manera que lo esperamos.
Además de los matices en la trama, Those People también brilla por su tratamiento visual. El escenario de Manhattan, que se convierte en otro personaje, refleja la brecha entre las aspiraciones personales de Charlie y la fría indiferencia del mundo que lo rodea. Los colores y las composiciones de la película subrayan la división entre lo que Charlie desea y lo que realmente necesita, sumando una capa más de complejidad emocional.
A pesar de ser un filme que aborda temas como el amor, la amistad y la traición en un contexto social privilegiado, Those People nos invita a reflexionar sobre cuestiones universales que afectan a cualquier persona, independientemente de su identidad o contexto: la lucha interna entre lo que creemos que debemos querer y lo que realmente necesitamos para ser felices.
En conclusión, Those People no es solo una historia de amor gay en el corazón de Nueva York, es una reflexión sobre los desafíos emocionales que enfrentamos al buscar nuestro lugar en el mundo, con las inevitables pérdidas y dilemas morales que acompañan esa búsqueda. Es una obra que invita a pensar, a cuestionar y, sobre todo, a aceptar que el camino hacia el amor verdadero no siempre es claro, ni fácil de transitar.
“Not Out” (2022): El Amor Prohibido y el Destino Imparable en una Noche de Reencuentro
El cine siempre ha sido un espacio para explorar historias de amor complejas y emocionantes, y Not Out (2022) es un claro ejemplo de cómo la narrativa puede combinar el drama, la tragedia y la pasión de una manera única. Dirigida y escrita por Jeffrey Goldberg, esta película nos introduce en la vida de dos antiguos amantes gay, cuyas vidas se entrelazan de nuevo tras un trágico y violento incidente. La historia, que transcurre en el vibrante y caótico Mumbai, revela las cicatrices de un amor imposible, mientras se enfrenta a las realidades que la sociedad y el destino les imponen.
La trama se centra en dos hombres, uno un exjugador de cricket de la IPL (Indian Premier League) y el otro un millonario propietario de un equipo de IPL. Tras más de un año de separación, el destino los une nuevamente cuando el poeta es brutalmente atacado durante una noche de excesos. A lo largo de una sola noche, ambos hombres redescubren la intensidad de su amor, pero también se enfrentan a la amarga realidad de que, a pesar de la profunda conexión que aún comparten, nunca podrán estar juntos.
Lo que hace de Not Out una experiencia cinematográfica única es su habilidad para mezclar la tensión de un amor no correspondido con la crítica a las presiones sociales que frenan las relaciones homosexuales, especialmente en un contexto tan tradicional como el de la India. La historia no solo explora el sufrimiento emocional de los protagonistas, sino también las restricciones impuestas por su entorno, creando una atmósfera llena de dolor, deseo y frustración.
El reparto, encabezado por Aashim Gulati y Namit Khanna, brinda una actuación conmovedora, destacando especialmente la química entre los dos actores, quienes logran transmitir la desesperación y el amor eterno que los une. La tensión entre ellos, tanto física como emocional, se convierte en el núcleo de la película, mientras enfrentan la inevitabilidad de una separación forzada por las circunstancias.
La dirección de Jeffrey Goldberg, al igual que su guion, es sutil y poderosa, logrando capturar la esencia de una relación que no puede ser, mientras nos arrastra por un torbellino emocional que mantiene al espectador en vilo. La película se siente a la vez íntima y universal, con una narrativa que habla tanto de la identidad personal como del amor no correspondido, sin dejar de lado las realidades sociales que limitan la libertad de amar.
Con una duración de 1 hora y 28 minutos, Not Out no desperdicia tiempo, construyendo lentamente una atmósfera densa y cargada de emoción, mientras los protagonistas intentan entender si pueden encontrar una forma de estar juntos, a pesar de todo lo que los separa.
En resumen, Not Out (2022) es una película que toca el alma, explorando los límites del amor y el dolor que conlleva cuando el corazón se enfrenta a las imposibilidades del destino. Una historia que no solo nos recuerda la fragilidad de las relaciones, sino también las barreras que muchos deben enfrentar para poder amar en un mundo que aún no siempre acepta la diversidad. Un must para quienes buscan una historia profunda, dolorosa y auténtica sobre el amor y la pérdida.
“Shutline”: Un Anime Yaoi que Desafía las Expectativas y Explora el Límite entre la Supervivencia y la Pasión
En un mundo lleno de historias que exploran las emociones humanas, “Shutline” se presenta como un anime yaoi que no solo cautiva por su trama intrigante, sino que también desafía las expectativas del género. A través de su protagonista, Moon Shingun, un hombre común que lucha por sobrevivir reparando autos en las calles, y Jake Gillan, un miembro de una poderosa banda criminal, la serie teje una narrativa llena de tensión, ambigüedad emocional y una química palpable entre los dos personajes principales.
Este anime no es recomendado para menores de 18 años por su contenido homoerótico.
Desde el primer encuentro entre Shingun y Jake, el anime nos invita a sumergirnos en una relación que comienza bajo circunstancias inusuales: un cliente problemático que resulta ser más que solo un hombre de negocios. La dinámica que surge entre ellos se convierte en el eje central de la trama, donde el deseo y el peligro se entrelazan con cada episodio. A pesar de las tentativas de Shingun por mantenerse alejado, Jake no parece dispuesto a dejarlo ir, lo que crea un escenario cargado de una energía emocional compleja, propia del género yaoi.
