Luto en TikTok: fallece Aldo Miranda, creador de contenido que conquistó millones con su carisma

La comunidad digital en México está de luto. Aldo Miranda, uno de los creadores de contenido más populares de TikTok en el país, fue encontrado sin vida en su domicilio de La Paz, Baja California Sur, el pasado 8 de julio. Tenía 32 años.

Con más de 10 millones de seguidores y más de 600 millones de likes en TikTok, Aldo se convirtió en un rostro querido por su energía positiva, su humor cotidiano y su conexión con la audiencia. Además de generar contenido divertido, compartía momentos personales con quienes lo seguían y participaba activamente en campañas con marcas y organizaciones como Teletón México.

Aunque las autoridades aún no han revelado la causa oficial de su muerte, en redes sociales se ha especulado que pudo haberse quitado la vida. Esta versión cobró fuerza luego de que, horas antes de ser hallado sin vida, publicara en sus historias de Instagram un mensaje que muchos interpretaron como una despedida: “Gracias a todos por todo”.

 

Ver esta publicación en Instagram

 

Una publicación compartida de Aldo Miranda (@aldomirandar)

La agencia que lo representaba, Albe Group, confirmó la noticia a través de un comunicado lleno de afecto:

“A veces las batallas internas son silenciosas y no alcanzamos a ver todo lo que alguien lleva dentro. Aldo decidió irse antes de tiempo… queremos recordarlo con el amor, la luz y la alegría que dejó en nosotros”.

Antes de dedicarse a la creación de contenido, Aldo trabajó como maestro desde 2015, y era recordado por quienes lo conocieron en esa etapa como un joven empático, creativo y apasionado por comunicar.

Su legado va más allá de los números. Su humor, humanidad y cercanía tocaron a millones de personas, y su partida deja un vacío profundo en la comunidad digital.

 

Ver esta publicación en Instagram

 

Una publicación compartida de ALBE GROUP (@albegroup)

“K-Pop Demon Hunters”: la cinta animada de Netflix con una poderosa metáfora queer que está conquistando al mundo

Netflix estrena ‘K-Pop Demon Hunters’, una explosiva película que mezcla girlbands, combates sobrenaturales y metáforas de identidad.

Netflix sigue apostando por la animación con perspectiva global, y su nueva producción original, K-Pop Demon Hunters, está causando sensación. Con un estilo visual vibrante, una historia llena de acción y un potente mensaje subtextual, la cinta ha escalado rápidamente al Top 10 en más de 30 países.

La película nos presenta a Huntrix, un grupo de tres idols femeninas que viven una doble vida: mientras brillan sobre los escenarios del K-pop, por las noches luchan contra demonios usando una antigua energía sagrada conocida como honmon, canalizada a través de sus voces.

Pero la historia da un giro cuando entra en escena The Saja Boys, una misteriosa boyband vinculada al mundo demoníaco. Su líder, Jinu, comparte un pasado oscuro con Rumi, la protagonista de Huntrix, quien es mitad demonio y ha aprendido a ocultar su naturaleza por miedo al rechazo.

Aunque no se abordan abiertamente temas LGBTQ+, el guion incluye numerosas metáforas sobre identidad, vergüenza, aceptación y redención. Varios críticos y fans han interpretado la historia de Rumi como una representación simbólica de la experiencia queer: el miedo a “ser descubierta”, el deseo de encajar, y el poder liberador de ser reconocida por quien realmente es.

La animación ha sido elogiada por su estilo estilizado, sus referencias visuales a videoclips de K-pop y secuencias de combate espectaculares. La dirección musical también destaca, con un soundtrack original que ya es viral en redes.

Con una duración de 96 minutos, K-Pop Demon Hunters no solo funciona como una cinta de acción o fantasía juvenil, sino también como una ventana a temas emocionales que muchas personas LGBTQ+ pueden reconocer.

¿Habrá secuela? Aunque Netflix no ha confirmado nada, el final abierto deja muchas puertas listas para explorar.

Alex y Henry están de regreso: Autora revela nuevos detalles de la secuela de “Rojo, Blanco y Sangre Azul  (Red, White & Royal Blue)”

¡Atención fans de Rojo, Blanco y Sangre Azul! Casey McQuiston, autora de la novela original y co-guionista de la primera película, acaba de compartir nuevos detalles sobre la esperada secuela del romance que conquistó al público queer.

En una entrevista reciente con Yahoo! Entertainment, McQuiston adelantó que la historia explorará la vida de Alex y Henry después del final de ensueño que vimos en la primera entrega: “La secuela es una mirada a su vida después de que cae el confeti, y cuando ya no se trata de un romance de cuento de hadas, sino de una relación real entre dos adultos con sueños, responsabilidades y diferencias que deberán aprender a enfrentar juntos”.

Aunque aún no se revelan demasiados detalles, McQuiston confirmó que el guion ya está en desarrollo junto a Matthew López, director de la primera película. Además, comentó que ya ha hablado con parte del elenco y que todos están emocionades por regresar y continuar esta historia de amor que se volvió un ícono LGBTQ+ contemporáneo.

Los fans de la realeza queer pueden respirar tranquiles: el universo de Red, White & Royal Blue sigue creciendo, y la secuela promete explorar la madurez del amor y los desafíos que implica sostenerlo en medio del deber, la fama y las expectativas públicas.

