Cine
Papá y hermana de Esmeralda dicen que la mochila encontrada NO es de ella
Mochila hallada en crematorio de Jalisco no es de Esmeralda, dice su papá y familiares. La búsqueda sigue por más de 16 años
El hallazgo de una mochila en el Rancho Izaguirre, en Jalisco, ha desatado nuevas dudas sobre el paradero de Esmeralda Castillo Rincón, una joven que desapareció en Ciudad Juárez, Chihuahua, el 19 de mayo de 2009. Tras la localización de restos humanos en un crematorio clandestino vinculado al Cártel Jalisco Nueva Generación (CJNG), se sugirió que Esmeralda podría haber estado entre las víctimas de este lugar. La razón principal de esta especulación fue la aparición de una mochila que algunos creyeron similar a la que la joven llevaba en el momento de su desaparición.
Sin embargo, la familia de Esmeralda, encabezada por su hermana Perla Castillo, rápidamente desmintió estas versiones. A través de sus redes sociales, Perla aclaró que la mochila encontrada no pertenecía a Esmeralda, ya que esta era distinta a la que la joven llevaba el día de su desaparición. Según la hermana de Esmeralda, la mochila que ella portaba era de lona y tipo maletín, con dibujos de estrellas, mientras que la mochila hallada en Jalisco era negra con estrellas de colores rosa, blanco y azul.
En la misma línea, el padre de Esmeralda, José Luis Castillo, también se manifestó ante los rumores. A pesar de la semejanza parcial entre las descripciones, José Luis aclaró que su hija llevaba un morral con estrellas mucho más pequeñas, lo que hacía que la mochila encontrada en el rancho de Jalisco no coincidiera con la que ella usaba. Recordó, además, que en 2024 se habían encontrado restos de una mujer en el Arroyo del Navajo, pero que las pruebas de ADN descartaron que pertenecieran a Esmeralda.
El caso de Esmeralda Castillo se ha mantenido vigente durante más de 16 años, en gran parte gracias a la incansable búsqueda de su padre. A lo largo de los años, José Luis ha participado en marchas, compartido la imagen de su hija y solicitado apoyo en redes sociales. En uno de sus recientes mensajes, expresó: “Mi cuerpo empieza a cansarse, pero mi fe sigue intacta. Antes de partir, confío en que sabré algo de mi pequeña Esmeralda.”
José Luis Castillo papá de Esmeralda en una marcha del 8m.
El caso de Esmeralda no solo ha tocado el corazón de los mexicanos, sino que también ha evidenciado las fallas en el sistema de justicia y en los esfuerzos para encontrar a personas desaparecidas en el país. De hecho, la joven fue recientemente eliminada del registro oficial de personas desaparecidas, un hecho que ha generado críticas hacia las autoridades, pues no se han obtenido avances concretos en la investigación.
El descubrimiento de la mochila en el Rancho Izaguirre ha renovado el interés por este caso, en el que se sigue luchando por obtener respuestas. Sin embargo, aún no existen pruebas que confirmen que Esmeralda haya sido trasladada fuera de Chihuahua o que esté entre las víctimas del CJNG.
Mientras tanto, colectivos de búsqueda y familiares de otras víctimas continúan revisando los restos y objetos encontrados en el crematorio clandestino de Jalisco, con la esperanza de obtener información que les permita cerrar sus ciclos de dolor y encontrar a sus seres queridos. Aunque el hallazgo de la mochila no tiene relación con Esmeralda, este caso sigue siendo un recordatorio de las miles de desapariciones forzadas que persisten en México y la necesidad urgente de fortalecer los mecanismos de búsqueda e identificación.
José Luis Castillo y su familia siguen firmes en su búsqueda y han agradecido el apoyo de quienes continúan ayudando a mantener viva la memoria de su hija, a pesar de la falta de avances significativos por parte de las autoridades.
Quince días: la película LGBT de Netflix que comparan con Heartstopper
Si te gustó Heartstopper, Netflix tiene una nueva película brasileña que podría convertirse en tu próxima obsesión: Quince días (Quinze Dias), una historia de primer amor, identidad, bullying y autodescubrimiento protagonizada por Miguel Lallo y Diego Lira.
La película sigue a Felipe, un adolescente gay que después de un año complicado en la escuela solo quiere pasar unas vacaciones tranquilas en casa. Su plan, sin embargo, cambia por completo cuando Caio, su vecino, compañero de colegio y antiguo amor platónico, llega para quedarse durante dos semanas.
Aunque a primera vista puede parecer otra historia de romance adolescente, Quince días pone especial atención en la relación que Felipe tiene consigo mismo y en las inseguridades que le dejó el acoso escolar.
¿De qué trata Quince días?
Felipe es un adolescente sensible, amante de los libros, la música, las series y los musicales. Después de sufrir bullying durante el año escolar, lo único que quiere es alejarse de todo y disfrutar de sus vacaciones en compañía de su madre, Rita.
Pero sus planes cambian cuando Caio, el chico popular de la escuela y el amor platónico que Felipe ha tenido durante años, termina viviendo bajo el mismo techo durante dos semanas.
La situación resulta especialmente complicada para Felipe, quien no sabe cómo comportarse cerca de Caio y teme interpretar incorrectamente cada una de sus acciones.
Mientras intenta sobrevivir a la convivencia con su antiguo crush, Felipe también deberá enfrentarse a sus propios miedos y a la inseguridad que desarrolló después de años de escuchar comentarios negativos sobre su cuerpo y su identidad.
Una historia LGBT sobre aprender a quererse
Uno de los elementos más importantes de Quince días es que Felipe no necesita descubrir que es gay. Él ya conoce su identidad y vive abiertamente como un adolescente gay.
El verdadero conflicto está en otro lugar: después de sufrir bullying, Felipe ha aprendido a observarse a través de los ojos de quienes lo hicieron sentir que había algo malo en él.
Por eso, la llegada de Caio representa mucho más que la posibilidad de vivir un romance.
Felipe debe descubrir si realmente puede creer que alguien como Caio podría sentirse atraído por él sin que exista una broma, una trampa o algún tipo de humillación detrás.
La película utiliza así el romance para hablar también de autoestima, aceptación y de las consecuencias que puede tener el acoso escolar durante la adolescencia.
¿Quince días es el Heartstopper brasileño?
La comparación con Heartstopper resulta inevitable.
Ambas producciones cuentan historias de adolescentes LGBT que descubren el amor, tienen familias que los acompañan y presentan romances llenos de ternura. Además, Quince días utiliza recursos visuales coloridos para representar las emociones de sus protagonistas.
Sin embargo, la película brasileña busca contar una historia diferente.
Mientras el romance es uno de los motores principales de la trama, el viaje de Felipe está mucho más relacionado con aprender a aceptar su propio cuerpo y dejar atrás la mirada de las personas que durante años lo hicieron sentirse diferente.
La crítica de EscribiendoCine también destaca esta diferencia y señala que la película puede ser considerada mucho más que un “Heartstopper brasileño”.
Felipe y Caio: del amor platónico al primer amor
Felipe está interpretado por Miguel Lallo, mientras que Diego Lira interpreta a Caio.
La dinámica entre ambos comienza con una evidente diferencia: Felipe es reservado, inseguro y teme exponerse, mientras Caio es popular, deportista y aparentemente mucho más seguro de sí mismo.
La convivencia obliga a ambos a conocerse de una manera diferente a como lo habían hecho en la escuela.
Para Felipe, cada conversación y cada mirada de Caio puede convertirse en una fuente de esperanza, nervios o ansiedad.
La película aprovecha esas situaciones para mostrar lo complicado que puede ser enamorarse cuando la inseguridad hace que una persona dude incluso de las señales más evidentes.
El cuerpo de Felipe también forma parte de la historia
Uno de los aspectos que diferencia a Quince días de muchas historias de romance adolescente es que Felipe es un protagonista gay con sobrepeso.
La película no utiliza su cuerpo únicamente como un elemento secundario, sino que muestra cómo las experiencias de bullying han afectado la manera en que Felipe se relaciona con él.
Una escena especialmente significativa ocurre cuando Felipe evita mostrar su cuerpo y llega a meterse a la piscina con una camiseta.
Ese tipo de detalles permite entender que el conflicto no consiste únicamente en conseguir que Caio se enamore de él.
Felipe necesita aprender a dejar de esconderse.
¿En qué se basa Quince días?
Quince días está basada en la novela homónima del escritor brasileño Vitor Martins, publicada originalmente en 2017.
El libro se convirtió en un éxito en Brasil y posteriormente fue traducido a diferentes idiomas.
La adaptación cinematográfica conserva el corazón de la historia: un adolescente gay que debe enfrentarse a sus inseguridades mientras pasa unos días junto al chico del que lleva años enamorado.