A lo largo de la historia, “Shutline” no solo nos presenta una relación romántica, sino que también toca temas profundos como el poder, el control y la redención, fusionando de manera efectiva el drama de supervivencia con una exploración de los límites entre lo personal y lo peligroso. Los momentos de tensión y deseo son intensos, llevando a los personajes a enfrentarse a sus propios sentimientos, lo que da lugar a una relación llena de matices y emociones contradictorias.
La animación, por su parte, destaca por sus escenas de acción y su estilo visual que acentúa la atmósfera sombría de la historia, complementando la relación dinámica entre los personajes. Aunque en muchos casos el anime yaoi se enfoca en momentos explícitos de intimidad, “Shutline” se destaca por su capacidad de transmitir la conexión emocional y psicológica de los protagonistas, creando una narrativa que va más allá de lo físico y profundiza en los aspectos más oscuros de sus corazones.
En resumen, “Shutline” es una propuesta fresca dentro del anime yaoi, que no solo explora el amor y el deseo entre dos hombres, sino que también pone sobre la mesa cuestiones de supervivencia, poder y dependencia emocional. Una obra recomendada para quienes buscan una historia apasionante que desafíe los límites del género, mientras mantiene la intensidad que caracteriza a las mejores narrativas yaoi.
Está disponible para verlo por paga aquí.
“Avenida Beira-Mar”: Un drama íntimo sobre la identidad, la amistad y la lucha por ser uno mismo
La película Avenida Beira-Mar nos transporta a la costa de Niterói, donde, a través de los ojos de dos jóvenes, somos testigos de los desafíos que enfrentan al tratar de reconciliar su identidad con las expectativas de una sociedad que no siempre las entiende. Dirigida por el cineasta brasileño, esta emotiva historia explora temas como el cambio, la aceptación y la presión social, con una trama que pone en primer plano la importancia de la amistad y el amor propio en el proceso de autodescubrimiento.
Rebeca, una niña de 12 años, se muda con su madre a un suburbio tranquilo luego del divorcio de sus padres, pero pronto se ve atrapada en un mundo de inseguridad y desconfianza por los robos que azotan la zona. Mientras lucha por adaptarse a su nueva vida, conoce a Mika, una niña transgénero que desafía abiertamente las normas de género establecidas. Mika, antes conocida como João Pedro, decide abrazar su identidad femenina, enfrentándose al rechazo y la incomprensión de su entorno familiar.
Lo que empieza como una amistad fortuita entre Rebeca y Mika se convierte en el núcleo de la película. Su relación desafía las barreras sociales, mostrando la belleza de un vínculo genuino entre dos almas jóvenes que buscan entenderse en un mundo lleno de restricciones. Sin embargo, la presión que enfrenta Mika debido a su identidad de género y el rechazo que recibe de su familia se convierten en una carga insostenible, llevándola a desaparecer repentinamente, dejando a Rebeca en una desesperada búsqueda para encontrarla.
Con un guion que aborda la lucha interna de sus personajes con una sensibilidad impresionante, Avenida Beira-Mar ofrece una mirada conmovedora a las realidades de las personas transgénero, particularmente a aquellas que aún son jóvenes y están en el proceso de afirmación de su identidad. La película no solo destaca la importancia de la amistad y el amor incondicional, sino también la urgencia de un entorno de apoyo y comprensión para que las personas puedan vivir auténticamente.
El elenco, encabezado por Andréa Beltrão, Emiliano Queiroz y Márcio Vito, da vida a unos personajes complejos y auténticos que reflejan las luchas cotidianas de quienes buscan encontrar su lugar en el mundo. Si bien la película se adentra en temas serios y profundos, su tratamiento sensible y la naturalidad con que aborda la historia de Mika y Rebeca ofrecen un mensaje de esperanza y resistencia frente a la adversidad.
En resumen, Avenida Beira-Mar es una obra cinematográfica que no solo toca los corazones, sino que también invita a la reflexión sobre la importancia de la empatía, la aceptación y la valentía de ser uno mismo, especialmente en un contexto tan desafiante como el de las personas transgénero. Sin lugar a dudas, una película recomendada para todos aquellos que buscan historias que rompan las convenciones y den voz a quienes a menudo son invisibilizados en el cine convencional.
Esta película se estrenó el 7 de junio de 2024 y ahora la puedes ver por MUBI y por renta en Google y otros sitios de streaming.
Revry, la plataforma global de streaming lanzada en 2016 y enfocada en la creación y distribución de contenido queer, ha anunciado su nuevo proyecto “King of Drag”, que verá la luz en la primavera de 2025.
Este innovador formato de competencia busca abrir un espacio históricamente subestimado: un escenario donde los drag kings podrán demostrar su talento y competir por el título de “King of Drag”.
El show será conducido por Murray Hill, actor trans, comediante y leyenda drag king en Nueva York. Con una carrera que abarca más de dos décadas, Hill no solo ha sido un pionero en el mundo del drag king, sino también un referente de visibilidad y representación para artistas trans y queer.
Aunque existen formatos similares en otras plataformas y países, King of Drag busca distinguirse con un formato centrado en el ingenio, la creatividad y la capacidad de los participantes para redefinir la masculinidad a través del arte y la comedia. El enfoque principal estará en el talento de los concursantes para la comedia, performances poco convencionales y la representación de esa masculinidad que ha definido esta subcultura dentro del mundo drag durante décadas.
Para conocer más sobre este emocionante proyecto, tuve la oportunidad de entrevistar al cofundador y CEO de Revry, Damian Pelliccione, quien nos adelantó qué podemos esperar de este nuevo reality.
¿Qué inspiró a Revry a crear King of Drag y por qué este es el momento ideal para celebrar a los drag kings en una plataforma como esta?