Gaga salvó las escenas con drag queens en A Star is Born, según Willam

La cantante luchó para que escenas con drag queens no fueran eliminadas de la película, según reveló la icónica Willam.

En el universo queer, pocas figuras tienen el estatus de madre como Lady Gaga. Y esta semana, una historia revelada por la drag queen Willam nos recordó por qué se ha ganado ese título una y otra vez.

Durante una entrevista reciente con MailOnline, Willam, estrella de RuPaul’s Drag Race y actriz en A Star is Born, reveló que todas sus escenas —y las de otras drag queens— estuvieron a punto de ser eliminadas de la versión final de la película… hasta que Gaga intervino personalmente para que fueran reintegradas.

Willam interpretó a Emerald, una de las reinas del bar donde canta Ally Maine (el personaje de Gaga) y una de las responsables de motivar a Jackson Maine (Bradley Cooper) a subir al escenario.

“Recibí un mensaje entre la cena de ensayo y la ceremonia en la boda de Tom Daley y Dustin Lance Black, diciendo: ‘Terribles noticias. Todas tus escenas han sido cortadas’”, relató Willam. “Estaba intentando disfrutar de una boda cuando alguien me dice que me sacaron de una película de Lady Gaga”.

Pero todo cambió días después. “Me avisaron una semana después que Gaga había peleado para que nos incluyeran de nuevo”, añadió. “Gracias, Gaga. Te amamos”.

La inclusión de drag queens fue una parte importante del corazón queer de A Star is Born, y esta anécdota reafirma el compromiso de Lady Gaga con la visibilidad y representación en pantalla, incluso cuando no era fácil.

Una vez más, Gaga demuestra que no solo es aliada: es una verdadera defensora.

Con información de gaytimes

‘Casi septiembre’: el coming of age queer que conquistó Berlín desde un camping costero

El cortometraje español dirigido por Lucía G. Romero narra un verano de descubrimiento, deseo y cicatrices emocionales que resisten el olvido.

Casi septiembre, segundo trabajo cinematográfico de la directora Lucía G. Romero, se ha consolidado como una de las propuestas más sensibles y potentes del cine LGBT+ actual. La historia de Alejandra, una joven que vive en un camping familiar frente a los grandes hoteles, es un retrato íntimo sobre los límites del amor adolescente, las heridas que no sanan y las posibilidades que emergen cuando aparece alguien capaz de vernos de verdad.

El cortometraje tuvo su estreno mundial en la Berlinale 2025, dentro de la sección Berlinale Shorts, donde fue nominado al Oso de Oro y también al Premio Teddy al Mejor Cortometraje, un reconocimiento que celebra obras con perspectiva LGBT+. Desde su proyección en el festival, Casi septiembre ha llamado la atención por su mirada honesta, visualmente cuidada y emocionalmente cruda.

Una historia de verano con profundidad queer

Alejandra (interpretada por Ana Barja) pasa los días cuidando a sus hermanos y jugando con el afecto fugaz de los turistas que van y vienen. Pero cuando conoce a Amara (Isabel Rico), una joven citadina y segura de sí misma, se abre una nueva posibilidad: el deseo genuino, no condicionado por el aburrimiento, sino por el reflejo emocional que alguien más puede ofrecer.

Lo que empieza como un flirteo casual se convierte en un catalizador para que Alejandra confronte sus propios traumas, cuestionando el rumbo de su vida y los márgenes de su identidad. La relación entre ambas chicas crece en tensión, ternura y profundidad, sin necesidad de recurrir al drama excesivo: el dolor y la transformación están en los detalles, en los silencios, en las miradas.

Una nueva voz en el cine queer español

Lucía G. Romero, que escribió y dirigió el cortometraje como proyecto de fin de máster, demuestra con Casi septiembre una madurez narrativa notable. Su aproximación visual –contenida, cálida, pero cargada de significado– y su dirección de actores revelan una sensibilidad única para explorar el deseo y la vulnerabilidad desde lo cotidiano.

En tiempos donde lo queer se encuentra muchas veces encasillado en discursos espectaculares o pedagógicos, este cortometraje apuesta por lo íntimo y lo emocional, por mostrar que la identidad también se construye en pequeños gestos, en veranos que no se olvidan, en personas que llegan justo antes de que acabe el calor.

‘Sabar Bonda (Cactus Pears)’: Una delicada historia queer nacida del duelo en la India rural

El debut cinematográfico de Rohan Parashuram Kanawade, estrenado en Sundance, retrata el deseo, la pérdida y el silencio con profunda ternura.

Con una narrativa íntima y pausada, Sabar Bonda (Cactus Pears) se presenta como una joya del cine independiente indio. Dirigida por Rohan Parashuram Kanawade y hablada en maratí, esta ópera prima es una meditación sobre la identidad, el luto y el amor queer en una sociedad tradicionalista que rara vez deja espacio para lo no dicho.

La historia sigue a Anand, un hombre treintañero que trabaja en un call center en Mumbai y que vuelve a su pueblo natal tras la muerte de su padre. Acompañado por su madre, Anand regresa a un entorno cargado de normas culturales donde ser hombre, rural y no estar casado levanta sospechas. El peso del duelo se mezcla con el del secreto: Anand es gay, pero no hay palabras para decirlo. Solo evasivas. Solo miradas.