El propio Vitor Martins participa también en el guion de la película junto con Ray Tavares.
¿Quién dirige Quince días?
La película está dirigida por Daniel Lieff, a partir de un guion escrito por Vitor Brandt y Ray Tavares.
La producción está a cargo de Conspiração Filmes y combina elementos de comedia romántica, coming of age y romance adolescente.
Aunque algunas situaciones siguen las convenciones clásicas del género, la película utiliza esas herramientas para contar una historia centrada en la autoestima y la posibilidad de sentirse querido sin tener que cambiar quién eres.
Reparto de Quince días
El reparto principal de Quince días está integrado por:
- Miguel Lallo como Felipe
- Diego Lira como Caio
- Débora Falabella como Rita
- Mika Soeiro como Beca
- Bel Moreira como Melissa
- João Pedro Chaseliov como Bruno
- Silvio Guindane como Mauro
- João Gabriel Marinho como Jorge
- Mariana Santos como Sandra
- Olivia Araújo
- Fernando Caruso
- Augusto Madeira
- Marcio Vito
Débora Falabella interpreta a Rita, la madre de Felipe, quien ocupa un papel importante durante las vacaciones de su hijo.
¿Cuándo se estrenó Quince días en Netflix?
Quince días se estrenó el miércoles 19 de agosto de 2026 en Netflix.
La película está disponible para las personas suscritas a la plataforma de streaming.
Su duración es de aproximadamente 100 minutos, por lo que es una opción ideal para quienes buscan una película LGBT ligera y romántica para ver en una tarde.
¿Cuánto dura Quince días?
Quince días dura 100 minutos, equivalentes a aproximadamente 1 hora y 40 minutos.
La película fue producida en Brasil y su título original es Quinze Dias.
Ficha técnica de Quince días
Título original: Quinze Dias
Título en español: Quince días
Año: 2026
País: Brasil
Duración: 100 minutos
Dirección: Daniel Lieff
Guion: Vitor Brandt y Ray Tavares
Basada en: la novela de Vitor Martins
Producción: Conspiração Filmes
Protagonistas: Miguel Lallo y Diego Lira
Plataforma: Netflix
¿Vale la pena ver Quince días?
Si buscas una historia LGBT sobre el primer amor, Quince días puede ser una buena opción.
La película tiene los ingredientes clásicos de una comedia romántica adolescente: un amor platónico, dos chicos obligados a convivir, momentos incómodos, malentendidos y la posibilidad de que finalmente exista algo entre ellos.
Pero su historia también habla de algo más profundo: qué sucede cuando pasas tanto tiempo escuchando que hay algo malo en ti que terminas creyéndolo.
El gran viaje de Felipe no consiste únicamente en descubrir si Caio puede corresponderle. Consiste en entender que no necesita convertirse en otra persona para merecer amor.
Y quizá ahí está la principal diferencia con otras historias de romance adolescente: el amor no aparece como una recompensa por cambiar, sino como una posibilidad cuando finalmente comienzas a aceptarte como eres.
Por eso, aunque la comparación con Heartstopper sea inevitable, Quince días tiene una identidad propia y ofrece una historia LGBT brasileña que apuesta por la ternura, el humor y la representación de inseguridades que muchos adolescentes pueden reconocer.
Heated Rivalry temporada 2 suma a Justice Smith y Charlie Gillespie
La segunda temporada de Heated Rivalry continúa ampliando su universo con la llegada de dos nuevos rostros: Justice Smith y Charlie Gillespie, quienes interpretarán a Harris Dover y Troy Barrett, respectivamente.
El anuncio fue realizado el 7 de agosto por el showrunner Jacob Tierney y el productor ejecutivo Brendan Brady. Los dos personajes son protagonistas de Role Model, el quinto libro de la exitosa saga de romance gay de hockey Game Changers, escrita por Rachel Reid.
La incorporación de Smith y Gillespie significa que la serie continuará expandiendo el universo de Reid mientras desarrolla la historia principal de Shane Hollander e Ilya Rozanov.
Justice Smith y Charlie Gillespie llegan a Heated Rivalry
Justice Smith interpretará a Harris Dover, mientras que Charlie Gillespie dará vida a Troy Barrett.
Ambos personajes son figuras centrales de Role Model, la quinta novela de la saga Game Changers, por lo que su aparición abre la puerta a que más historias del universo literario de Rachel Reid tengan presencia en la adaptación televisiva.
El anuncio también resuelve una de las grandes incógnitas que rodeaban a los personajes: quiénes serían los actores encargados de interpretar a Harris y Troy en la serie.
La llegada de ambos actores se suma a la estrategia de Heated Rivalry de introducir progresivamente a diferentes personajes de la franquicia, incluso mientras la historia principal continúa enfocada en Shane e Ilya.
¿Qué pasará con Shane e Ilya en Heated Rivalry temporada 2?
Aunque Justice Smith y Charlie Gillespie tendrán papeles importantes, la historia central de Heated Rivalry temporada 2 seguirá siendo la de Shane Hollander e Ilya Rozanov, interpretados por Hudson Williams y Connor Storrie.
La nueva temporada adaptará The Long Game, segunda novela de la historia de Shane e Ilya dentro de la saga de Rachel Reid.
Después de años escondiendo sus sentimientos y manteniendo una relación a escondidas, ambos deberán enfrentarse a una nueva etapa en su vida personal y profesional.
La historia de The Long Game ocurre después de los acontecimientos de Heated Rivalry y explora lo que sucede cuando Shane e Ilya finalmente comienzan a plantearse una relación mucho más abierta y comprometida.
Shane e Ilya finalmente enfrentarán su relación
Uno de los principales atractivos de la segunda temporada será ver cómo cambia la relación entre los dos jugadores.
Durante años, Shane e Ilya han mantenido una relación marcada por el secreto, la distancia y el miedo a las consecuencias que podría tener hacer pública su orientación sexual dentro del mundo profesional del hockey.
La primera temporada construyó precisamente esa dinámica, mostrando cómo ambos desarrollan una relación mucho más profunda mientras intentan mantenerla oculta.
En The Long Game, el conflicto cambia.
Ya no se trata únicamente de reconocer lo que sienten, sino de decidir qué están dispuestos a hacer para construir una vida juntos.
La segunda temporada tendrá así la oportunidad de explorar una etapa diferente de su romance: una en la que ambos deberán descubrir cómo convertir una relación secreta en una relación real.
Harris Dover y Troy Barrett son personajes de Role Model
La llegada de Harris y Troy conecta directamente la serie con otro de los libros más populares de Rachel Reid.
En Role Model, Harris Dover es un jugador profesional de hockey cuya vida cambia cuando conoce a Troy Barrett.
La novela sigue la relación entre ambos mientras enfrentan sus propias inseguridades, la presión del mundo deportivo y las dificultades de construir una relación siendo dos hombres dentro de una industria tradicionalmente marcada por la masculinidad.
Su incorporación a la serie representa una oportunidad para que Heated Rivalry amplíe su representación de romances entre hombres dentro del mismo universo.
Heated Rivalry sigue expandiendo el universo de Game Changers
La adaptación televisiva no se limitará a Shane e Ilya.
La primera temporada ya comenzó a introducir personajes provenientes de otras historias de Game Changers, como Scott Hunter, interpretado por François Arnaud, y Kip Grady, interpretado por Robbie G.K.
La estrategia permite que la serie funcione como una puerta de entrada al universo creado por Rachel Reid, donde diferentes jugadores y parejas tienen historias conectadas.
Con Harris y Troy, la producción continúa esa expansión y presenta a dos personajes que ya tienen una historia propia dentro de los libros.
¿Quién es Justice Smith?
Justice Smith es conocido por sus trabajos en producciones como The Get Down, Detective Pikachu y All the Bright Places.
El actor también interpretó a Franklin Webb en Jurassic World: Fallen Kingdom y retomó el personaje en Jurassic World Dominion.
Su incorporación a Heated Rivalry representa además un nuevo proyecto dentro de una trayectoria que ha incluido diferentes producciones de cine, televisión y streaming.
Ahora asumirá el papel de Harris Dover, uno de los personajes importantes de la saga Game Changers.
¿Quién es Charlie Gillespie?
Charlie Gillespie es conocido principalmente por interpretar a Luke Patterson en Julie and the Phantoms, serie musical de Netflix que se convirtió en uno de sus trabajos más reconocidos.
También ha participado en producciones como Degrassi: Next Class y Chasing Life.
En Heated Rivalry, Gillespie interpretará a Troy Barrett, quien junto con Harris Dover protagoniza Role Model.
Su llegada permitirá trasladar otra de las historias románticas de Rachel Reid a la pantalla.
Una adaptación que va más allá de Heated Rivalry
La incorporación de Harris y Troy confirma que la serie no está utilizando Heated Rivalry únicamente como una adaptación aislada.