“Somos grandes fans de los drag kings desde que comenzamos la compañía en 2015. Hemos trabajado con ellos en varios de nuestros originales, como Androgin en 2021 con House of Pride y The Cake Boys en la cuarta temporada de Queens of Kings. Siempre hemos creído que los drag kings merecen su momento bajo los reflectores al igual que las queens.
En 2022 asistí a un brunch de drag kings aquí en Los Ángeles y quedé impresionado por lo grande que es esta comunidad. Esa experiencia me inspiró y motivó a empezar a desarrollar un programa de competencia de drag kings como un original de Revry.
Los drag kings son los héroes no reconocidos del arte queer, y ya es hora de que reciban la atención que merecen. En Revry siempre hemos defendido la representación auténtica, y King of Drag rompe barreras al celebrar una comunidad que ha sido ignorada durante demasiado tiempo. Este es el momento cultural adecuado para dar visibilidad a todas las facetas del drag, no solo a las queens, y estamos listos para hacerlo sin disculpas.”
Históricamente, los drag kings han sido poco representados en los medios de drag mainstream. ¿Cómo busca King of Drag amplificar su arte y cambiar la narrativa cultural?
“King of Drag romperá estereotipos y pondrá a los drag kings en el lugar que merecen: al frente y al centro. A través de sus historias, creatividad y actuaciones impactantes, mostraremos al mundo que el drag no se trata solo de coronas, sino de romper normas y celebrar la individualidad y la comunidad. Este programa no es solo entretenimiento; es una revolución en los medios de competencia de drag.”
¿Qué pueden esperar los espectadores en términos de retos, actuaciones y el formato general? ¿Hay temas únicos que lo distingan?
“Los espectadores pueden esperar desde lip-syncs llenos de energía hasta transformaciones de personajes impresionantes y desafíos que llevarán la creatividad al máximo. Lo que distingue a King of Drag es su celebración de la masculinidad en todas sus formas, desde lo camp hasta lo crudo y emocional. Con Murray Hill como anfitrión, el humor, la determinación y el desenfreno fabuloso estarán presentes en cada episodio.”
¿Cómo abordó Revry el casting para el programa? ¿Qué cualidades hacen que este grupo de concursantes se destaque y represente lo mejor del arte drag king?
“Estamos buscando drag kings que encarnen la resiliencia, la creatividad y una audaz disposición a romper esquemas. Este elenco será diverso, extremadamente talentoso y representará todo el espectro de los performers drag kings, desde la rebeldía punk rock hasta el glamour que desafía los géneros. Demostrarán que los kings pueden reinar tan ferozmente como las queens, si no más.”
¿Qué espera Revry que King of Drag logre para la representación LGBTQ+ y la comunidad drag en general?
“King of Drag es mucho más que un programa; es una plataforma para reescribir la historia queer. Queremos que esta serie inspire a la próxima generación de performers y le recuerde al mundo que el drag es ilimitado, inclusivo y transformador. Es una carta de amor a nuestra comunidad y una declaración audaz: todas las facetas de la cultura queer merecen su momento para brillar.”
Es evidente que King of Drag no se limita a entretener, sino que aspira a transformar la representación de los drag kings y celebrar la diversidad dentro de la cultura queer. Con una primera temporada de seis episodios, este programa promete convertirse en un hito cultural imperdible. La cuenta regresiva comienza, y esta primavera, Revry nos invita a ser parte de este momento queertastico.
El famoso programa de citas gay regresa oficialmente para su segunda temporada
La exitosa serie de Netflix The Boyfriend ha sido renovada para una segunda temporada. La plataforma de streaming anunció la noticia el domingo 15 de diciembre a través de su cuenta en redes sociales para la comunidad LGBTQ+, @most.
“¡Noticia emocionante! The Boyfriend regresa para la temporada 2”, dice el anuncio. “Sumérgete en nuevas historias de amor y amistad con un grupo fresco de chicos. Pon al día la temporada 1, ¡ya disponible en Netflix!”
Los fans están encantados con la noticia. “¡Esto me hizo el año entero!”, escribió uno de los seguidores. Otro comentó, “¡OMG!!!!!!!!!! ¡La mejor noticia de la semana!”
Por si te lo perdiste, la primera temporada de The Boyfriend se estrenó en julio de 2024 y presentó a nueve hombres gay viviendo juntos en una casa en el campo japonés. Mientras este grupo intentaba formar relaciones románticas, también se apoyaban mutuamente trabajando en un camión de café, creando lazos más profundos y aceptándose como personas queer.
El productor ejecutivo de Netflix, Dai Ota, comentó en una declaración sobre la temporada 2 de The Boyfriend (a través de Tudum):
“Gracias al cariño de nuestros espectadores, estamos emocionados de regresar para una nueva temporada. Siendo el primer programa de citas de romance entre personas del mismo sexo en Japón, prestamos mucha atención para asegurarnos de que la historia sea una representación auténtica de estas relaciones. En la temporada 1, mostramos no solo romance, sino también su amistad y las conexiones significativas entre ellos, lo cual creo tocó los corazones de los fans alrededor del mundo.”
Ota agregó, “En la temporada 2, continuaremos mostrando su compasión y sus historias de crecimiento, con perspectivas y antecedentes aún más únicos. ¡Esperen una nueva temporada con nuevos participantes, una nueva Green Room y nuevas historias!”
La primera temporada de The Boyfriend constó de 10 episodios, combinando “romance, camaradería, celos y todo lo demás.”