En ese espacio de dolor y silencio, se reencuentra con Balya, un amigo de la infancia, también soltero, también diferente. Ambos comienzan a reconectar a través de recuerdos, frutas compartidas, caminatas entre árboles que ya no están y conversaciones que se dicen sin decir. El filme no busca dramatizar sus emociones, sino mostrar cómo se revelan en los espacios entre palabras.

Con una estética visual delicada y un formato 4:3 con bordes redondeados que evoca lo íntimo y lo nostálgico, Kanawade construye una historia donde cada pausa, cada plano fijo, cada roce de manos tiene un peso emocional enorme. La fotografía de Vikas Urs captura los paisajes rurales como si fueran extensiones del alma de los protagonistas.

“¿Tiene él también un amigo especial?”, pregunta en un momento la madre de Anand, en una escena cargada de amor implícito. Sin confrontación, sin tragedia, la película se permite retratar una posibilidad: la de vivir la verdad propia, aunque sea en voz baja.

Sabar Bonda (Cactus Pears) no grita, pero deja una marca profunda. Es una obra que habla de lo queer desde lo local, desde el duelo, desde el deseo contenido. Un filme necesario para quienes buscan representaciones sutiles, humanas y conmovedoras de la diversidad en contextos donde aún se vive en los márgenes.

 

Ver esta publicación en Instagram

 

Una publicación compartida de Sabar Bonda (Cactus Pears) (@cactuspearsfilm)

JK Rowling incita al acoso en baños públicos: pide fotografiar a “todas las mujeres” por si son trans

La autora británica J.K. Rowling, conocida por sus posturas transfóbicas, alentó en un tuit del 21 de junio la fotografía indiscriminada de cualquier persona que entre a baños de mujeres “por si acaso” es transgénero. Esta recomendación, además de carecer de fundamento legal, pone en riesgo la seguridad y la privacidad de todas las usuarias de estos espacios, incluidas mujeres cisgénero que no encajen en estereotipos de feminidad.

Rowling respondió así a la pregunta “¿Cómo piensas vigilar los baños públicos?” tras la reciente sentencia del Tribunal Supremo del Reino Unido que definió en la ley antidiscriminación que “mujer” se basa únicamente en el sexo biológico. A partir de ello, la Comisión de Igualdad y Derechos Humanos (EHRC) del Reino Unido emitió que las personas trans no deberían usar los baños que correspondan a su identidad de género, una postura que Rowling celebró abiertamente.
theweek.com

En su mensaje en X (antes Twitter), Rowling escribió:

“Los hombres decentes siempre se han mantenido al margen, así que podemos suponer que quien no lo haga es una amenaza. Fotografiarlos, denunciarlos y difundir sus imágenes será pan comido.”

Este discurso ya ha tenido consecuencias reales. En marzo pasado, policías de Phoenix irrumpieron en un baño de mujeres para sacar a una mujer lesbiana acusándola de ser un hombre; en hidalgo, un cliente siguió y agredió verbalmente a una empleada de Walmart de 1.93 m por “parecer trans”; e incluso en el Capitolio de EE. UU., la congresista Lauren Boebert se topó con una mujer cis, la acusó de “no pertenecer” al baño y luego tuvo que disculparse.

En el Reino Unido, tomar fotografías en baños públicos es ilegal y podría conllevar sanciones tanto civiles como penales. Sin embargo, al avalar públicamente una práctica de hostigamiento basada en prejuicios, Rowling allana el camino para que grupos y personas individuales justifiquen el acoso, atentando contra la dignidad y la seguridad de mujeres trans y cis por igual.

¿Por qué importa? Refuerza estereotipos sobre cómo “deben” verse las mujeres.

Normaliza la vigilancia y la denuncia ciudadana sin pruebas. Puede derivar en agresiones físicas, verbales o legales contra usuarias vulnerables.

En un contexto global donde las personas trans siguen enfrentando altos índices de violencia y discriminación, este tipo de mensajes de figuras públicas o líderes de opinión incrementa el riesgo de violencia estructural y reta los principios básicos de privacidad y respeto en espacios unisex.

Cole Sprouse llega a la gran pantalla en la película LGBTQ  I Wish You All the Best, el debut de Tommy Dorfman como directora

I Wish You All the Best: tráiler del debut de Tommy Dorfman como directora

Cole Sprouse, Corey Fogelmanis y Alexandra Daddario protagonizan esta adaptación de Mason Deaver

Tommy Dorfman, conocida por su papel en Netflix’s 13 Reasons Why y su reciente debut en Broadway con Romeo + Juliet, da el salto detrás de cámaras con su ópera prima I Wish You All the Best. El medio Out presentó el tráiler exclusivo el 30 de junio, adelantando una historia fresca sobre identidad y familia.

La película, escrita y dirigida por Dorfman a partir del best seller de Mason Deaver, sigue a Ben (Corey Fogelmanis), une estudiante que, tras declararse no binario, es expulsade de su hogar. Sin otro lugar adonde ir, Ben se muda con su hermana mayor (Alexandra Daddario) y su esposo (Cole Sprouse).