En realidad, la producción está construyendo un universo televisivo alrededor de los personajes de Game Changers.
Esto podría permitir que futuras temporadas continúen introduciendo parejas y jugadores provenientes de otros libros de Rachel Reid.
Para quienes ya conocen las novelas, la aparición de estos personajes también funciona como una referencia directa a las historias que existen más allá de Shane e Ilya.
¿Cuándo se estrena Heated Rivalry temporada 2?
La segunda temporada de Heated Rivalry está en desarrollo y continuará la historia de Shane Hollander e Ilya Rozanov.
Por ahora, el anuncio de Justice Smith y Charlie Gillespie confirma su incorporación al elenco como Harris Dover y Troy Barrett, pero la producción todavía tiene pendiente revelar todos los detalles sobre la trama y el calendario definitivo de estreno.
La nueva temporada adaptará The Long Game, mientras que la serie continuará incorporando personajes de otras novelas de Rachel Reid.
Conclusión
Heated Rivalry temporada 2 no solamente continuará el romance entre Shane e Ilya, sino que también ampliará considerablemente el universo de la serie.
Justice Smith y Charlie Gillespie se incorporarán como Harris Dover y Troy Barrett, protagonistas de Role Model, mientras que Hudson Williams y Connor Storrie regresarán como Shane Hollander e Ilya Rozanov.
La nueva temporada adaptará The Long Game, una historia en la que Shane e Ilya deberán enfrentarse a una nueva etapa de su relación después de años de mantener sus sentimientos en secreto.
Con nuevos personajes, más romances y conexiones con otros libros de Rachel Reid, Heated Rivalry continúa construyendo uno de los universos de romance gay más importantes de la televisión actual.
Netflix prepara una temporada lésbica y feminista de Monster sobre Lizzie Borden, según Ryan Murphy
La cuarta temporada de Monster, la exitosa antología de Ryan Murphy e Ian Brennan, se adentrará en uno de los casos criminales más famosos de Estados Unidos: el de Lizzie Borden, la mujer acusada de asesinar a su padre y a su madrastra con un hacha en Massachusetts en 1892.
Titulada Monster: The Lizzie Borden Story, la nueva entrega llegará a Netflix el 17 de septiembre de 2026 y tendrá como protagonista a Ella Beatty en el papel de Borden. Netflix confirmó que esta será la primera temporada de la antología centrada en una mujer.
La producción también marcará un giro importante para la franquicia al presentar la historia desde una perspectiva abiertamente feminista y con una relación lésbica como uno de sus elementos centrales.
Ryan Murphy describe Monster como una historia feminista y lésbica
Vicky Krieps, quien interpreta a Bridget Sullivan, la empleada doméstica que trabajaba para la familia Borden, contó a Vanity Fair que Ryan Murphy describió la nueva temporada utilizando términos como “women-driven, feminist, lesbian, dirty, unapologetic”.
La descripción coincide con el enfoque que se ha mostrado en los primeros materiales de la producción. Vanity Fair señala que la temporada busca reinterpretar el caso desde una perspectiva feminista y gótica, mezclando horror, sátira, melodrama y elementos de romance.
La historia plantea a Lizzie como una mujer atrapada dentro de una familia acomodada de Nueva Inglaterra y sometida a las restricciones sociales de la época. Su relación con Bridget será uno de los ejes de esta reinterpretación.
Netflix describe la historia como la de una hija reprimida de una familia rica y una empleada rebelde que terminan atrapadas en una casa marcada por la humillación y la crueldad, mientras encuentran una vía de escape en una fantasía de sexo, poder y venganza.
Una relación que no está confirmada históricamente
Aunque la serie presentará una relación entre Lizzie y Bridget, es importante distinguir la ficción de los hechos históricos.
No existe evidencia histórica concluyente que demuestre que Lizzie Borden y Bridget Sullivan fueran pareja. La relación forma parte de la reinterpretación dramática que hace la serie del caso.
La idea tampoco es completamente nueva. La película Lizzie, estrenada en 2018 y protagonizada por Chloë Sevigny y Kristen Stewart, también imaginó una relación romántica entre Borden y Sullivan. Vanity Fair destacó entonces la química entre ambas protagonistas y la lectura de la historia desde una perspectiva de mujeres enfrentadas a las restricciones patriarcales de finales del siglo XIX.
¿Quién fue Lizzie Borden?
Lizzie Borden fue una mujer de Fall River, Massachusetts, que en agosto de 1892 quedó en el centro de uno de los crímenes más famosos de Estados Unidos.
Su padre, Andrew Borden, y su madrastra, Abby Borden, fueron encontrados muertos en su vivienda. Ambos habían sido atacados brutalmente con un objeto cortante.
Lizzie fue acusada de los asesinatos y posteriormente llevada a juicio. Sin embargo, en 1893 fue declarada inocente.
El caso nunca quedó completamente resuelto y la ausencia de una condena convirtió a Borden en una figura permanente de la cultura popular estadounidense.
Durante más de un siglo, su historia ha sido reinterpretada en películas, series, libros, obras teatrales y otros medios.
Ella Beatty interpretará a Lizzie Borden
La protagonista será Ella Beatty, quien asumirá uno de los papeles más importantes de su carrera.
Beatty ya había trabajado con Ryan Murphy en Feud: Capote vs. The Swans y también apareció en la película If I Had Legs I’d Kick You. Netflix anunció oficialmente su incorporación como protagonista de la cuarta temporada en 2025.
Las primeras imágenes muestran a Beatty caracterizada como Borden dentro de una estética oscura y gótica, incluyendo imágenes en las que aparece cubierta de sangre y sosteniendo un hacha.
Vicky Krieps será Bridget Sullivan
Uno de los personajes más importantes será Bridget Sullivan, interpretada por Vicky Krieps.
Bridget trabajaba como empleada doméstica para la familia Borden y, en la versión de Netflix, su relación con Lizzie será mucho más íntima que la que puede establecerse históricamente.
La serie utilizará este vínculo para explorar temas como el deseo, la represión, el poder y las limitaciones impuestas a las mujeres durante la época.
El elenco de Monster: The Lizzie Borden Story
Además de Ella Beatty y Vicky Krieps, la temporada contará con un elenco destacado:
- Ella Beatty como Lizzie Borden
- Vicky Krieps como Bridget Sullivan
- Charlie Hunnam como Andrew Borden
- Rebecca Hall como Abby Borden
- Billie Lourd como Emma Borden
- Jessica Barden como Nance O’Neill
Netflix confirmó estos personajes y actores como parte de la nueva entrega.
Sarah Paulson también forma parte del reparto anunciado para esta temporada. La producción reúne nuevamente a Hunnam con la franquicia después de que el actor protagonizara la tercera temporada como Ed Gein.
La primera temporada de Monster centrada en una mujer
La nueva producción representa además un cambio para la franquicia.
Las temporadas anteriores de Monster estuvieron dedicadas a figuras masculinas vinculadas a algunos de los casos criminales más conocidos de Estados Unidos: Jeffrey Dahmer, los hermanos Lyle y Erik Menendez y Ed Gein.
La cuarta temporada será la primera en tener a una mujer como figura central, con Lizzie Borden como protagonista.
La serie seguirá así con su fórmula de tomar casos reales y reinterpretarlos desde una perspectiva dramática, aunque esta vez el foco estará especialmente puesto en la experiencia femenina y en las restricciones sociales de la época.
Una reinterpretación, no un retrato histórico literal
Como ocurrió con las temporadas anteriores de Monster, la nueva producción no debe entenderse como un documental.
La historia combinará acontecimientos conocidos del caso Borden con elementos dramatizados y especulativos. En particular, la relación romántica entre Lizzie y Bridget pertenece a la interpretación de la serie.
Vanity Fair describe la producción como una especie de cuento de hadas gótico y punk que utiliza elementos deliberadamente estilizados para explorar la misoginia tanto de la época victoriana como de la actualidad.
Esto significa que la serie probablemente utilizará el famoso caso como punto de partida para hablar también sobre sexualidad, libertad femenina, represión y poder.
¿Cuándo se estrena Monster: The Lizzie Borden Story?
Monster: The Lizzie Borden Story se estrenará el 17 de septiembre de 2026 en Netflix.
La producción estará encabezada nuevamente por Ryan Murphy e Ian Brennan, creadores de la antología.
La nueva temporada llega después de Monster: The Ed Gein Story, protagonizada por Charlie Hunnam, que llevó a la franquicia a explorar la vida del conocido criminal de Wisconsin.
Netflix ya ha publicado información oficial sobre la producción y su elenco. Netflix Tudum: Monster Season 4
Conclusión
Monster: The Lizzie Borden Story llevará a Netflix una nueva interpretación del famoso caso de Lizzie Borden, pero con un enfoque considerablemente diferente al de las temporadas anteriores.