Nosotros también nos enamoramos de cada uno de los concursantes. Dai y Shun tienen un canal de YouTube para documentar su romance continuado, y Usak sigue siendo un rey del deseo en las redes sociales. La falta de representación LGBTQ+ en el este de Asia ha hecho que muchos consideren The Boyfriend como un hito del año, especialmente por su impacto en las comunidades asiáticas.
Aún no se han revelado más detalles, ¡pero estamos ansiosos por ver qué nos depara el programa en esta nueva temporada!
La temporada 1 de The Boyfriend ya está disponible en Netflix.
Celebrando el talento LGBTQ+ en los Globos de Oro 2025
El talento LGBTQ+ continúa brillando con fuerza en el mundo del cine y la televisión. A medida que se acercan los Globos de Oro 2025, la inclusión de historias y artistas queer y trans es más destacada que nunca.
Ya sea porque la historia es LGBTQ o porque actores y/o actrices queer interpretan estas historias… Estos son los, las y les nominadxs por quienes estaremos apoyando en la próxima edición de los premios.
Emilia Pérez (10 nominaciones)
Karla Sofía Gascón, Zoe Saldaña, Selena Gomez y más en Emilia Pérez
- Mejor Película (Musical o Comedia)
- Mejor Dirección — Jacques Audiard
- Mejor Guion — Jacques Audiard
- Mejor Actriz Principal (Musical o Comedia) — Karla Sofía Gascón
- Mejor Actriz Secundaria — Zoe Saldaña
- Mejor Actriz Secundaria — Selena Gomez
- Mejor Canción Original — “El Mal”
- Mejor Canción Original — “Mi Camino”
- Mejor Banda Sonora Original — Clément Ducol
- Mejor Película Extranjera — Francia
Wicked (4 nominaciones)
Cynthia Erivo y Ariana Grande en Wicked
- Mejor Película (Musical o Comedia)
- Logro Cinemático y en Taquilla
- Mejor Actriz Principal (Musical o Comedia) — Cynthia Erivo
- Mejor Actriz Secundaria — Ariana Grande
Challengers (4 nominaciones)
Zendaya, Mike Faist, y Josh O’Connor en Challengers
- Mejor Película (Musical o Comedia)
- Mejor Actriz Principal (Musical o Comedia) — Zendaya
- Mejor Banda Sonora Original — Trent Reznor, Atticus Ross
- Mejor Canción Original — “Compress / Repress”
Monsters: The Lyle and Erik Menendez Story (3 nominaciones)
Cooper Koch en Monsters: The Lyle and Erik Menendez Story
- Mejor Serie Limitada o Película para Televisión
- Mejor Actor Principal en Serie Limitada — Cooper Koch
- Mejor Actor Secundario en Televisión — Javier Bardem
Hacks (3 nominaciones)
Hannah Einbinder y Jean Smart en Hacks
- Mejor Serie de Televisión (Musical o Comedia)
- Mejor Actriz Secundaria en Serie de Televisión (Musical o Comedia) — Hannah Einbinder
- Mejor Actriz Principal en Serie de Televisión (Musical o Comedia) — Jean Smart
Baby Reindeer (3 nominaciones)
Richard Gadd en Baby Reindeer
- Mejor Serie Limitada o Película para Televisión
- Mejor Actor Principal en Serie Limitada — Richard Gadd
- Mejor Actriz Secundaria en Televisión — Jessica Gunning
Ripley (3 nominaciones)
Andrew Scott en Ripley
- Mejor Serie Limitada o Película para Televisión
- Mejor Actor Principal en Serie Limitada — Andrew Scott
- Mejor Actriz Secundaria en Televisión — Dakota Fanning
True Detective: Night Country (3 nominaciones)
Jodie Foster en True Detective: Night Country
- Mejor Serie Limitada o Película para Televisión
- Mejor Actriz Principal en Serie Limitada — Jodie Foster
- Mejor Actriz Secundaria en Televisión — Kali Reis
Sing Sing (1 nominación)
Colman Domingo en Sing Sing
- Mejor Actor Principal en Película (Drama) — Colman Domingo
House of the Dragon (1 nominación)
Emma D’Arcy en House of the Dragon
- Mejor Actriz Principal en Serie de Televisión (Drama) — Emma D’Arcy
Maria (1 nominación)
Angelina Jolie en Maria
- Mejor Actriz Principal en Película (Musical o Comedia) — Angelina Jolie
Agatha All Along (1 nominación)
Kathryn Hahn en Agatha All Along
- Mejor Actriz Principal en Serie de Televisión (Musical o Comedia) — Kathryn Hahn
Queer (1 nominación)
Daniel Craig en Queer
- Mejor Actor Principal en Película (Drama) — Daniel Craig
Moana 2 (1 nominación)
Moana en Moana 2
- Mejor Película Animada
The Wild Robot (1 nominación)
The Wild Robot
- Mejor Canción Original — “Kiss the Sky”
El dolor de no ser aceptado por quienes más queremos, las cicatrices emocionales de la represión y la constante búsqueda de amor incondicional son temas universales que atraviesan las vidas de muchas personas LGBTQ+. De la misma forma en que Charlie busca la reconciliación con su hija, muchos en la comunidad buscan restablecer lazos con sus seres queridos, superar traumas y encontrar un lugar donde puedan sentirse completos y aceptados tal como son.
La película también abre un espacio para reflexionar sobre cómo la sociedad percibe el cuerpo, la salud y la apariencia, temas que se entrelazan con los desafíos que enfrentan muchas personas LGBTQ+ al lidiar con los estándares de belleza impuestos y las expectativas sociales. El juicio sobre el cuerpo y las decisiones sobre cómo vivirlo son también una lucha que ha sido particularmente significativa para las personas transgénero, no binarias y otras personas dentro de la comunidad.