En su nuevo colegio, Ben encuentra apoyo en una profesora de arte excéntrica (Lena Dunham) y estrecha lazos con un compañere de clase de buen corazón (Miles Gutierrez‑Riley). A través de estos encuentros, Ben enfrenta los retos de la adolescencia y celebra “el poder de ser fiel a ti mismx”, según la sinopsis.

I Wish You All the Best llegará a los cines el 7 de noviembre de 2025. ¡No te pierdas el tráiler y prepárate para acompañar a Ben en este viaje de autodescubrimiento!

La salida del director Adrian Molina y la actriz America Ferrera marcaron un cambio drástico en la visión original de la película

La más reciente cinta animada de Pixar, Elio, ha estado envuelta en controversia tras revelarse que el estudio recortó escenas y elementos clave que aludían a la homosexualidad de su protagonista. Según un reportaje de The Hollywood Reporter, empleados actuales y exempleados de Pixar afirmaron que la película sufrió una “eliminación constante” de referencias queer durante su producción.

Uno de los momentos eliminados incluía una escena en la que Elio organizaba un “trash-ion show” —un desfile de moda con objetos reciclados— en la playa, luciendo una camiseta rosa. También fueron suprimidas imágenes del dormitorio del personaje que insinuaban un interés romántico por otro niño.

La película, que se estrenó el 22 de junio, ha tenido un bajo desempeño en taquilla y fue producto de múltiples cambios creativos tras la salida de Adrian Molina, director abiertamente gay y creador de la historia original. Molina dejó el proyecto luego de que, según fuentes cercanas, Pixar le solicitara cambios significativos que diluían la identidad del personaje.

“Súbitamente se eliminó una pieza clave, que tenía que ver con la identidad, y Elio dejó de tener sentido”, expresó un antiguo miembro del equipo. “Elio era un personaje divertido, con mucha personalidad; ahora parece mucho más genérico.”

Sarah Ligatich, exasistente de edición de Pixar y miembro del grupo interno PixPride, declaró sentirse profundamente triste por los cambios: “Destruyeron un trabajo hermoso. La salida de talento tras la partida de Molina reflejaba cuán descontentas estaban muchas personas dentro del equipo.”

La controversia también alcanzó a la actriz America Ferrera, quien originalmente iba a interpretar a la madre de Elio. Tras la salida de Molina, abandonó el proyecto y su personaje fue transformado en la tía Olga, ahora con la voz de Zoe Saldaña. Fuentes afirman que Ferrera quedó molesta por la falta de representación latina en la dirección tras el reemplazo del director.

Pese a las versiones que apuntan a Disney como responsable de las decisiones más conservadoras, varias fuentes señalaron que los recortes vinieron directamente desde Pixar. “A la gente le gusta culpar a Disney, pero la llamada viene desde adentro”, aseguró un artista anónimo del estudio.

La película se convirtió en el peor estreno en la historia de Pixar con una recaudación de solo 20.8 millones de dólares en su primer fin de semana en EE.UU., frente a un presupuesto que superó los 150 millones.

Este caso revive el debate sobre la representación LGBTQ+ en contenidos infantiles y familiares, y deja claro que incluso dentro de estudios progresistas como Pixar, la censura sigue siendo una barrera real para contar historias más auténticas y diversas.

El actor Brad Pitt recordó su infancia entre insultos homofóbicos y bromeó con Dax Shepard sobre cómo sería iniciarse.

Durante su paso por el podcast Armchair Expert, Brad Pitt reveló que nunca ha tenido una experiencia gay y, entre risas, dijo que probablemente ya se le “pasó el tren”. El actor promociona F1: The Movie, donde interpreta al piloto retirado Sonny Hayes, y aprovechó para hablar de temas más íntimos, como su proceso de sobriedad y las violencias que vivió en su juventud.

“¿Te sientes cómodo hablando de esto?”, le preguntó Dax Shepard, coanfitrión del programa y miembro de Alcohólicos Anónimos. “¿Sexualmente, dices?”, respondió Pitt entre risas. “Nunca he tenido una experiencia gay. Creo que se me pasó el tren. Pero si la tuviera, no serías tú”, soltó, mirando a Shepard, quien reaccionó con carcajadas. “Tal vez estarías en el lugar 14 o 15”, agregó el actor.

En tono de juego, Shepard le respondió: “Tendrías que empezar con otros. No puedes ir directo a mí”.

Más allá de las bromas, Pitt también compartió cómo su experiencia en un grupo de hombres dentro de A.A. le ayudó enormemente al iniciar su proceso de sobriedad. Aunque fue advertido por mencionar la organización públicamente, se mostró abierto y agradecido con el apoyo recibido: “Fue increíble escuchar a hombres compartir sus historias. Me cambió”.

El actor también reflexionó sobre los insultos que él y su hermano recibieron de jóvenes, incluyendo palabras como “maric*n” y otras cargadas de homofobia.

F1: The Movie, producida por Apple Studios, se estrenará próximamente con Pitt como protagonista y productor. Mientras tanto, su entrevista sigue dando de qué hablar, entre confesiones, risas y guiños queer que no pasaron desapercibidos.

Jinkx Monsoon interpretará a Mary Todd Lincoln en la comedia queer de Broadway “Oh, Mary!”

La reina del teatro y de la comedia está de regreso: Jinkx Monsoon tomará el escenario principal de Broadway para interpretar a Mary Todd Lincoln en la irreverente y aclamada comedia “Oh, Mary!”, escrita y protagonizada originalmente por Cole Escola, quien recientemente ganó el Premio Tony por este papel.