Con Ella Beatty como protagonista y Vicky Krieps como Bridget Sullivan, la producción explorará una relación lésbica ficticia dentro de una historia marcada por la violencia, la represión y las restricciones sociales hacia las mujeres.
Ryan Murphy ha adelantado una temporada feminista, lésbica, provocadora y sin disculpas, mientras que la serie utilizará el misterio alrededor de Lizzie Borden para construir una historia de deseo, poder y venganza.
Monster: The Lizzie Borden Story llegará a Netflix el 17 de septiembre de 2026.
Elliot Page conquista a la crítica con The Odyssey y firma uno de los mejores regresos de Hollywood
Elliot Page vuelve a ocupar un lugar destacado en Hollywood. Su actuación en The Odyssey, la nueva película de Christopher Nolan, ha recibido elogios de la crítica y del público, que consideran su interpretación una de las más emotivas de la cinta.
Aunque su participación no ocupa gran parte del metraje, el actor logra dejar una fuerte impresión. Su personaje, Sinon, juega un papel clave en la historia y aporta una mirada profundamente humana sobre las consecuencias de la guerra.
La crítica destaca la actuación de Elliot Page
Medios como USA TODAY consideran que Page ofrece una de las actuaciones más memorables de la película. Su interpretación transmite vulnerabilidad, dolor y determinación, elementos que enriquecen una historia marcada por la tragedia y el heroísmo.
El personaje aparece en momentos decisivos del filme. A través de él, el público comprende el costo humano de las decisiones tomadas durante la guerra de Troya.
Christopher Nolan también reconoció el trabajo del actor. En una entrevista con Rolling Stone UK, explicó que Sinon representa el impacto de la guerra en quienes quedan atrapados en ella y aseguró que Elliot Page hizo un trabajo “increíble” al dar vida al personaje.
Un regreso esperado al cine de gran presupuesto
The Odyssey marca el regreso de Elliot Page a una gran producción de Hollywood. Su última participación en un estudio importante había sido Flatliners, estrenada en 2017.
Después de hacer pública su transición en 2020, el actor enfocó gran parte de su carrera en proyectos documentales, labores de producción y su papel como Viktor en The Umbrella Academy, serie que ayudó a ampliar la representación trans en la televisión.
Ahora, con el éxito de The Odyssey, muchos consideran que se abre una nueva etapa para su carrera cinematográfica.
Una actuación que responde con talento
La participación de Elliot Page generó críticas por parte de algunos comentaristas conservadores antes del estreno de la película. Sin embargo, la respuesta de la crítica especializada ha sido muy distinta.
La mayoría de las reseñas coinciden en destacar la fuerza de su actuación y la importancia de su personaje dentro de la historia. Para muchos espectadores, su trabajo confirma que el talento sigue siendo el aspecto más importante de cualquier interpretación.
El éxito comercial de The Odyssey también fortalece esa percepción. La película se ha convertido en uno de los mayores estrenos del año y ha recibido una respuesta positiva tanto del público como de los especialistas.
Un paso importante para la representación LGBTQ+
El regreso de Elliot Page también tiene un significado especial para la comunidad LGBTQ+. Las oportunidades para actores trans en grandes producciones siguen siendo limitadas, por lo que su participación en una de las películas más exitosas de 2026 representa un avance en materia de representación.
Su actuación demuestra que las historias ganan cuando el talento ocupa el centro de la conversación. Al mismo tiempo, recuerda que la diversidad puede formar parte de las producciones más ambiciosas de Hollywood sin convertirse en el tema principal de la obra.
Kit Connor y Joe Locke revelan que Heartstopper Forever mostrará más intimidad: “Sería raro no hacerlo”
La historia de Nick Nelson y Charlie Spring dará un paso importante en Heartstopper Forever, la película que pondrá fin a la exitosa adaptación de Netflix. En una entrevista con The Guardian, Kit Connor y Joe Locke adelantaron que esta última entrega incluirá escenas de sexo y explorará la intimidad de la pareja de una forma más madura, reflejando la etapa de vida en la que se encuentran los personajes.
Joe Locke, quien interpreta a Charlie, explicó que mostrar la evolución de la relación era una decisión natural para la historia.
“Sería raro si no lo hubiéramos mostrado. Solo porque nuestro programa es una versión más sincera de la representación queer no significa que el sexo no deba mostrarse. Sigue siendo una parte importante de la vida de cualquier persona”, afirmó.
El actor también señaló que Heartstopper nunca ha intentado transmitir un mensaje negativo sobre el sexo casual, sino mostrar el amor entre dos jóvenes desde una perspectiva honesta y libre de prejuicios.
Por su parte, Kit Connor, quien da vida a Nick, reconoció que el equipo creativo tuvo que encontrar un equilibrio sobre hasta dónde llevar las escenas de intimidad. Sin embargo, consideró que era coherente con el desarrollo de los protagonistas.
“Estos dos chicos realmente se sienten atraídos el uno por el otro y están en una edad en la que probablemente eso sucedería”, comentó.
De acuerdo con la entrevista, Heartstopper Forever incluirá momentos que reflejan distintas formas de explorar la sexualidad y el deseo dentro de una relación, mostrando el crecimiento emocional e íntimo de Nick y Charlie mientras enfrentan nuevos desafíos, como la universidad y la posibilidad de mantener una relación a distancia.
Connor también sorprendió al revelar que, desde su perspectiva, habría llevado la historia aún más lejos.
“Si hubiera dependido de mí, Nick y Charlie se habrían sido infieles y habrían cometido todos esos errores estúpidos. Los jóvenes hacen esas cosas y no necesariamente deben ser vistos como villanos por ello. Creo que Heartstopper Forever da un paso hacia una visión menos idealizada de lo que significa ser humano”, expresó.
Desde su estreno en 2022, Heartstopper ha sido reconocida por ofrecer una representación LGBTQ+ positiva, alejada de los estereotipos y centrada en el crecimiento emocional de sus personajes. Ahora, con esta última entrega, la producción busca acompañar a Nick y Charlie en una nueva etapa de sus vidas, mostrando que el amor también implica descubrir la intimidad, el deseo y los cambios propios de la adultez.
Heartstopper Forever se estrenará mundialmente en Netflix el próximo 17 de julio, marcando el cierre de una de las historias LGBTQ+ más populares de los últimos años.
La última vez que volviste presenta a sus protagonistas y promete convertirse en una de las películas LGBTQ+ más esperadas de 2027
Frayser Navarrette y Pablo Cerdas protagonizarán una intensa historia de amor entre dos hombres
El cine LGBTQ+ latinoamericano sigue creciendo con nuevas historias que apuestan por la sensibilidad y la representación. La productora END Films presentó oficialmente a Frayser Navarrette y Pablo Cerdas como los protagonistas de La última vez que volviste, una película costarricense que llegará a los cines en 2027 con una historia de amor entre dos hombres atravesada por el misterio, el duelo y la memoria.
La cinta seguirá a Andrés, interpretado por Frayser Navarrette, un hombre reservado que ha aprendido a guardar sus emociones, y a Mariano, personaje de Pablo Cerdas, un joven cuya sensibilidad y conexión con el arte transformarán el rumbo de la historia. El encuentro entre ambos dará paso a una experiencia íntima donde el amor, el deseo y los recuerdos serán el eje principal del relato.
Según explicó la producción, la elección de Pablo Cerdas fue uno de los momentos más importantes del proceso creativo. Durante las pruebas de casting, la química con Frayser Navarrette fue inmediata y terminó siendo el factor decisivo para convertirlo en Mariano.
“Durante el callback hubo algo muy claro entre ellos. No era solamente que Pablo entendiera al personaje, sino que entre ambos aparecía una conexión muy honesta y muy difícil de fabricar”, explicó Enrique Alvarado, director de actores de END Films.
Pablo Cerdas llega al proyecto con experiencia como actor, cantante y bailarín, cualidades que, de acuerdo con la producción, enriquecen a un personaje que expresa gran parte de sus emociones a través de los silencios, la mirada y el lenguaje corporal.
Por su parte, Frayser Navarrette se ha consolidado como uno de los nombres más importantes del cine costarricense contemporáneo. Su trabajo ha llegado a festivales internacionales, plataformas de streaming y recientemente amplió su carrera con proyectos en México junto a reconocidos actores.
Aunque la película aborda una historia de amor entre dos hombres, la producción destaca que el objetivo no es reducir la representación LGBTQ+ a un conflicto relacionado con la orientación sexual. La propuesta busca explorar emociones universales como el amor, la pérdida, la culpa, la esperanza y la dificultad de dejar atrás a quienes marcaron nuestras vidas.
La última vez que volviste también pone sobre la mesa la importancia de seguir ampliando las historias LGBTQ+ dentro del cine latinoamericano. Durante años, muchas producciones centraron sus relatos en la discriminación o el rechazo. Hoy, cada vez más cineastas construyen personajes complejos que también hablan de romance, deseo, salud emocional y vínculos humanos desde una mirada más profunda.
Con escenarios naturales, una atmósfera marcada por la lluvia y la montaña, además de una narrativa cargada de tensión emocional, la película promete ofrecer una propuesta distinta dentro del cine queer de la región.
El anuncio de sus protagonistas marca el inicio oficial de la promoción de una producción que ya comienza a despertar expectativas entre quienes buscan historias LGBTQ+ contadas con sensibilidad, calidad cinematográfica y personajes capaces de conectar con el público más allá de cualquier etiqueta.
Buenas noticias para fans de Alex y Henry de ‘Rojo, Blanco y Sangre Azul: la secuela tendrá más romance e intimidad
Casey McQuiston adelantó que Red, White & Royal Wedding mostrará una relación más madura entre Alex y el príncipe Henry, con mayor intimidad y momentos de su vida cotidiana.
Las buenas noticias siguen llegando para quienes esperan el regreso de Alex Claremont-Diaz y el príncipe Henry. Casey McQuiston, autora de la novela Red, White & Royal Blue y coguionista de la esperada secuela, reveló que ‘Red, White & Royal Wedding’ será “un par de niveles más picante” que la primera película, prometiendo una historia con mayor intimidad y una evolución natural en la relación de sus protagonistas.
Durante su participación en el Obsessed Fest de Prime Video, McQuiston compartió algunos detalles sobre la nueva entrega, aunque reconoció entre risas que esperaba “no meterse en problemas” por adelantar información antes de tiempo.
“Definitivamente hay más vida doméstica en esta película porque ahora ellos ya están juntos. Podrán ver un poco más de cómo es su vida en pareja”, comentó la escritora.
A couple degrees spicier? We’re listening #ObsessedFest pic.twitter.com/Ur8nxPMHzN
— Prime Video (@PrimeVideo) June 27, 2026
Además, aseguró que la intimidad entre Alex y Henry tendrá un papel más importante que en la primera cinta.
“Diría que es un par de grados más picante que la primera. La intimidad está llevada a otro nivel de una forma muy hermosa y muy divertida de ver”, explicó.
Estas declaraciones emocionaron rápidamente a las y los seguidores de la franquicia, considerada una de las historias románticas LGBTQ+ más exitosas de los últimos años por su combinación de comedia, romance y representación positiva entre dos protagonistas masculinos.
La primera película, estrenada en 2023 por Prime Video y basada en la novela publicada por McQuiston en 2019, narró cómo Alex, hijo de la presidenta de Estados Unidos, y el príncipe Henry del Reino Unido pasaron de una rivalidad pública a enamorarse en secreto, conquistando a millones de espectadores alrededor del mundo.
La secuela, titulada Red, White & Royal Wedding, volverá a reunir a Taylor Zakhar Perez y Nicholas Galitzine en sus papeles protagónicos. Esta vez, la historia explorará cómo evoluciona su relación una vez que ya no tienen que ocultar sus sentimientos y enfrentan nuevos retos como pareja.
El proyecto fue escrito por Matthew López, Gemma Burgess y Casey McQuiston, mientras que la dirección estará a cargo de Jamie Babbit. La producción ya concluyó oficialmente su rodaje, por lo que ahora se encuentra en etapa de postproducción, aunque Prime Video aún no ha anunciado una fecha de estreno.
Desde su lanzamiento, Red, White & Royal Blue se convirtió en un referente para la representación LGBTQ+ dentro del cine comercial. Su éxito ayudó a demostrar que las historias de amor entre personas del mismo sexo pueden conectar con audiencias globales y ocupar un lugar importante en las grandes plataformas de streaming.
Ahora, todo apunta a que la secuela buscará profundizar aún más en esa representación, mostrando no solo el romance entre Alex y Henry, sino también la cotidianidad, la complicidad y la intimidad que forman parte de una relación estable, aspectos que históricamente han tenido poca presencia en las producciones LGBTQ+ de gran alcance.
Josh O’Connor asegura que God’s Own Country (Tierra de Dios) es el proyecto del que más orgulloso se siente
El actor británico Josh O’Connor, reconocido por sus papeles en producciones como The Crown, Challengers y The History of Sound, volvió a demostrar el cariño que siente por una de las películas LGBTQ+ más importantes de su carrera: God’s Own Country.
Durante una reciente participación en el podcast Shut Up Evan, conducido por Evan Ross Katz, el actor recordó la cinta de 2017 dirigida por Francis Lee, en la que interpretó a Johnny Saxby, un joven granjero de Yorkshire cuya vida cambia al enamorarse de Gheorghe, un trabajador migrante rumano interpretado por Alec Secăreanu.
Lejos de considerarla simplemente otro proyecto dentro de su filmografía, O’Connor aseguró que sigue siendo el trabajo del que más orgulloso se siente.
“No hay muchas cosas de las que me sienta orgulloso, pero esa película es una de ellas. Probablemente es aquello de lo que más orgulloso estoy en mi carrera”, confesó.
El actor también compartió un emotivo recuerdo de la pandemia, cuando decidió volver a ver la película junto a Secăreanu y el director Francis Lee durante una reunión virtual. La experiencia tuvo un fuerte impacto emocional en él.
“Volvimos a verla juntos y terminé llorando”, relató.
Estrenada en 2017, God’s Own Country fue celebrada por la crítica por su retrato honesto, sensible y profundamente humano de una historia de amor entre dos hombres. La película se convirtió rápidamente en una de las producciones LGBTQ+ más reconocidas de la década y ayudó a consolidar la carrera internacional de O’Connor.
Desde entonces, el actor ha seguido participando en proyectos con personajes e historias queer. En Challengers exploró una dinámica marcada por la tensión emocional y la ambigüedad sexual, mientras que en The History of Sound, junto a Paul Mescal, protagonizó una de las historias LGBTQ+ más comentadas del cine reciente.
Las declaraciones de O’Connor también han sido celebradas por fans LGBTQ+, quienes consideran que God’s Own Country continúa siendo una obra fundamental dentro del cine queer contemporáneo. A casi una década de su estreno, la película sigue encontrando nuevas audiencias y emocionando a quienes buscan historias auténticas sobre amor, identidad y conexión humana.
El reconocimiento que Josh O’Connor sigue dando a la película demuestra el impacto cultural que tuvo la cinta y la importancia de continuar apostando por historias LGBTQ+ complejas, sensibles y alejadas de los estereotipos que durante años dominaron la representación queer en la pantalla.
Romeo Beckham debuta como actor en una película romántica LGBTQ+ ambientada en el tenis
Romeo Beckham está listo para dar un nuevo paso en su carrera. El hijo de David y Victoria Beckham debutará como actor en Forty Love, una película romántica ambientada en el competitivo mundo del tenis que ya está despertando interés entre los seguidores de las historias LGBTQ+ y el cine deportivo.
La producción presentó recientemente sus primeras imágenes oficiales, ofreciendo un vistazo a una historia que combina competencia, pasión y sentimientos inesperados dentro de uno de los deportes más populares del mundo.
La trama sigue a Sacha Gallo, una joven promesa del tenis que ha dedicado gran parte de su vida a perseguir el sueño de convertirse en campeón. Sin embargo, todo cambia cuando aparece un nuevo rival capaz de desafiar no solo sus habilidades dentro de la cancha, sino también sus emociones y la manera en que entiende el amor.
Aunque todavía no se han revelado todos los detalles de la historia, las primeras promociones han llamado la atención de quienes buscan más representación LGBTQ+ en el cine comercial y en los relatos deportivos, un género que históricamente ha contado pocas historias centradas en personajes de la diversidad sexual.
La llegada de películas como Forty Love refleja una tendencia cada vez más visible dentro de la industria cinematográfica: la inclusión de personajes LGBTQ+ en narrativas alejadas de los estereotipos tradicionales, explorando historias de crecimiento personal, romance y aspiraciones profesionales.
Además del interés que genera la trama, el proyecto también marca el debut actoral de Romeo Beckham, quien hasta ahora había desarrollado una carrera principalmente vinculada al deporte y la moda. Su participación ha generado curiosidad entre los seguidores de la familia Beckham y los amantes del entretenimiento.
Forty Love llegará a los cines de Francia el próximo 25 de noviembre y ya comienza a posicionarse como una de las producciones románticas más esperadas por quienes disfrutan de las historias LGBTQ+, el deporte y los relatos sobre el descubrimiento personal.
A medida que se acerque su estreno, se espera que la película revele nuevos avances que permitan conocer más sobre una historia que promete combinar romance, emociones intensas y la presión de competir al más alto nivel.
La plataforma Rotten Tomatoes, en donde evalúan películas de todo el mundo y se ha convertido en un referente para muchos al momento de calificar se trata, ha hecho una compilación con una lista de las mejores películas de la comunidad LGBTQ que puedes encontrar en Netflix.
Encontrarás originales de Netflix (como Alex Strangelove y The Perfection), así como estrenos teatrales galardonados (como Carol y más).
Los títulos a continuación se clasifican de las mejores películas LGBT en Netflix y se clasifican según la puntuación ajustada del Tomatómetro (que tiene en cuenta la cantidad de visitas y la cantidad de críticas por película para películas lanzadas en un año determinado). Para ser incluidas, las películas tenían que tener un puntaje de Fresh Tomatometer de al menos 60%
Comenzamos con la cuenta regresiva:
34. TEENAGE COCKTAIL
Sinopsis: Sintiéndose confinadas por su pequeño pueblo y sus padres dominantes, Annie y Jules traman un plan de huida. El único problema es que necesitan el dinero para llegar allí. Jules sugiere que la pareja intente modelar la cámara web. Aunque está nerviosa al principio, Annie no puede discutir cuando el dinero comienza a llegar. Pero como las chicas pronto descubren, las consecuencias pueden dejarlo en el olvido. A veces violentamente.
33. LOEV
Cuando está de moda, Jai, el negociador de Wall Street, piensa en disfrutar un poco de su viaje de negocios de 48 horas a Mumbai, Sahil, su joven amigo productor de música, deja todo, incluido su imprudente novio Alex, para ayudarlo a ejecutar la escapada perfecta. Caminando por las colinas y los cañones de Maharashtra, en medio de conversaciones a medio intento y silencios repentinos, llamadas de negocios y viejos chistes, los amigos descubren que hay más que solo zonas horarias que los mantienen separados. Las cosas toman otro giro cuando Alex aparece con un nuevo compañero a su lado, presentando viejos conflictos y presentando preguntas sin respuesta.
“Leviticus” transforma las terapias de conversión en el horror más aterrador del año
“Leviticus”: la película queer de terror que está conquistando al mundo y convierte la homofobia en una pesadilla sobrenatural
En una época donde las historias LGBTQ+ siguen expandiéndose a nuevos géneros, una película australiana está captando la atención internacional por mezclar terror sobrenatural, romance gay y una poderosa reflexión sobre los daños que provocan la intolerancia y el fanatismo religioso.
Se trata de “Leviticus“, la ópera prima del director abiertamente gay Adrian Chiarella, una producción que tuvo su estreno en el Festival de Sundance y que rápidamente se convirtió en una de las propuestas queer más comentadas del año.
La cinta sigue a Naim y Ryan, dos adolescentes que comienzan a enamorarse en una pequeña comunidad australiana profundamente influenciada por la religión. Sin embargo, cuando sus familias descubren su relación, ambos son obligados a participar en una ceremonia religiosa que termina liberando una aterradora entidad sobrenatural.
El monstruo tiene una característica particularmente inquietante: adopta la apariencia de la persona que más desea cada una de sus víctimas.
A partir de ese momento, los protagonistas deben preguntarse constantemente si la persona que tienen frente a ellos es realmente quien aman o una criatura que busca destruirlos.
Aunque muchos espectadores han interpretado la historia como una metáfora de las terapias de conversión, Chiarella ha explicado que su intención era abordar un tema más amplio: los mecanismos de control que algunas comunidades utilizan para intentar moldear o reprimir la identidad de las personas jóvenes.
La idea surgió después de años observando noticias sobre líderes religiosos que afirmaban poder expulsar supuestos “demonios homosexuales” mediante exorcismos o prácticas similares.
Como hombre gay, el director encontró aterrador que estas narrativas continuaran existiendo en distintas partes del mundo. Sin embargo, en lugar de crear una película donde se intentara expulsar un supuesto demonio queer, decidió darle la vuelta al concepto.
La pregunta que dio origen a la película fue simple pero poderosa:
¿Qué pasaría si el verdadero monstruo fuera el miedo, la represión y la intolerancia?
Esa reflexión atraviesa toda la historia.
El terror en Leviticus no proviene únicamente de la criatura sobrenatural. También nace de las personas que rodean a los protagonistas: familias que creen estar ayudando, comunidades que prefieren guardar silencio y adultos que permiten que el odio continúe disfrazado de preocupación o moralidad.
La película también destaca por presentar una historia de amor LGBTQ+ sincera y emotiva en medio de los sustos y la tensión.
Para Chiarella, el corazón de la película no es el monstruo, sino la relación entre dos adolescentes que intentan descubrir quiénes son mientras enfrentan presiones externas que buscan definirlos por ellos.
Esa combinación entre romance queer y horror ha llamado la atención de la crítica internacional. Tras su estreno en Sundance, la distribuidora Neon adquirió los derechos de la película por una cifra millonaria, impulsando su lanzamiento internacional.
Además, el filme ha sido comparado con otras producciones australianas de terror contemporáneo como Talk to Me, aunque Leviticus apuesta por una historia mucho más íntima y emocional.
En pleno Mes del Orgullo, la llegada de esta película también funciona como un recordatorio de que, para muchas personas LGBTQ+, los mayores miedos no son los monstruos imaginarios, sino la discriminación, el rechazo familiar y los intentos de controlar quiénes pueden amar.
Porque en Leviticus, el verdadero horror no está en las sombras.
Está en quienes creen que una persona debe cambiar para ser aceptada:
Es oficial: Heartstopper llega a su final y ya tenemos primer vistazo de la película
Netflix revela el primer vistazo de “Heartstopper Forever”, la película que pondrá fin a la historia de Nick y Charlie
Después de conquistar a millones de personas alrededor del mundo y convertirse en una de las producciones LGBTQ+ más importantes de la última década, Heartstopper se prepara para decir adiós.
Netflix reveló las primeras imágenes y nuevos detalles de “Heartstopper Forever”, la película que cerrará oficialmente la historia de Nick Nelson y Charlie Spring, dos personajes que se han convertido en referentes para toda una generación de jóvenes queer.
Desde su estreno en 2022, la adaptación de las novelas gráficas de Alice Oseman logró algo que pocas series consiguen: ofrecer una representación LGBTQ+ positiva, esperanzadora y profundamente humana. Para muchas personas, especialmente jóvenes que crecieron sintiéndose diferentes, Heartstopper fue la primera vez que vieron una historia queer contada con ternura, amor y optimismo.
Ahora, tras tres exitosas temporadas, la franquicia llegará a su conclusión con una película titulada Heartstopper Forever, cuyo estreno está programado para el próximo 17 de julio de 2026 en Netflix.
La historia retomará los acontecimientos después del final de la tercera temporada. Nick se prepara para comenzar la universidad mientras Charlie intenta construir una nueva independencia en la escuela. La distancia, el crecimiento personal y la incertidumbre sobre el futuro pondrán a prueba una relación que ha sido el corazón emocional de la serie desde el inicio.
Alice Oseman explicó que optaron por cerrar la historia mediante una película porque les permitía ofrecer una conclusión más íntima y cinematográfica, sin la necesidad de recurrir a giros dramáticos o finales de episodio diseñados para prolongar la trama.
Según la autora, la película explorará temas como el paso del tiempo, la memoria, el amor, el dolor, los nuevos comienzos y los finales inevitables que acompañan el crecimiento.
Uno de los grandes cuestionamientos que abordará la cinta será si Nick y Charlie están destinados a permanecer juntos cuando entren por completo en la vida adulta. Una pregunta que muchas parejas enfrentan al finalizar la adolescencia y comenzar nuevas etapas personales.
Además de Joe Locke y Kit Connor, regresará prácticamente todo el elenco principal, incluyendo a Yasmin Finney, Will Gao, Corinna Brown, Kizzy Edgell, Tobie Donovan, Rhea Norwood, Jenny Walser, Bradley Riches y Leila Khan, entre otros.
Una de las ausencias más notables será la de Olivia Colman, quien interpretó a Sarah Nelson, madre de Nick. Debido a conflictos de agenda, el personaje será interpretado por la actriz Anna Maxwell Martin.
Más que el final de una serie, Heartstopper Forever representa el cierre de un fenómeno cultural que ayudó a transformar la representación LGBTQ+ en la televisión contemporánea. Su impacto trascendió la pantalla, convirtiéndose en una fuente de apoyo, visibilidad y esperanza para miles de jóvenes queer alrededor del mundo.
Aunque la historia de Nick y Charlie llegue a su fin, el legado de Heartstopper continuará recordándonos que las historias LGBTQ+ merecen ser contadas con alegría, amor y autenticidad.
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Qween Jean hace historia como la primera persona trans en ganar un Premio Tony y dedica su triunfo al legado queer
La comunidad LGBTQ+ celebró uno de los momentos más importantes en la historia de Broadway después de que Qween Jean se convirtiera en la primera persona abiertamente trans en ganar un Premio Tony.
La diseñadora de vestuario recibió el reconocimiento a Mejor Diseño de Vestuario de un Musical por su trabajo en *Cats: The Jellicle Ball*, una innovadora adaptación inspirada en la cultura ballroom, un espacio artístico y político creado por personas LGBTQ+, especialmente mujeres trans y comunidades negras y latinas que encontraron en estos escenarios un refugio frente a la discriminación.
El logro de Qween Jean representa mucho más que un premio. Durante décadas, las personas trans han enfrentado barreras para acceder a los grandes espacios de la industria del entretenimiento, por lo que su victoria marca un precedente para las nuevas generaciones de artistas queer.
La diseñadora también estuvo nominada en la categoría de Mejor Diseño de Vestuario de una Obra de Teatro por *Liberation*, consolidándose como una de las figuras creativas más relevantes de la temporada en Broadway.
Lejos de ofrecer un discurso convencional, Jean aprovechó el escenario de los Tony Awards para recordar que la visibilidad debe ir acompañada de acción.
“Estamos aquí por el legado de las personas queer y las personas trans. Estamos ocupando espacios de la manera en que tenemos que ocuparlos. Tenemos que cambiar el paradigma”, expresó al recibir el galardón.
La activista también recordó que el Orgullo nació como una forma de resistencia y denunció las condiciones que enfrentan muchas personas LGBTQ+ y migrantes en Estados Unidos.
“El Pride es una protesta”, afirmó, antes de señalar la detención de personas queer, jóvenes y familias, además de exigir una investigación sobre los centros de detención migratoria.
Qween Jean es también cofundadora de Black Trans Liberation, un colectivo que trabaja en favor de los derechos de las personas trans negras y que se ha convertido en una de las organizaciones más visibles del activismo LGBTQ+ en Nueva York.
“Como persona queer, líder y madre, nunca me quedaré callada. Si cualquier mujer está sufriendo, aunque sus cadenas sean diferentes a las mías, liberémonos juntas.”
Su triunfo llega en un contexto marcado por el aumento de discursos y políticas dirigidas contra las personas trans en distintas partes del mundo. Por ello, muchas organizaciones y activistas han destacado que este reconocimiento no solo celebra el talento de una artista, sino que envía un mensaje claro: las personas trans pertenecen a todos los espacios, incluidos los escenarios más importantes del teatro internacional.
La producción *Cats: The Jellicle Ball* también fue reconocida por su coreografía, reforzando el impacto que una obra profundamente conectada con la cultura ballroom y la creatividad queer ha tenido en Broadway.
Para la comunidad LGBTQ+, el histórico triunfo de Qween Jean demuestra que el arte sigue siendo una herramienta de resistencia y que cada espacio conquistado ayuda a abrir la puerta para quienes vienen detrás. Su nombre ya forma parte de la historia de los Tony Awards y también de la lucha por una representación más justa e inclusiva en la cultura.
hell yes to this acceptance speech from Qween Jean, who just became the first openly trans person to ever win a Tony
“We are here for the legacy of queer people. Trans people, we have to take up space. We have to shift the paradigm…the world right now is deeply, deeply… pic.twitter.com/qwu69J7lyn
— Spencer Althouse (@SpencerAlthouse) June 7, 2026
Cine
‘La bola negra’ hace historia en Cannes: Los Javis reciben ovación de 20 minutos y ganan Mejor Dirección
‘La bola negra’ hace historia en Cannes: Los Javis reciben ovación de 20 minutos y ganan Mejor Dirección
La película queer inspirada en Federico García Lorca se convirtió en uno de los fenómenos del Festival de Cannes 2026
La bola negra, la nueva película de Javier Calvo y Javier Ambrossi, conocidos como “Los Javis”, se convirtió en una de las producciones más aclamadas del Festival de Cannes tras recibir una ovación de casi 20 minutos y ganar el premio a Mejor Dirección.
La cinta, que explora la memoria queer, el deseo y la represión a través de distintas épocas históricas, emocionó al público durante su estreno en el Grand Théâtre Lumière, donde asistentes permanecieron de pie aplaudiendo durante casi 20 minutos, convirtiéndose en una de las ovaciones más largas en la historia reciente del festival.
La película sigue las historias entrelazadas de tres hombres homosexuales en los años 1932, 1937 y 2017, unidos por el deseo, el dolor, la herencia emocional y una de las últimas obras inconclusas de Federico García Lorca.
Inspirada en el universo de Lorca, La bola negra aborda temas como la homosexualidad, la memoria histórica, la violencia y las heridas generacionales desde una perspectiva profundamente queer y emocional.
El elenco incluye a figuras como Penélope Cruz, Glenn Close, Guitarricadelafuente y Miguel Bernardeau.
Tras el impacto causado por la película, Los Javis fueron reconocidos con el premio a Mejor Dirección en la edición 79 del Festival de Cannes, marcando uno de los momentos más importantes para el cine español reciente.
Durante su discurso, Javier Ambrossi dedicó el reconocimiento a las generaciones LGBTQ+ que vivieron represión y silencio:
“La única forma de honrar el sufrimiento y la muerte de las personas LGTBIQ+ que nos precedieron es asegurándonos de que las siguientes generaciones tengan más libertad”.
La crítica internacional ya perfila a La bola negra como una de las películas queer más importantes del año y una posible contendiente en la próxima temporada de premios.
“La Bola Negra”: la película queer de época que ya obsesiona a fans LGBT+ antes de su estreno
El nuevo proyecto de Los Javis mezclará romance gay, drama histórico y múltiples líneas temporales con un elenco repleto de estrellas
Las personas fans del cine LGBT+ ya tienen una nueva obsesión en camino: La Bola Negra, la próxima película de los directores españoles Javier Calvo y Javier Ambrossi, conocidos como “Los Javis”.
La cinta ha comenzado a hacerse viral en redes luego de que medios como Instinct Magazine
la describieran como una historia que incluye “todo lo que los gays no pueden resistir”: deseo, devastación emocional, drama histórico y personas extremadamente atractivas mirándose intensamente a través de distintas épocas.
Inspirada en una obra inconclusa de Federico García Lorca, la película explorará las vidas interconectadas de tres hombres homosexuales en diferentes momentos de la historia de España: 1932, 1937 y 2017.
Según la sinopsis oficial, las historias estarán unidas por temas como la sexualidad, el deseo, el dolor y las heridas heredadas entre generaciones.
El proyecto también está basado parcialmente en la obra teatral La piedra oscura de Alberto Conejero y busca rendir homenaje a la memoria queer española y al legado de Lorca, quien fue asesinado durante la Guerra Civil Española.
Uno de los aspectos que más emoción ha generado es su reparto. La película contará con las actuaciones de Guitarricadelafuente —quien debutará como actor— junto a Miguel Bernardeau, Penélope Cruz, Glenn Close, Julio Torres, Carlos González y Yenesi.
Además, la película tendrá su estreno mundial en el Festival de Cannes, donde competirá por la Palma de Oro.
Su estreno en cines españoles está previsto para el 2 de octubre de 2026.
En redes sociales, muchísimas personas ya la consideran una de las películas queer más esperadas de 2026, especialmente por su combinación de romance trágico, estética de época y drama emocional intenso.
Aquí un pequeño adelanto por parte de los Javis sobre la nueva película.
La película holandesa muestra una historia de amor entre dos jóvenes que enfrentan el duelo, el racismo y la homofobia
Con la llegada del Mes del Orgullo cada vez más cerca, las plataformas de streaming comienzan a destacar producciones con historias LGBTIQ+ que están emocionando al público. Una de ellas es Apenas Amigos, cinta romántica holandesa que recientemente llegó al catálogo de Prime Video
La película sigue la vida de Joris, un joven introvertido que aún intenta superar el dolor por la muerte de su padre mientras mantiene una relación complicada con su madre. En medio de ese difícil proceso conoce a Yad, un joven sirio-holandés carismático y espontáneo que comienza a trabajar en la casa de la abuela de Joris.
Aunque ambos tienen personalidades completamente distintas, entre ellos surge una conexión inmediata que poco a poco se transforma en un intenso romance.
Sin embargo, la historia no solo se enfoca en el amor, sino también en las inseguridades personales, los traumas familiares y la discriminación que enfrentan por parte de personas cercanas. Joris y Yad tendrán que aprender a madurar emocionalmente para descubrir si su relación es lo suficientemente fuerte para resistir la presión externa y sus propios conflictos internos.
La cinta ha comenzado a llamar la atención entre fans del cine LGBT+ por su enfoque sensible, íntimo y emocional, además de abordar temas como el duelo, la identidad y el prejuicio desde una perspectiva humana y realista.
Puedes ver la película completa aquí.
La actriz habla abiertamente sobre su sexualidad en su nuevo libro y revela por qué decidió hacerlo hasta ahora
La actriz Hayden Panettiere, reconocida por sus papeles en Heroes y Scream, se declaró públicamente bisexual en su próximo libro This Is Me: A Reckoning, que se publicará el 19 de mayo. La revelación llega después de años en los que, según contó, no se sintió lista para hablar de esta parte de su vida.
En un adelanto compartido con Us Weekly, Panettiere explicó que durante mucho tiempo sintió miedo de expresar su orientación sexual, ya sea por la presión de la industria o por el contexto en el que hablar de bisexualidad —especialmente en mujeres— era visto como una “moda”. “Nunca fue el momento adecuado”, confesó, señalando que durante años sintió que debía encajar en una imagen perfecta y no tenía el espacio para mostrarse tal cual es.
La actriz también compartió que esta es la primera vez que lo dice públicamente, a sus 36 años. Aunque mencionó que nunca se ha enamorado de una mujer, sí ha tenido citas con algunas y reconoció que desde joven sentía atracción hacia ellas. Sin embargo, el miedo a la exposición mediática y la falta de privacidad influyeron en que no pudiera explorar plenamente esa parte de su identidad.
“Es triste haber tenido que esperar tanto, pero mejor tarde que nunca”, expresó. Panettiere explicó que quiso tomarse el tiempo necesario para contar su historia con honestidad y en sus propios términos, evitando que se malinterpretara o se redujera a una etiqueta.
Además de hablar sobre su bisexualidad, en el libro la actriz aborda otros momentos difíciles de su vida, como experiencias con acoso y depresión posparto, ofreciendo un retrato más íntimo de su trayectoria personal.
La actriz trans y no binaria Indya Moore volvió a poner sobre la mesa una realidad que enfrentan muchxs jóvenes LGBTQ+: la vulnerabilidad tras salir del sistema de acogida. Antes de alcanzar la fama con la serie Pose, Moore vivió una etapa extremadamente difícil, llegando incluso a estar sin hogar.
“Antes de que comenzara a trabajar en Pose, estaba sin hogar”, relató la actriz, recordando el periodo en el que tuvo que sobrevivir por su cuenta tras salir del sistema de cuidado. En muchos casos, al cumplir 18 años, las agencias dejan de hacerse responsables de lxs jóvenes, lo que incrementa el riesgo de caer en situación de calle.
En ese contexto, Moore destacó el papel de la Born This Way Foundation, creada por Lady Gaga y su madre. Según explicó, la organización realiza donaciones a agencias de acogida que permiten extender el apoyo a jóvenes más allá de la mayoría de edad, brindándoles estabilidad, seguridad y una red de contención.
“Pude permanecer en cuidado hasta que tuve unos 22 o 23 años… fue gracias a su fundación que pude estar segura por tanto tiempo y tener algún tipo de estructura”, compartió Moore sobre el impacto directo que tuvo en su vida.
La Born This Way Foundation, fundada en 2012, está enfocada en la salud mental y el bienestar de jóvenes, especialmente de la comunidad LGBTQ+, quienes enfrentan mayores índices de abandono, violencia y falta de acceso a recursos básicos. El caso de Moore evidencia cómo este tipo de iniciativas pueden marcar la diferencia entre la estabilidad y la exclusión.
Hoy, convertida en una de las figuras más visibles de la comunidad gracias a su papel en Pose y proyectos en cine y moda, Indya Moore utiliza su plataforma para visibilizar estas problemáticas. Su testimonio no solo reconoce el apoyo recibido, también expone una realidad que sigue afectando a miles de jóvenes: crecer sin una red de apoyo puede ser determinante, pero encontrarla —aunque sea a través de una organización— puede cambiarlo todo.
La adaptación del bestseller de Colleen Hoover ya genera conversación por una escena intensa que mezcla tensión, erotismo y terror.
El tráiler de Verity ya encendió redes sociales, y gran parte de la conversación gira en torno a una escena que nadie vio venir: un beso tan intenso como perturbador entre Dakota Johnson y Anne Hathaway que termina con un giro sangriento. El momento, breve pero impactante, deja claro que la película apostará por un tono oscuro, psicológico y mucho más arriesgado que otras adaptaciones de Colleen Hoover.
La historia sigue a Lowen, una escritora que acepta terminar una exitosa saga literaria tras el misterioso accidente de su autora original, Verity. Sin embargo, al adentrarse en su casa, descubre un manuscrito oculto que revela secretos inquietantes, desdibujando los límites entre la realidad, la ficción y la obsesión. En ese contexto, la relación entre los personajes se vuelve cada vez más tensa, incómoda y peligrosa, algo que el tráiler deja ver con imágenes cargadas de simbolismo.
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La escena del beso ha sido una de las más comentadas, no solo por su intensidad visual, sino por la forma en que juega con la percepción del espectador. Lo que inicia como un momento íntimo da un giro inesperado que refuerza el tono inquietante de la cinta, generando teorías y debate en redes, especialmente por sus matices queer y su carga emocional.
Con estreno previsto para 2026, Verity apunta a convertirse en uno de los thrillers más comentados del año. La combinación de un elenco potente, una historia llena de giros y escenas que ya están causando conversación sugiere que esta adaptación podría dividir opiniones… pero difícilmente pasará desapercibida.
Es verdad que poco a poco hay más visibilidad LGBT en el cine, tanto en los personajes como en los temas principales. Sin embargo, no hay que olvidarnos que hay películas que han marcado la historia y abierto las puertas a estas nuevas entregas.
He leído por ahí quejas respecto a que todas las películas con temática gay tienen finales tristes o son demasiado exageradas, pero no es lo mismo ser gay ahora, que haberlo sido simplemente unos pocos años atrás. Anteriormente hice una lista con pelis que demuestran que no todas tienen finales triste, pero no era por hacer menos a estos filmes y por eso decidí rendirle honor también a estas grandes películas. Es notable que el contraste entre esa lista y esta, es que la mayoría de aquel top es que son más recientes y estas más viejitas.
Muchas de estas historias, algunas basadas en historias reales, representan lo que vivieron muchísimas personas homosexuales en aquellas épocas y eso hay que valorarlo al día de hoy. Y que si aún existe mucha discriminación, falta de derechos, cultura y demás; antes era peor.
Les hice una pequeña lista con diez películas que me han marcado, me han hecho llorar, pero sobretodo, reflexionar y agradecer.
Junto a los títulos, les dejo el género, su nacionalidad, las calificaciones que les brindó la plataforma de películas IMDB, un puntaje general de la audiencia y su respectivo trailer. Algunas las pueden encontrar completas en youtube.
10. A Love to Hide (2005)
Género: Drama Romance Guerra.
Nacionalidad: Francia
IMDB 8.2 / Puntaje de audiencia: 87%
Trailer:
9. Bent (1997)
Género: Drama Romance Historia.
Nacionalidad: Inglaterra / Japón
IMDB 7.3 / Puntaje de audiencia: 67%
Trailer:
8. Holding the Man (2015)
Género: Drama Romance Biografía.
Nacionalidad: Australia.
IMDB 7.3 / Puntaje de audiencia: 79%
Trailer:
7. Out in the Dark (2012)
Género: Drama Romance.
Nacionalidad: Israel.
IMDB 7.5 / Puntaje de audiencia: 75%
Trailer:
6. Eyes Wide Open (2009)
Género: Drama Romance.
Nacionalidad: Israel.
IMDB 7.3 / Puntaje de audiencia: 84%
Trailer:
5. A Single Man (2009)
Género: Drama Romance.
Nacionalidad: EUA.
IMDB 7.6 / Puntaje de audiencia: 85%
Trailer:
4. Undertow (2009)
Género: Drama Romance.
Nacionalidad: Colombia.
IMDB 7.8 / Puntaje de audiencia: 88%
Trailer:
3. Brokeback Mountain (2005)
Género: Drama Romance.
Nacionalidad: EUA.
IMDB 7.7 / Puntaje de audiencia: 87%
Trailer:
2. The Normal Heart (2014)
Género: Drama Romance.
Nacionalidad: EUA.
IMDB 7.9 / Puntaje de audiencia: 94%
Trailer:
1. Prayers for Bobby (2009)
Género: Drama Romance Biografía.
Nacionalidad: EUA.
IMDB 8.1 / Puntaje de audiencia: 86%
Trailer:
La verdad es que estas pelis con temática gay son muy tristes pero no te las puedes perder. Comenta si quisieras agregar otra a esta lista.
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