En conclusión, La Ballena no solo ofrece una narrativa sobre el sufrimiento y la autoaceptación, sino que también se convierte en un espejo de las experiencias de las personas LGBTQ+ que, al igual que Charlie, luchan por encontrar su lugar en un mundo que no siempre está dispuesto a aceptarlos tal como son. La película subraya la importancia de la empatía y el amor incondicional, invitándonos a reflexionar sobre la manera en que todos, independientemente de nuestra identidad, buscamos la aceptación, la conexión y la redención.
Esta película está disponible para ver en Netflix.
Luca Guadagnino Responde a la Prohibición de su Película Queer en Turquía: “Están Disparándose en el Pie”
Luca Guadagnino ha reaccionado a la decisión de las autoridades turcas de prohibir la proyección de su película Queer, que había sido elegida para inaugurar el Mubi Fest Istanbul 2024. La controversia surgió el 7 de noviembre, cuando, a solo horas de su estreno, Mubi Turkey anunció que la película ya no se proyectaría debido a una orden de última hora del gobernador del distrito de Kadıköy, en Estambul.
En un comunicado en Instagram, Mubi Turkey expresó su decepción: “A pocas horas del inicio de MUBI Fest Istanbul 2024, que habíamos planeado meticulosamente durante meses, se nos informó que la proyección de Queer, la película inaugural del festival, había sido prohibida por decisión de la Gobernación del Distrito de Kadıköy”, explicaron. La razón citada por las autoridades fue que la película contenía “contenido provocador que podría poner en peligro la paz social”, lo que llevó a la prohibición por “razones de seguridad”.
El equipo detrás del festival no dudó en calificar la medida como una intervención que limita la libertad artística y la diversidad cultural, elementos fundamentales para la celebración del evento. “Esta prohibición no solo quita una película, sino que también arrebata el significado y propósito de todo el festival”, señalaron en su publicación.
El director Luca Guadagnino no tardó en expresar su opinión sobre la censura en Turquía. En una entrevista con Entertainment Weekly, Guadagnino cuestionó si las autoridades turcas habían visto realmente la película o si tomaron la decisión basándose únicamente en lo que habían escuchado al respecto. “Me pregunto si el gobierno de Turquía o quienes tomaron esta decisión realmente vieron la película o si solo están tomando esa decisión basándose en lo que leyeron sobre la película”, reflexionó.
El director continuó, señalando que la censura solo aumentaría el culto en torno a la película: “De cualquier manera, lo que están haciendo es ayudar a que la película se convierta en más de culto que menos. Están disparándose en el pie, estas personas”, dijo con ironía.
Queer: Éxito en Festivales a Pesar de la Censura
A pesar de la prohibición en Turquía, Queer ha gozado de un notable éxito en el circuito de festivales de cine. Desde su estreno en el Festival de Cine de Venecia en septiembre, la película ha sido aclamada por la crítica por su cautivadora historia y la impresionante actuación de Craig. Actualmente, la película mantiene una calificación de 78% en Rotten Tomatoes.
El film, basado en la novela corta de William S. Burroughs de 1985, cuenta la historia de Lee (interpretado por Craig), un estadounidense que, después de verse envuelto en una redada de drogas en Nueva Orleans, huye a México. En Ciudad de México, comienza una relación con Allerton (Drew Starkey), un exmilitar de la Marina de los EE. UU.
En una entrevista con The Associated Press, el actor Craig también fue cuestionado sobre el impacto de la película en la normalización del romance queer. Aunque expresó su esperanza de que Queer tuviera un amplio atractivo debido a sus emociones profundamente humanas, Craig enfatizó que no se hacía ilusiones sobre el efecto que podría tener: “No pienso demasiado en ello. Sería genial si pudiera tener ese efecto, pero no estoy bajo ninguna ilusión de que eso suceda. Lo que me preocupa es que la película tenga un atractivo masivo porque trata sobre emociones humanas, y eso es lo único en lo que realmente me importa”, explicó.
Estreno Global de Queer
A pesar de la censura en Turquía, Queer llegará al público en general en poco tiempo. La película se estrenará en los cines de Estados Unidos el 27 de noviembre y en el Reino Unido el 13 de diciembre, lo que permitirá a los espectadores internacionales disfrutar de la cautivadora historia de amor y drama que ha cautivado a la crítica.
Para quienes estén ansiosos por ver la película, ya está disponible el primer tráiler oficial, que promete una experiencia cinematográfica intensa y emocional.
La prohibición en Turquía ha añadido una capa de controversia al ya exitoso recorrido de Queer, convirtiendo a la película en un símbolo de resistencia contra la censura y la represión en la industria del cine
El descuido de un participante de Australian Survivor lo dejó totalmente desnudo
Una intensa y mojada competencia deja a Locky mostrando más de lo que esperaba mientras lucha por llevarse el premio.
Un icónico momento de Australian Survivor ha vuelto a ser viral, gracias a un incidente que dejó mucho más a la vista de lo planeado y a una pelea en el agua bastante inesperada.
En 2017, durante la segunda temporada de la versión australiana de Survivor se llevó a cabo un desafío en el que dos concursantes de diferentes “tribus” — el aventurero Locky, de 27 años, y Mark, un excomandante de operaciones especiales — se deslizaban por un tobogán de agua con el objetivo de conseguir una pelota al final y sumar puntos para sus respectivos equipos.