La dos veces ganadora de RuPaul’s Drag Race y reina absoluta del All Stars All Winners remplazará a Tituss Burgess en el rol principal, y debutará en la producción el próximo 4 de agosto, encabezando el elenco durante ocho semanas.

“Oh, Mary!” es una comedia delirante y subversiva que reinventa a la esposa de Abraham Lincoln como una mujer profundamente dramática, alcohólica y, sobre todo, teatral. La obra ha sido un éxito rotundo, agotando funciones y cosechando elogios por su humor queer y enfoque absurdo de la historia.

Jinkx, quien actualmente participa en el musical “Pirates! The Penzance Musical”, continúa consolidando su carrera en los escenarios de Nueva York. Su debut en Broadway fue en 2023 como Mama Morton en “Chicago”, donde recibió excelentes críticas por su poderosa voz y carisma escénico.

La llegada de Jinkx a “Oh, Mary!” promete convertir la obra en un evento imperdible del verano teatral. La reina del camp, el drama y los riffs vocales se prepara para reescribir —una vez más— la historia desde una perspectiva drag.

La estrella de Modern Family, Aubrey Anderson-Emmons, sale del clóset como bisexual recreando una escena icónica de la serie

Lily creció… ¡y es parte de la comunidad LGBT+! ️‍

Aubrey Anderson-Emmons, quien dio vida a la inolvidable Lily en Modern Family, decidió celebrar el Mes del Orgullo con una revelación muy especial: salió del clóset como bisexual usando un audio de la mismísima serie que la lanzó a la fama.

En un video compartido en Instagram, la actriz de 18 años hizo lipsync a una escena emblemática donde su personaje confundía orientación sexual con nacionalidad, gritando “¡Soy gay, soy gay!” mientras Mitchell, su papá en pantalla, trataba de corregirla. ¿El mensaje de Aubrey? “La gente sigue bromeando tanto que soy gay cuando literalmente lo soy (soy bi)”, escribió con humor, rematando con un “Feliz Mes del Orgullo a todos y a todas, y buenas noches jejeje”.

 

Ver esta publicación en Instagram

 

Una publicación compartida de Frances Anderson (@aubreyandersonemmons)

La reacción no se hizo esperar. Más de un millón de personas vieron el video y los fans de Modern Family llenaron los comentarios de amor, orgullo y referencias a sus padres ficticios: “Cam y Mitch estarían tan orgullosos”, escribió unx usuaria.

Aunque dejó la televisión en 2020, Aubrey sigue conectando con sus seguidores en redes, hablando de su experiencia en la industria y, ahora, visibilizando con alegría a la comunidad bisexual.

El Orgullo también se construye con humor, autenticidad y, claro, escenas que siguen haciendo historia una década después.

La actriz anunció un nuevo single que viene en camino. Te dejamos el adelanto…

 

Ver esta publicación en Instagram

 

Una publicación compartida de Frances Anderson (@aubreyandersonemmons)

La hija de Elon Musk, Vivian Wilson, critica al ICE con tacones, lipsync y resistencia queer

Vivian Jenna Wilson, hija trans y públicamente distanciada de Elon Musk, hizo su debut en el mundo del drag con una poderosa causa: apoyar la defensa legal de personas migrantes en Estados Unidos.

La joven activista de 21 años se presentó por primera vez en drag bajo el nombre Vivllainous durante el evento Pattie Gonia Presents SAVE HER! — An Environmental Drag Show, celebrado en The Bellwether de Los Ángeles. Ataviada con un catsuit negro y ondeando la bandera trans, Vivian ofreció una presentación cargada de energía, orgullo y protesta que fue ovacionada por el público.

El show fue organizado por la drag queen y activista climática Pattie Gonia, y reunió a otras artistas como Vera!, Nini Coco, Sequoia, Skirt Cocaine, Trudy Tective y más. Todos los fondos recaudados se destinaron directamente a la defensa legal de inmigrantes, en medio de un clima político tenso marcado por redadas del ICE y protestas masivas en varias ciudades del país.

El evento tuvo lugar a solo minutos del epicentro de las manifestaciones contra el ICE en Los Ángeles, que se intensificaron tras una redada masiva en un Home Depot el 6 de junio, y la militarización posterior promovida por la administración de Donald Trump.

Durante el evento, Pattie Gonia recordó la importancia de actuar localmente frente a las crisis globales. “Ahora es un momento muy difícil para ser diferente en este mundo. Difícil ser queer. Pero no olvidemos que hemos estado aquí antes. Y lo que siempre nos salva es el amor, la comunidad y un buen porro”, dijo entre risas.

Vivian, quien hace poco celebró cinco años desde que salió del clóset como mujer trans, también es conocida por sus críticas abiertas a Elon Musk, a quien ha acusado de promover discursos de odio y hasta de haber hecho un saludo nazi durante la investidura de Trump, un gesto que el magnate ha negado rotundamente.

“Vamos a decir las cosas como son. Eso fue un saludo nazi”, dijo Vivian en una entrevista reciente. “La gente en ese evento también es responsable, y nadie está hablando de eso”.