Aunque los toboganes de agua ya son peligrosos para los bañadores, el verdadero giro de la historia llegó cuando la naturaleza competitiva de uno de los participantes desató el caos. Mientras Locky avanzaba en la delantera, Mark intentó frenarlo agarrando sus pantalones para ralentizarlo. El problema es que no soltó la prenda, lo que provocó que Locky terminara totalmente desnudo.
A pesar del pequeño accidente de vestuario, los dos continuaron luchando por la pelota en una escena que, aunque inusual, no es ajena a los momentos picantes que suelen ocurrir en los reality shows — y que en otros contextos probablemente habrían terminado tras un muro de pago.
Este clip, que ya había causado revuelo cuando se emitió por primera vez, ha cobrado nueva vida este mes gracias a la narración de @FoxyDMD sobre su primera vez viendo Australian Survivor. Sin importar si es una sorpresa o un recordatorio, los usuarios de redes sociales parecen haber disfrutado igualmente de este curioso momento en sus feeds.
Puedes ver el video aquí.
The way he grabbed his hips i- pic.twitter.com/myakcSfv2R
— Perry Cavalari (@PerryCavalari) November 10, 2024
Atemporal
Hombre planeó el feminicidio de Alejandra y su beba para esconder su infidelidad a su esposa e hijos
Tlajomulco y Colima claman justicia por el feminicidio de Alejandra y su hija María José
El dolor y la indignación se han apoderado de Tlajomulco y de Colima, tras el feminicidio de Alejandra y la pérdida de su hija, María José, quien a pesar de ser también víctima de la violencia machista, aún no ha recibido el descanso que le corresponde. Ayer, el cuerpo de Alejandra fue trasladado al Panteón Peña Amarilla, en las afueras de Tlajomulco, donde se llevó a cabo su entierro. Durante el acto, los asistentes, en su mayoría familiares y amigos, se unieron en un clamor desesperado por justicia, gritando con fuerza: “¡JUSTICIA!”
El ataúd de Alejandra descendió lentamente al fondo de un profundo agujero, mientras las voces de los presentes reclamaban que el crimen no quedara impune. Este acto simbólico fue solo el final de un proceso doloroso para la familia, que aún espera respuestas de las autoridades.
La situación de María José
A pesar de que el cuerpo de Alejandra ha sido sepultado, la tragedia no ha concluido para la familia. La bebé de un año, María José, hija de la víctima, permanece en Colima bajo circunstancias inciertas. La Fiscalía General de Colima no ha ofrecido explicaciones sobre por qué la pequeña no fue enterrada junto a su madre, lo que ha generado una creciente indignación entre la ciudadanía y los defensores de los derechos humanos.
En redes sociales, se ha denunciado que mientras el dolor persiste por la pérdida de madre e hija, las autoridades parecen haber desestimado la gravedad de la situación. El tuit de La Marla Sabrina, quien ha seguido de cerca este caso, señala la falta de acción por parte de la Gobernadora de Colima, Indira Vizcaíno, quien, según la denuncia, ha mostrado indiferencia ante la tragedia. Mientras la gobernadora promociona el turismo en su estado y continúa con sus actividades personales, la familia de Alejandra y María José sigue esperando respuestas claras sobre el paradero de la bebé y la razón por la cual no se ha permitido que sea enterrada junto a su madre.
La detención de José Mariano Chávez Alcaraz
Por otro lado, aunque el presunto asesino de Alejandra, José Mariano Chávez Alcaraz, se encuentra detenido, la lucha por justicia continúa. La comunidad exige que el feminicida sea presentado ante un juez y que se le apliquen las penas correspondientes por el crimen cometido. La indignación es aún mayor debido a que, más allá del proceso judicial, lo que se está viviendo es un doloroso recordatorio de la violencia machista que persiste en el país.
Alejandra y su hija María José fueron víctimas de un sistema que, en muchos casos, no garantiza la protección adecuada a las mujeres y sus hijos, dejando a muchas familias sumidas en el sufrimiento.
Justicia para las víctimas
Este caso ha desatado una ola de solidaridad y clamor por justicia no solo en Tlajomulco y Colima, sino en todo México. En las redes sociales, se han multiplicado los mensajes de apoyo a la familia y de exigencia a las autoridades para que se esclarezca la situación de la pequeña María José. Además, se ha pedido que el feminicidio de Alejandra sea juzgado con todo el peso de la ley.
Hoy, más que nunca, la consigna #JusticiaParaMariaJose y #JusticiaParaAlejandra resuenan en las calles y en las redes sociales, recordando que las víctimas de violencia machista no deben ser olvidadas, y que la justicia es la única forma de rendirles el respeto que merecen. Mientras tanto, los habitantes de Tlajomulco y Colima siguen esperando que las autoridades actúen de forma diligente y humana ante esta tragedia, y que, finalmente, madre e hija puedan descansar en paz.
Abro hilo 🧵🪡 sobre el feminicidio de Alejandra Rivas, de 35 años, y su bebé, María José Rivas, de 1 año
Ambas fueron asesinadas por José Mariano Chávez Alcaraz, padre de la niña
Quien aún no ha sido entregada a sus familiares por la Fiscalía de Colima #JusticiaParaMariaJose pic.twitter.com/iJUZWC8Xig
— La Marla Sabrina (@lamarlasabrina) November 12, 2024
Hombre gay denunció ataque homofóbico en Medellín: “Se reían, yo pedía auxilio”
Un ciudadano venezolano residente en Medellín, identificado como Javier Carrera, denunció haber sido víctima de un ataque homofóbico el pasado sábado 2 de noviembre. Según relató, mientras caminaba de la mano con su pareja por la Avenida San Juan, un grupo de hombres comenzó a insultarlos con expresiones homofóbicas, lo que escaló rápidamente en agresiones físicas.
Carrera, quien compartió su testimonio a través de un video en sus redes sociales, detalló que uno de los agresores, identificado como Jhony Alberto Salazar Gallego, lo atacó violentamente después de que él exigiera respeto por su orientación sexual. Los tres acompañantes de Salazar retuvieron a su pareja, impidiéndole intervenir.
*”Me golpeó tanto en la cabeza que no sé con qué lo hacía, creo que tenía algún objeto contundente para dejarme tantas lesiones”, relató el joven en su denuncia. Durante la agresión, Carrera pidió auxilio, pero aseguró que nadie lo ayudó. “Se reían mientras me golpeaban”, añadió.
El incidente ocurrió cerca de un taller de Montallantas y Vulcanizadora Auto Eros, en la comuna 12 de Medellín. Según el relato de Carrera, después del ataque, los agresores los amenazaron, advirtiéndoles que “si no se iban, los iban a acabar”.
A pesar de la gravedad de la agresión, la Policía de Medellín no brindó asistencia inmediata. El joven denunció la falta de acción de los agentes, quienes llegaron solo después de un llamado de emergencia. “Me siento fatal. Nunca imaginé que esto podría suceder aquí, en Colombia”, expresó, añadiendo que temía por su vida después de haber sido atacado tan cerca de su hogar.
El ataque ha generado indignación y preocupación, subrayando la falta de protección para la comunidad LGTBIQ+ en algunas áreas de la ciudad. Carrera también expresó su decepción por la actitud de las autoridades:
“Vengo huyendo de la violencia de mi país y desafortunadamente me sucede este hecho de violencia de género en Colombia. Pero más desilusionado cuando los agentes de Policía, quienes son los encargados de imponer el orden y hacer cumplir las leyes y capturar cuando se ven enfrentados a cualquier tipo de delito que se enmarca en el código penal colombiano, pues no me protegieron de esta clase de violencia y abuso injusto por ser miembro de una comunidad que día a día se ve transgredida por la violencia, hasta llegar a generar homicidios por este tipo de gente homofóbica. Son los servidores públicos los llamados a imponer medidas y proteger a sus ciudadanos y extranjeros sin medir raza, género u orientación sexual”, afirmó la víctima.
Julie Johnson hace historia al convertirse en la primera persona LGBTQ+ elegida al Congreso desde el Sur de EE. UU.
Texas – En un momento histórico para la política estadounidense, Julie Johnson, representante estatal de Texas, ha ganado un escaño en la Cámara de Representantes de EE. UU., convirtiéndose en la primera persona abiertamente LGBTQ+ elegida al Congreso desde el sur del país. 🌈
Johnson, una lesbiana activa defensora de los derechos LGBTQ+ y los derechos reproductivos, derrotó al republicano Darrell Day y al libertario Kevin Hale, marcando un hito para la comunidad LGBTQ+ en el estado de Texas, tradicionalmente conservador.
A lo largo de su tiempo como representante estatal, Johnson fue una figura clave en la lucha contra la legislación anti-LGBTQ+ y en la defensa de los derechos reproductivos, ganándose el respeto de colegas y activistas. Mark Takano y Ritchie Torres, copresidentes de Equality PAC, expresaron su confianza en que Johnson continuará luchando por los derechos de las personas LGBTQ+ a nivel nacional, destacando el impacto crucial de su victoria. “Texas es un campo de batalla en la lucha por proteger a nuestra comunidad”, afirmaron en un comunicado conjunto.
Annise Parker, presidenta y directora ejecutiva de LGBTQ+ Victory Fund, también celebró la victoria histórica de Johnson: “Julie es una líder experimentada y probada que llevará una voz importante a Washington. Su valiente defensa ha mejorado la vida de todos los texanos”. El respaldo de estos grupos de apoyo fue esencial en la victoria de Johnson, quienes invirtieron más de 600,000 dólares en su campaña, convencidos de que su victoria representaría un avance significativo para la comunidad LGBTQ+ a nivel federal.
Con esta victoria, Julie Johnson no solo rompe barreras en Texas, sino que también marca un paso crucial en la representación LGBTQ+ en el Congreso de los EE. UU., llevando consigo la promesa de seguir luchando por la igualdad y los derechos de todas las personas. 👏🏽🌟
Conflicto entre Dan Benson y David Henrie tras comentarios sobre OnlyFans: Un giro inesperado en el revival de Wizards of Waverly Place
La esperada charla sobre el revival de Wizards of Waverly Place, titulado Wizards Beyond Waverly Place, ha tomado un rumbo inesperado tras un intercambio de comentarios entre dos de sus exestrellas, David Henrie y Dan Benson. El conflicto surgió durante una reciente entrevista de Henrie con Buzzfeed, donde se le pidió elegir un personaje recurrente que debería hacer una aparición especial en el nuevo proyecto.
Al leer la lista de personajes, que incluía favoritos de los fans como Juliet van Heusen y Mason Greyback, Henrie mostró una clara sorpresa y desdén al ver el nombre de Zeke Beakerman, interpretado por Benson. Su reacción incluyó un notable silencio y una afirmación que muchos consideraron despectiva: “No puedo creer que hayan puesto a una de estas personas aquí”, refiriéndose implícitamente a la trayectoria de Benson.
La controversia radica en el hecho de que Dan Benson ha sido abierto sobre su trabajo en OnlyFans, una plataforma donde publica contenido para adultos.
The answer is Stevie Nichols, we need redemption being seen as evil after reasonably starting a wizards revolution. Wizards shouldn’t have to give up their powers or compete against their siblings. Alex and Justin should change the rules #WizardsBeyond pic.twitter.com/QslZSb9tNO
— Growing Up With Disney (@GrowWithDisney) October 30, 2024
Este hecho, sumado a la reputación de Disney por querer mantener la imagen pulcra de sus jóvenes talentos, podría explicar la incredulidad de Henrie. Sin embargo, muchos fans y observadores consideran que el comentario fue innecesario y, en cierta medida, despectivo hacia Benson, quien ha lidiado con su propia evolución profesional desde los días de la serie.
La reacción de Benson no se hizo esperar. Ante un tuit viral que resaltaba el momento incómodo, respondió de manera contundente: “David Henrie puede chuparme el p3ne. Le pagaré más de lo que me pagaron a mí por Wizards, te lo prometo“. Esta respuesta no solo dejó claro su descontento, sino que también captó la atención de muchos en redes sociales, avivando el fuego de la controversia.
La situación escaló aún más cuando Henrie decidió bloquear a Benson en X (anteriormente Twitter). En respuesta a este gesto, Benson no dudó en burlarse de la situación a través de Instagram, donde publicó: “Pretendimos ser mejores amigos durante años. ¿Cómo pudiste hacerme esto?”. Este tono sarcástico dejó entrever que, a pesar de su pasado como amigos en la pantalla, la relación entre ambos actores podría estar completamente desgastada.
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La respuesta de Benson ha suscitado una mezcla de apoyo y críticas en las redes sociales, con muchos fans defendiendo su derecho a explorar diferentes facetas de su carrera, mientras que otros se sienten decepcionados por la falta de camaradería entre dos excompañeros de trabajo.
Con este intercambio, parece claro que la posibilidad de que Benson regrese a Waverly Place es escasa. La controversia ha dejado a los seguidores de la serie con un sabor amargo, recordando que, aunque los personajes y las historias pueden permanecer en el corazón de los fans, las relaciones personales detrás de escena pueden ser mucho más complejas. En definitiva, este incidente destaca no solo la evolución de la carrera de Benson, sino también las tensiones que pueden surgir en el mundo del entretenimiento, especialmente cuando se cruzan viejas amistades y nuevas realidades profesionales.
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¿Quién es La Bruja de Texcoco, la actriz trans que hace de Solange en “El secreto del río”?
La serie mexicana El secreto del río, que se estrenó el 9 de octubre en Netflix, ha capturado la atención del público, y uno de sus personajes más significativos es Solange, interpretada por La Bruja de Texcoco.
Esta talentosa artista trans no solo brilla en la actuación, sino que también ha forjado un camino en la música y la danza, convirtiéndose en un referente de la comunidad LGBTQ+.
La serie sigue la historia de dos niños, Manuel y Erik, que enfrentan la adversidad en un contexto de machismo y rechazo social. A medida que son testigos de un evento trágico, su amistad se ve puesta a prueba, creando un vínculo que los marcará para siempre. Solange, como personaje, ayuda a Manuel a entender su identidad como muxe, aportando una perspectiva valiosa a la narrativa.
La Bruja de Texcoco, cuyo nombre real es Carla Ocaña, es una artista multifacética originaria del Lago de Texcoco, México. A lo largo de su carrera, ha destacado como cantante, actriz, bailarina y música instrumentista, tocando instrumentos como la vihuela, el arpa y el violín.
A pesar de que estudió Física Matemática en el Instituto Politécnico Nacional, La Bruja decidió seguir su pasión por el arte, ingresando a la Escuela de Música Mexicana. Su dedicación la llevó a convertirse en la primera artista trans en presentarse en el Festival Vive Latino en 2020, colaborando con destacados artistas como Renee Goust y María León
Su álbum debut, De brujas, peteneras y chachalacas, lanzado en 2019, fue un éxito que la posicionó en la escena musical. En 2020, presentó su sencillo “Chení (Miedo)”, y en 2024 lanzó su EP Tepari, que fusiona bolero, son mexicano y elementos de música clásica acuática. El videoclip de “Tepari” narra la historia de Octavio Mendoza, un músico que encuentra su verdadera identidad a través del arte.
En 2019, La Bruja fue el tema de un cortometraje documental que narra su viaje personal y artístico. Este documental, dirigido por Cecilia Villaverde y Alejandro Paredes, fue nominado a un premio Ariel y es un testimonio del impacto que ha tenido en la comunidad y su lucha por la visibilidad.
A través de su papel en El secreto del río, La Bruja de Texcoco ofrece una representación auténtica de las muxes, contribuyendo a la visibilidad de la comunidad LGBTQ+ en el cine y la televisión. Su interpretación de Solange no solo ayuda a Manuel a comprender su identidad, sino que también refleja la realidad de muchas personas que enfrentan la discriminación por ser quienes realmente son.
La Bruja de Texcoco continúa siendo una figura influyente en el arte y la cultura, utilizando su plataforma para abogar por la aceptación y la diversidad. Su viaje artístico y personal inspira a muchos, y su actuación en El secreto del río es un ejemplo de cómo el arte puede ser un vehículo para el cambio social.
Con un enfoque en la autenticidad y la autoexpresión, La Bruja de Texcoco se está consolidando como una de las voces más importantes de su generación, demostrando que el talento y la pasión pueden abrir puertas y transformar vidas.
xz
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