Más allá del espectáculo, la noche fue un acto político: una joven trans, hija de uno de los hombres más poderosos y controvertidos del mundo, usando su voz, su cuerpo y su arte para resistir y proteger a quienes más lo necesitan.

 

Ver esta publicación en Instagram

 

Una publicación compartida de Out Magazine (@outmagazine)

¡Arriba el glamour! Se realiza el primer show drag en un avión rumbo a México

¡Haciendo historia en las alturas! El arte drag acaba de conquistar un nuevo escenario: el cielo. Un vuelo comercial entre Canadá y Guadalajara se convirtió en pasarela aérea cuando se llevó a cabo el primer drag show en un avión, marcando un momento icónico para la visibilidad queer.

La iniciativa fue compartida por la cuenta @Rougeviews con el mensaje “Making herstory!”, y rápidamente se volvió viral entre fans de Drag Race y del arte drag en general. El espectáculo fue organizado en un vuelo de Flair Airlines, y contó con la participación de la fabulosa Horacio Potasio, reconocide por su paso en Drag Race México.

Este performance no solo sorprendió a les pasajeres, sino que también se celebra como un acto de visibilidad y celebración LGBTQ+ en un espacio que tradicionalmente no se asocia con la cultura queer. Y sí, fue tan glamoroso como suena: tacones, pelucas, vuelos y mucho brillo… ¡literalmente!

La ruta del vuelo fue de Canadá a Guadalajara, lo que también simboliza la conexión internacional que el arte drag ha logrado gracias al impacto de franquicias como Drag Race y al talento de artistas como Horacio.

Este tipo de iniciativas nos recuerdan que el drag no tiene límites, y que puede (¡y debe!) estar presente en todos los espacios. Porque la diversidad no solo se vive en las calles o los escenarios: también se vuela a 10,000 metros de altura.

¿El cielo es el límite?
Para el drag, definitivamente no.

 

Ver esta publicación en Instagram

 

Una publicación compartida de Horacio Potasio (@horaciopotasio)

Joe Locke no descarta el regreso de Heartstopper, pero ahora sueña con papeles queer más complejos

Joe Locke, estrella de la serie Heartstopper, está listo para despedirse del proyecto que lo convirtió en una figura clave dentro de la representación LGBTQ+ en pantalla. Sin embargo, deja una puerta entreabierta: “Nunca digas nunca”, dijo en entrevista con Variety, al hablar sobre el futuro de la historia.

Locke, quien interpreta al tierno e introspectivo Charlie Spring, compartió que la próxima película de Heartstopper servirá como cierre para la historia que ha conmovido a millones de personas queer alrededor del mundo. Aunque siente que es momento de seguir adelante, reconoce el impacto de la serie en su vida y en su carrera.

“Estoy muy agradecido. No tendría una carrera sin Heartstopper. Pero siento que es hora de empujarla al mundo y pasar a lo siguiente de una forma muy bonita”, expresó.

Más allá del éxito, Joe también reflexiona sobre el tipo de personajes que ha interpretado y los desafíos que enfrenta como actor abiertamente gay. En la misma entrevista, confesó su temor a ser encasillado como “twink gay delgado”, un estereotipo muy presente en las representaciones queer en la televisión y el cine.

 

Ver esta publicación en Instagram

 

Una publicación compartida de Variety (@variety)

“La mayoría de las audiciones que me llegan son para interpretar a ‘twinks gays delgados’… lo cual está bien, porque lo soy. Pero quiero hacer lo contrario”, dijo con franqueza.

Aunque bromeó sobre su metabolismo, que no le permite fácilmente cambiar su físico, el mensaje de fondo es claro: Joe Locke quiere ampliar su rango actoral, romper etiquetas y explorar personajes queer con más matices.

Además de Heartstopper, Locke ya se ha integrado al universo Marvel con la serie Agatha All Along, dando pasos hacia nuevos horizontes en la industria. Pero lo hace con la conciencia de que ser un actor LGBTQ+ joven implica navegar un mundo lleno de estereotipos.

El cierre de Heartstopper no significa el fin de su historia, sino el inicio de una etapa en la que busca representar otras formas de ser, de amar y de existir dentro del espectro queer.

Porque si algo nos enseñó la serie es que las historias LGBTQ+ importan… y apenas estamos comenzando.

 

Ver esta publicación en Instagram

 

Una publicación compartida de Variety (@variety)

Ayer, dimos a conocer el caso de Cami Aurora, activista y cineasta trans, quien fue golpeada en el rostro por un guardia de seguridad privada durante una jornada de actividades en un espacio autogestivo de economía solidaria en la Ciudad de México. El ataque se dio luego de que Cami interviniera para defender a un joven trans del mismo colectivo, quien minutos antes había sido agredido por el mismo sujeto y sufrió una posible fractura nasal.

Noticia: Golpean a hombre trans y a Cami Aurora, activista trans y directora de Johanne Sacrébleu

Ambos actos de violencia fueron captados en video y generaron indignación en redes sociales, donde decenas de personas exigieron justicia y denunciaron la violencia estructural que enfrentan las personas trans, incluso en espacios que se proclaman “seguros” o “inclusivos”.

Hoy, colectivos como Eufforia Trans, Transcontingenta, Transsalud y la propia Cami Aurora han compartido una alarmante actualización: el agresor podría quedar en libertad, ya que la Fiscalía consideró que las lesiones “sanarán en menos de 60 días”, lo cual impide que se le impongan medidas de prisión preventiva o reparación del daño.

Ante esto, se ha lanzado un llamado a la solidaridad para apoyar económicamente al joven trans agredido, quien aún está en revisión médica y necesita atención especializada.

CLABE: 722969020441353508
Beneficiario: David Yeylán Torres Flores
Institución: Mercado Pago W

Desde El Clóset LGBT hacemos eco del llamado de estas colectivas y recordamos que no basta con nombrar la inclusión: se necesitan acciones reales que garanticen la seguridad de las disidencias sexogenéricas.

GLAAD alerta sobre la falta de inclusión LGBTQ+ en el cine de 2024

Aunque el cine ha sido históricamente un refugio para la expresión queer, en 2024 los grandes estudios de Hollywood han dado un preocupante paso atrás. Así lo revela el nuevo Índice de Responsabilidad de los Estudios publicado por GLAAD, que reporta que sólo el 23.6% de las películas estrenadas por las principales distribuidoras incluyeron personajes LGBTQ+. Se trata del nivel más bajo en los últimos tres años.

¿Qué está pasando con Hollywood?

La investigación analizó las producciones de los 10 estudios más grandes —incluyendo a A24, Amazon, Disney, Netflix, Warner Bros. y otros— junto con sus subsidiarias y plataformas de streaming. De 250 películas estrenadas en 2024, solo 59 incluyeron personajes LGBTQ+. Y la representación, además de escasa, fue en muchos casos superficial o estereotipada.

Entre los hallazgos más alarmantes del informe:

Solo dos películas incluyeron personajes trans, y ambas cayeron en estereotipos o casting inauténtico.

La representación de personas LGBTQ+ racializadas bajó a 36%, el porcentaje más bajo desde 2019.

Estudios como Disney, Sony y Warner Bros. obtuvieron una calificación de “insuficiente” por parte de GLAAD.

A24, la excepción luminosa

Frente a este panorama, A24 brilló como la única distribuidora que recibió una calificación de “Buena”. Más de la mitad de sus películas (56%) incluyeron personajes LGBTQ+ y muchas de ellas —como Love Lies Bleeding o Problemista— rompieron esquemas y récords de taquilla.

Además, producciones como Mean Girls (2024), Queer, Drive-Away Dolls y My Old Ass pasaron la Prueba Vito Russo, un estándar creado por GLAAD para evaluar la calidad de la representación queer en pantalla.

Para Sarah Kate Ellis, presidenta de GLAAD, el informe debe tomarse como una llamada de atención:

“En un momento en que las personas LGBTQ+ enfrentan ataques sin precedentes en la política y los medios, el cine debe ser un espacio para la visibilidad y la verdad. La representación no es una casilla que se marca: es una declaración de qué vidas importan.”

La falta de inclusión también tiene un impacto directo en las audiencias jóvenes, que buscan verse reflejadas en las historias que consumen. En lugar de avanzar hacia narrativas más auténticas, muchos estudios parecen retroceder por miedo a incomodar a los sectores más conservadores.

Hollywood, tenemos un problema

Mientras algunas películas y estudios apuestan por mostrar la diversidad del mundo real, otros continúan perpetuando el silencio y la invisibilización queer. La representación LGBTQ+ en pantalla no sólo es importante: es urgente. No se trata de cuotas ni de tendencias, sino de reflejar la vida y la experiencia de millones de personas que siguen esperando verse con dignidad en el cine comercial.

Darren Criss gana su primer Tony y se convierte en el tercer actor de Glee en ganar uno

Por fin, Darren Criss tiene su Tony. Y no fue por una interpretación discreta, ni por un personaje convencional, sino por dar vida a un robot con más corazón que muchos humanos en Maybe Happy Ending, el musical de ciencia ficción que conquistó Broadway y ahora también a la crítica.

En la 78.ª edición de los Premios Tony, Criss se coronó como Mejor Actor en un Musical y, aunque el galardón brilla, lo más poderoso fue verlo subir al escenario con una humildad que contrasta con su grandeza artística. En su discurso, agradeció a su esposa Mia, a su mentor Craig Slaight y dedicó palabras llenas de ternura a sus colegas nominados. Sí, incluyendo a Jonathan Groff, su eterno compañero de emociones desde los días de Glee.

Lo más significativo de esta victoria no es solo el trofeo, sino el papel. Oliver, el robot que interpreta Criss, descubre el amor junto a otro androide en una historia cargada de ternura y complejidad emocional. Maybe Happy Ending no solo habla de amor, sino de identidad, de vulnerabilidad, de lo que significa tener (o buscar) alma.

Y que sea Darren quien encarne eso, no es casualidad. Aunque se ha identificado como heterosexual, ha sido un aliado constante y un referente para la comunidad LGBTQ+ desde que interpretó a Blaine Anderson en Glee, un papel que marcó a toda una generación queer.

Con este Tony, Darren Criss ya suma la mitad del EGOT (Emmy y Tony). Y lo ha hecho sin dejar de ser quien es: un artista versátil, sensible, con una carrera que abarca desde la televisión y el teatro hasta la música, todo con una esencia profundamente conectada con la comunidad que lo ha aplaudido desde sus inicios.

También es bonito que, tras la premiación, se reencontrara con Chris Colfer (su “esposo televisivo” en Glee), dándonos un guiño nostálgico a esa pareja ficticia que hizo historia en la pantalla chica.

Que Maybe Happy Ending haya triunfado en seis categorías, incluyendo Mejor Musical, nos dice que las historias queer, incluso con metáforas robóticas, siguen encontrando su lugar —y merecen ser contadas. Y que actores como Darren, que abrazan esos relatos con sensibilidad y respeto, son más necesarios que nunca.

En un mundo que a veces parece más frío que una placa de circuito, personajes como Oliver y artistas como Darren Criss nos recuerdan que la emoción, la diversidad y el amor (sea cual sea su forma) siguen siendo lo más humano que hay.

Cole Escola hace historia: primera persona no binaria en ganar Tony a Mejor Actor Principal

La noche de los Tony 2025 estuvo llena de emoción, risas… ¡y hasta una mención inesperada a Grindr! Cole Escola se convirtió en la primera persona no binaria en ganar en la categoría de Mejor Actuación de un Actor Principal en una Obra de Teatro, por su brillante trabajo en Oh, Mary!

Con este triunfo, Escola se une al pequeño pero poderoso grupo de talentos no binaries que han ganado un Tony, junto a Alex Newell y J. Harrison Ghee, quienes lo lograron en 2023. Pero lo de Cole va más allá: hizo historia enfrentándose a nombres como George Clooney y Daniel Dae Kim, y aun así logró llevarse la estatuilla a casa.

Y como si eso no fuera suficiente para amarlos, su discurso fue puro oro. Subieron corriendo al escenario en un vestido inspirado en Bernadette Peters y, con una mezcla de nervios y humor, agradecieron a sus amistades, a Amy Sedaris… ¡y hasta a T-Bone de Grindr! Sí, leyeron bien.

“Quiero agradecer… a las personas más importantes en mi vida: mis amistades que están aquí esta noche, Jeffrey, Jen, Ben, todos los que están viendo desde casa. Christian, Dakota, el gang completo, John, Claudia… ah, y T-Bone de Grindr y Amy Sedaris, que siempre me recuerda lo importante que es para mí”.

Oh, Mary! también estaba nominada a Mejor Obra, aunque ese premio se lo llevó Purpose. Aun así, el espectáculo y su protagonista brillaron. Escola interpreta a una Mary Todd Lincoln borracha, soñando con ser estrella de cabaret. El show debutó off-Broadway antes de saltar a Broadway, donde se volvió un éxito total.

Para quienes quieran ver a Cole en esta joya teatral, tienen hasta el 21 de junio, cuando termina su participación. Después, el gran Tituss Burgess tomará el relevo.

Entre risas, drama y un guiño inesperado a las apps de ligue, Cole Escola nos recuerda que la historia se escribe en tacones (o en vestido), con talento y mucha autenticidad.

 

Ver esta publicación en Instagram

 

Una publicación compartida de GLAAD (@glaad)

Las brujas más icónicas de Broadway están de regreso, y la tensión está más alta que nunca. Wicked: For Good, la esperada segunda parte del musical protagonizado por Cynthia Erivo y Ariana Grande, acaba de revelar sus primeras imágenes oficiales… ¡y no podríamos estar más emocionadxs!

Las fotografías, compartidas por Vanity Fair, nos ofrecen un vistazo al reencuentro (y aparente confrontación) entre Elphaba y Glinda, tras el dramático final de la primera película. Recordemos que en Wicked (2024), Elphaba desafía al Mago de Oz y escapa volando en su icónica escoba, dejando atrás a su antigua amiga Glinda. Ahora, todo parece indicar que ese quiebre tendrá consecuencias importantes.

Las imágenes muestran a Elphaba volando bajo un cielo nocturno y a Glinda coronándose a sí misma con una tiara. Pero la foto más poderosa es, sin duda, aquella donde ambas se enfrentan cara a cara, en lo que parece ser una escena cargada de emoción. También se incluye una imagen del detrás de cámaras con el director Jon M. Chu, quien vuelve a liderar este ambicioso proyecto cinematográfico.

¿Qué podemos esperar?

El segundo acto de Wicked es donde la historia realmente explora el conflicto interno de sus protagonistas. Con Elphaba siendo perseguida por el régimen del Mago, y Glinda lidiando con la presión de ser “la buena”, la dinámica entre ambas evoluciona hacia una profundidad emocional que promete lágrimas y redención.

Además, se espera que Wicked: For Good utilice aún más efectos visuales que su predecesora, especialmente en las escenas de vuelo de Elphaba. Si bien el número “Defying Gravity” fue el gran clímax visual de la primera cinta, esta secuela nos mostrará a una Elphaba ya empoderada y dominando sus habilidades mágicas.

La película tiene previsto su estreno el 21 de noviembre de 2025, y con estas primeras imágenes, Universal ya empieza a construir la expectativa para lo que será el desenlace de una de las amistades más intensas y transformadoras de la cultura pop.

Wicked: For Good apunta a ser mucho más que una secuela. Es la culminación de un viaje emocional entre dos mujeres complejas, poderosas y contradictorias. Si el primer filme nos hizo cantar, este promete hacernos llorar. ¿Estás listx para volver a Oz?

Te dejamos las primeras imágenes publicadas por Variety: