Pablo Alborán se Une a Manu Ríos en la Segunda Temporada de ‘Respira’

La serie española de Netflix, “Respira”, creada por Carlos Montero, está de vuelta con una segunda temporada que promete ser tan emocionante como la primera. El cantante malagueño Pablo Alborán se une al elenco de la serie, que sigue las vidas de un grupo de médicos en el Hospital Joaquín Sorolla de Valencia.

“Respira” se estrenó en agosto de 2024 y rápidamente se convirtió en un éxito, alcanzando el puesto número uno en el ranking global de series de habla no inglesa más vistas de Netflix. La serie sigue las vidas de los médicos y residentes del hospital, mientras salvan vidas y navegan por las tensiones del sistema de salud pública.

El reparto de la serie incluye a Manu Ríos, Xóan Fórneas, Rafa Verdugo, Najwa Nimri, Aitana Sánchez Gijón, Blanca Suárez, Borja Luna, Ana Rayo y Alfonso Bassave, entre otros. Pablo Alborán se une al elenco en la segunda temporada, interpretando a un personaje cuyo detalles aún no han sido revelados.

La segunda temporada de “Respira” promete ser tan emocionante como la primera, con nuevos personajes y tramas que exploran las vidas de los médicos y residentes del hospital. La sinopsis oficial dice: “El Joaquín Sorolla es ahora un hospital de gestión privada, desafiando las convicciones y principios de sus médicos. Más allá de salirse con la suya, Patricia continúa luchando contra su cáncer y estrechando un lazo cada vez más estrecho con Néstor.”

La fecha de estreno de la segunda temporada de “Respira” aún no ha sido anunciada, pero Netflix ya ha adelantado lo que los fans pueden esperar en esta nueva tanda de episodios. La primera temporada de “Respira” está disponible en Netflix.

Heartstopper se despide con una película final en lugar de una cuarta temporada

Netflix adaptará el volumen 6 del cómic de Alice Oseman en un largometraje que cerrará la historia de Nick y Charlie

En un anuncio sorpresa que coincide con el tercer aniversario del estreno de Heartstopper, Netflix confirmó que la historia de Nick y Charlie no continuará con una cuarta temporada, sino que culminará con una película final.

La película, que adaptará el sexto y último volumen —aún inédito— del popular cómic de Alice Oseman, se perfila como el desenlace definitivo de una historia que ha conquistado corazones en todo el mundo.

“Estoy completamente feliz de que podamos contar el final de Heartstopper”, expresó Oseman en un comunicado. “Estoy muy agradecida con todos los que han trabajado para hacerlo posible y con los fans por su pasión y paciencia. No puedo esperar para darle a esta historia un cierre mágico”.

Dirigida por Wash Westmoreland (Still Alice, Colette), la película contará con Kit Connor (Nick) y Joe Locke (Charlie) como productores ejecutivos, junto con la propia Oseman y parte del equipo detrás de la serie original.

¿Qué podemos esperar?

La sinopsis oficial adelanta un enfoque más maduro para los protagonistas: “Nick y Charlie son inseparables, pero con Nick preparándose para ir a la universidad y Charlie encontrando una nueva independencia en la escuela, la realidad de una relación a distancia empieza a pesar en ellos. Las dudas surgen y su relación enfrenta su mayor desafío hasta ahora”.

Además, los amigos del dúo también enfrentarán sus propios dilemas amorosos y personales, en una etapa crucial de crecimiento y transición. ¿Puede el primer amor sobrevivir al paso del tiempo?

¿Quién regresa?

Aunque el elenco completo aún no ha sido confirmado, se espera el regreso de los favoritos William Gao (Tao), Corinna Brown (Tara), Kizzy Edgell (Darcy), Tobie Donovan (Isaac), Jenny Walser (Tori), Rhea Norwood (Imogen), y más.

La tercera temporada fue aclamada por su evolución en tono y madurez, consolidando a Heartstopper como una de las historias LGBTQ+ más queridas del streaming. Ahora, todo apunta a que este largometraje será una despedida emotiva, honesta y fiel a la esencia que enamoró a los fans desde el inicio.

La producción de la película comenzará este verano, y mientras esperamos más novedades, los fans pueden revivir la historia completa con las tres temporadas disponibles en Netflix.

Sale el tráiler de “Los Cuatro Fantásticos” y Pedro Pascal enciende las redes

Pedro Pascal ha vuelto a romper internet, esta vez de la mano (o mejor dicho, del brazo elástico) de Reed Richards, también conocido como Mr. Fantastic, en el esperado tráiler de The Fantastic Four: First Steps, la nueva apuesta de Marvel Studios.

Tras años de rumores, especulaciones y fan casts infinitos, el MCU por fin presenta a la Primera Familia de Marvel en su versión oficial. El reparto lo encabeza Pascal como el científico más brillante (y ahora más flexible) del universo, acompañado por Vanessa Kirby como Sue Storm, Joseph Quinn como Johnny Storm, y Ebon Moss-Bachrach como Ben Grimm.

Y aunque la película aún no se estrena, el tráiler ya hizo lo suyo: desatar un tsunami de memes y fantasías elásticas en redes sociales.

En el primer vistazo a la película, vemos a Reed Richards utilizando sus poderes de elongación corporal, una habilidad que en menos de 24 horas ha sido convertida en cientos de gifs, edits y bromas en X, TikTok e Instagram.

La comunidad queer —siempre lista con el humor más rápido del internet— ha reaccionado con una mezcla de asombro, coquetería y pura sed digital. Los comentarios van desde “estírame como Pedro Pascal estira sus brazos” hasta “yo también quiero que me alcance desde el otro cuarto”. Y bueno, honestly? Mood.

Pascal, ya conocido como “internet’s daddy” gracias a sus papeles en The Mandalorian, The Last of Us y hasta Game of Thrones, ahora suma un nuevo título: el Reed Richards más sexy jamás visto. Y el internet no se ha hecho esperar.

“Me dijeron que iba a ver una película de superhéroes, no que iba a cuestionar mi realidad elástica”, bromeó una usuaria en X.

FFFFFFFUUUUCK pedro pascal as reed richards is dangerously attractive pic.twitter.com/HWN9aqjTiv

— irene (@pascalcoded) April 17, 2025

Más allá de la euforia viral, Fantastic Four: First Steps marca un momento clave para el MCU. Introducir a estos icónicos personajes en una nueva era cinematográfica es un movimiento estratégico —y apostarle a un actor tan querido como Pascal, un acierto emocional y comercial.

El tráiler promete una estética retrofuturista, ciencia ficción emocional y una nueva dinámica de equipo que mezcla la inteligencia, la acción… y, claro, una buena dosis de fanservice.

Fantastic Four: First Steps llegará a los cines el 14 de febrero de 2026. Y si el tráiler ya nos dejó así, no queremos ni imaginar el estreno.

https://www.youtube.com/watch?v=pAsmrKyMqaA&embeds_referring_euri=https%3A%2F%2Fwww.out.com%2Ffilm%2Fpedro-pascal-fantastic-four-trailer-thirsty-reactions&source_ve_path=MjM4NTE

Ethel Cain hace historia en Billboard, pero no olvidemos a los artistas no binarios

Esta semana, Ethel Cain logró un hito histórico cuando su álbum Preacher’s Daughter alcanzó el puesto número 10 en la lista Billboard 200, convirtiéndose en una de las pocas artistas transgénero en lograr tal hazaña. El logro ha sido ampliamente celebrado, pero la cobertura mediática también ha despertado una conversación necesaria sobre la inclusión —o más bien, la exclusión— de artistas no binarios dentro del mismo discurso.

Preacher’s Daughter, lanzado originalmente en 2022, recibió un impulso considerable en ventas tras el lanzamiento de su edición en vinilo, alcanzando 37,000 copias físicas vendidas y sumando 2,000 unidades equivalentes por streaming. En total: 39,000 unidades que le bastaron para entrar en el top 10 de Billboard, un logro impresionante para un disco con tres años de antigüedad.

Sin embargo, la celebración vino acompañada de una afirmación viral, originada en X (antes Twitter), donde la cuenta @PopBase aseguró que Cain era “la primera artista trans abiertamente transgénero” en alcanzar el top 10 de Billboard. Aunque Billboard jamás hizo tal afirmación, ni otras cuentas especializadas como @PopCrave o @chartdata, esa publicación acumuló millones de vistas y fue tomada como fuente por numerosos medios, replicando la narrativa sin verificarla.

Pero la afirmación no es del todo precisa.

Antes que Cain, otros artistas de género diverso ya habían entrado al top 10 del Billboard 200. El caso más claro es el de Sam Smith, quien se identificó públicamente como persona no binaria en 2019 y ha lanzado dos álbumes —Love Goes (2020) y Gloria (2023)— que alcanzaron el puesto 5 y 7, respectivamente. Smith usa los pronombres they/them y ha sido abierto sobre su identidad, lo cual los convierte en un claro ejemplo de representación no binaria en la cima de las listas musicales.

Otro caso es el de Demi Lovato, quien salió públicamente como persona no binaria en 2021 y lanzó el álbum Holy Fvck en 2022, el cual también llegó al número 7 del Billboard 200. Aunque más tarde expresó sentirse cómoda usando también los pronombres she/her, ha reafirmado que su identidad no binaria sigue vigente, y actualmente mantiene they/them/she/her en su biografía de Instagram.

Estos ejemplos demuestran que la narrativa de “primer artista trans en el top 10” borra la experiencia de artistas no binarios, quienes también forman parte de la comunidad trans según organizaciones como Human Rights Campaign y The Trevor Project. Tal como lo explica Monica Helms, creadora de la bandera trans, la franja blanca al centro representa a quienes tienen una identidad de género indefinida o neutral —incluyendo personas no binarias.

Ethel Cain, por su parte, se prepara para lanzar su segundo álbum Willoughby Tucker, I’ll Always Love You en agosto de 2025. Y mientras celebramos su merecido reconocimiento, también es vital ampliar la conversación para incluir a todos los artistas del espectro trans, sin excluir ni invisibilizar a quienes no encajan en categorías binarias.

Porque si de representación se trata, nadie debería quedar fuera.

Margaret Qualley, Aubrey Plaza y Chris Evans protagonizan la nueva comedia queer Honey Don’t! dirigida por Ethan Coen

Margaret Qualley, Aubrey Plaza y Chris Evans encabezan el elenco de Honey Don’t!, una nueva comedia oscura de temática queer dirigida por Ethan Coen. El proyecto forma parte de una trilogía de películas de serie B con enfoque lésbico creada junto a Tricia Cooke, que comenzó en 2024 con Drive Away Dolls.

La historia se desarrolla en Bakersfield, California, y sigue a una detective privada lesbiana, interpretada por Qualley, que investiga a una iglesia sospechosa y a su carismático líder, interpretado por Evans. Aubrey Plaza también participa en el reparto principal.

El elenco incluye además a Charlie Day, Billy Eichner, Talia Ryder, Gabby Beans, Lera Abova, Kristen Connolly y Lena Hall. La producción ya ha finalizado, según confirmó la Oficina de Cine de Nuevo México en mayo de 2024.

En una entrevista reciente, Qualley describió a su personaje como “suave y misterioso”, y aseguró que no necesitó preparación para las habilidades de detective: “Las mujeres saben lo que está pasando, incluso cuando no lo saben”, afirmó.

Honey Don’t! marca la segunda colaboración entre Qualley, Coen y Cooke. El primer filme de la trilogía, Drive Away Dolls, fue una comedia de carretera centrada en dos mujeres en fuga tras un robo accidental.

El estreno de Honey Don’t! está previsto para este verano.

Netflix revela fecha de estreno y tráiler de la segunda (y última) temporada de The Sandman

El sueño continúa… pero no por mucho tiempo. Netflix ha revelado el primer tráiler y la fecha de estreno de la segunda y última temporada de The Sandman, la aclamada adaptación de los cómics de Neil Gaiman.

La nueva entrega llegará en dos volúmenes: el primero se estrenará el 3 de julio, y el segundo llegará apenas unas semanas después, el 24 de julio.

El teaser —breve pero lleno de atmósfera— nos muestra a Destiny (Adrian Lester) convocando a sus hermanos Eternos: Dream (Tom Sturridge), Death (Kirby Howell-Baptiste), Desire (Mason Alexander Park), Delirium (Esmé Creed-Miles) y Despair (Donna Preston) para una enigmática reunión familiar.

Entre frases crípticas como “el rey abandona su reino” y “la batalla más antigua comienza otra vez”, la temporada promete conflictos épicos, emociones intensas y más de esa estética oscura que convirtió a la serie en un fenómeno visual.

Según la sinopsis oficial de Netflix, Morfeo deberá enfrentar las consecuencias de su pasado mientras lucha por salvar el Sueño, el mundo de los humanos y a sí mismo. En su viaje, se cruzará con dioses, monstruos, mortales… y sus propios fantasmas.

“Para redimirse, Dream deberá enfrentar a viejos amigos y enemigos. Pero el camino hacia el perdón tiene giros inesperados y podría costarle todo”, adelanta la plataforma.

Un elenco estelar y más universo por explorar
Regresan rostros conocidos como Gwendoline Christie (Lucifer), Vivienne Acheampong (Lucienne) y Mark Hamill (la voz de Mervyn Pumpkinhead). Pero la segunda temporada se expande con nuevas y potentes incorporaciones:

Ruairi O’Connor como Orfeo

Freddie Fox como Loki

Clive Russell como Odín

Laurence O’Fuarain como Thor

Ann Skelly como Nuala

Jack Gleeson (sí, Joffrey de Game of Thrones) como Puck

Indya Moore como Wanda

Steve Coogan como Barnabus

Barry Sloane como The Prodigal

El showrunner Allan Heinberg adelantó que esta temporada inicia semanas después del final de la primera. Dream reconstruye su reino y busca dejar atrás el pasado, pero como es costumbre en el universo de Gaiman, el pasado tiene otros planes.

Además, Heinberg subrayó que el cambio será un tema central en esta nueva etapa de la historia.

The Sandman debutó con elogios por su fidelidad al material original, su impresionante mundo visual y su representación diversa, incluyendo personajes LGBTQIA+ que conectaron profundamente con la audiencia.

Con su despedida ya marcada en el calendario, todo indica que esta última temporada será tan ambiciosa y emotiva como merecen los fans del cómic… y del Sueño.

Física o Química. La nueva generación: el regreso del Zurbarán con nuevas caras, historias intensas y mucha actualidad

El instituto Zurbarán vuelve a abrir sus puertas en Física o Química (FoQ). La nueva generación, la esperada secuela de la mítica serie LGBTQ Física o Química, que marcó a toda una generación a finales de los 2000. Esta vez, la historia da un giro moderno al enfocarse en los dilemas, relaciones y tensiones propias de la generación Z, con una narrativa que promete ser tan provocadora como actual.

Entre los nuevos rostros destaca Biel Antón, joven actor catalán de 19 años que debuta en televisión interpretando a Pelayo, el clásico chico popular del instituto: carismático, seguro, con la novia más guapa del curso y una apariencia impecable. Pero a medida que avanza la serie, los espectadores descubrirán lo que esconde más allá de esa imagen superficial.

“Pelayo arranca siendo el típico guay, pero lo iremos viendo sin máscaras, mostrando sus dudas y su lado más humano”, compartió Antón en entrevista.

La serie, disponible en Atresplayer, mantiene el tono atrevido y emocional que hizo famosa a la original, pero ahora aborda nuevas problemáticas como la salud mental, la presión de las redes sociales, la identidad de género y la hipersexualización en la era digital.

Además, la producción no teme a las escenas subidas de tono, que en esta nueva entrega se abordan con profesionalismo gracias a la incorporación de una coordinadora de intimidad. “Se ha creado un ambiente de total respeto. Nos han cuidado muchísimo”, asegura Antón, dejando claro que la producción busca representar lo íntimo desde una mirada ética y cuidada.

Con un elenco fresco, temáticas potentes y un lenguaje visual renovado, FoQ. La nueva generación se propone conquistar a los nuevos públicos sin perder la esencia que convirtió a su antecesora en un fenómeno televisivo. Y sí, habrá cosas “bastante escandalosas”.

¿Sobrevivirá el Zurbarán a los dilemas de la generación Z? Todo apunta a que esta nueva camada está lista para hacerlo arder.

Emma Corrin y Olivia Colman protagonizarán nueva versión de Orgullo y Prejuicio para Netflix

Netflix ha anunciado una nueva y ambiciosa adaptación de la clásica novela Orgullo y Prejuicio (Pride & Prejudice) de Jane Austen, que será protagonizada por Emma Corrin, Jack Lowden y la ganadora del Oscar, Olivia Colman. La miniserie, compuesta por seis episodios, se rodará en el Reino Unido a finales de este año.

Emma Corrin, artista no binarie y conocide por su papel en The Crown y recientemente vista en la película Nosferatu, interpretará a Elizabeth Bennet, mientras que Jack Lowden (Slow Horses) dará vida al reservado y complejo Sr. Darcy. Olivia Colman, por su parte, encarnará a la excéntrica y persistente Sra. Bennet, madre de Elizabeth.

El proyecto contará con la dirección de Euros Lyn, reconocido por su trabajo en la exitosa serie Heartstopper, y el guion estará a cargo de Dolly Alderton, autora del bestseller Todo lo que sé sobre el amor. Alderton también participará como productora ejecutiva, al igual que Emma Corrin, quien debuta en esa función.

Según informó Netflix en un comunicado, esta adaptación busca mantenerse fiel al espíritu original de la novela publicada en 1813, abordando temas como los modales, las normas sociales, la educación y los matrimonios concertados durante la Regencia Británica, pero con un enfoque moderno que conecte con nuevas generaciones.

“Interpretar a Elizabeth Bennet es un privilegio enorme”, declaró Corrin sobre su papel, mostrando entusiasmo por formar parte de esta nueva mirada sobre el clásico literario.

Esta nueva versión se suma a la larga lista de adaptaciones de la obra de Jane Austen, destacando entre ellas la película de 2005 protagonizada por Keira Knightley y Matthew Macfadyen. Sin embargo, Netflix promete una versión fresca, profunda y visualmente espectacular que reunirá tanto a los seguidores de siempre como a un nuevo público global.

Wendy Guevara desata polémica con sus comentarios sobre mujeres trans en el deporte: ¿libertad de expresión o falta de responsabilidad?

Wendy Guevara, una de las figuras más mediáticas del entretenimiento digital en México, está nuevamente en el centro de la controversia. Durante su participación en el programa Desiguales de Univisión, la influencer hizo comentarios sobre la participación de mujeres trans en competencias deportivas y certámenes de belleza que dividieron opiniones en redes y dentro de la comunidad LGBTQ+.

La creadora de contenido expresó que existen diferencias físicas entre mujeres trans y mujeres cis que podrían representar una desventaja en ciertos contextos, por lo que sugirió que lo más justo sería crear una categoría exclusiva para mujeres trans. Aunque dejó claro que se trataba de una opinión personal, sus palabras fueron interpretadas por muchos como una falta de empatía, ignorancia o incluso transfobia encubierta.

 

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Las reacciones no se hicieron esperar. Mientras algunas personas defendieron su derecho a expresarse libremente, incluso dentro de una comunidad que aboga por la diversidad, una gran parte del público —especialmente activistas y figuras LGBTQ+— rechazaron su postura, argumentando que sus declaraciones alimentan discursos que históricamente han sido usados para excluir a personas trans del deporte profesional y otros espacios públicos.

Lejos de retractarse, Wendy respondió a través de un video en redes sociales.

Visiblemente molesta, dijo sentirse harta de que otras personas intenten imponerle cómo debe pensar o expresarse. “¿Por qué a huev* las chicas quieren que yo piense igual que ellas?”, reclamó.

Aseguró que no se identifica como mujer, a pesar de ser una persona trans, y que no pretende ser representante de ninguna comunidad: “Yo me acepto a mí misma. No vivo para complacer a los demás ni para cumplir con expectativas ajenas”.

@thebestshortsever Eso Wendy! Edúcalas! Etiqueten a las At4c4D@s 🤭 #wendyguevara #lasperdidas #humor #texas #newyork #california #miami #CapCut ♬ som original – andressaressam

El caso ha reavivado una conversación necesaria y compleja: ¿qué pasa cuando alguien con una plataforma masiva emite una opinión que contradice las luchas colectivas de su propia comunidad? ¿Se trata de libertad de expresión o de una falta de responsabilidad pública?

Por ahora, ni Univisión ni organizaciones LGBTQ+ han emitido comunicados oficiales.

Cate Blanchett: El adiós de una musa queer en Hollywood

Hay figuras en la cultura que no solo actúan, sino que marcan generaciones. Cate Blanchett es una de ellas. No solo por su talento descomunal, su elegancia silenciosa o su magnetismo en pantalla, sino por lo que ha significado —y sigue significando— para una comunidad que rara vez se ve reflejada con dignidad en la pantalla grande.

Hoy, Blanchett dice que está lista para dejar la actuación. Y aunque aún hay proyectos por estrenar, la idea de su despedida resuena con la tristeza de una sala vacía después de los créditos finales.

“Estoy renunciando”, dijo en una entrevista. No como quien bromea, sino como quien lleva tiempo pensando en otras formas de vivir.

Blanchett no es solo Carol, Lydia Tár, Sheba Hart o Jude. Es todas ellas y más. Y en cada una de esas mujeres —complejas, contradictorias, humanas— muchas personas queer encontraron algo raro en el cine: representación sin estereotipos, deseo sin culpa, y belleza sin concesiones.

En una industria donde los personajes LGBTQ+ solían ser chistes, tragedias o moralejas, Cate los encarnó con respeto y profundidad. No necesitó proclamar ser parte de la comunidad para habitar nuestras historias con empatía, ni para defender su lugar en ellas.

Decir que una actriz como Blanchett se aburre de sí misma suena absurdo. Pero también es honesto. El cine exige desnudarse emocionalmente una y otra vez, y ella lo ha hecho durante décadas. Tal vez lo que quiere ahora no sea retirarse del arte, sino retirarse del ruido. Del personaje. De la presión de tener siempre algo nuevo que decir.

Y si lo hace, se va con todo el derecho del mundo. Porque nos dio más de lo que pedimos, y lo hizo con una elegancia que nunca buscó aplausos.

Puede que Cate Blanchett no se defina como un ícono queer. Pero para quienes la vimos amar con los ojos en una tienda de guantes (Carol), dirigir una orquesta con rabia contenida (Tár), o desafiar normas desde su mera presencia, es y será una de las nuestras.

Si este es su adiós, lo aceptamos. Pero no sin antes decir: gracias. Por mostrarnos que el cine puede ser espejo, refugio y revolución, todo al mismo tiempo.

Ian McKellen cumple el sueño de un joven cineasta de 14 años al protagonizar su película LGBTQ+

Sir Ian McKellen, uno de los actores más icónicos del cine británico, ha sorprendido al mundo al aceptar participar en Dragged Through Time, el primer largometraje del joven cineasta de 14 años, Jacob Franklin. La película, que aborda mil años de historia LGBTQ+ y su impacto en el presente, se estrenará en el marco del primer Windsor and Eton Pride este julio.

McKellen interpreta a Great Uncle Peter, un personaje inspirado en figuras LGBTQ+ de las décadas de los 70 y 80. Descrito como “el tipo de hombre sobre el que todos murmuran que es gay, pero nada confirmado”, el papel refleja el estigma y la ambigüedad que caracterizó a muchas vidas queer del pasado.

La colaboración surgió luego de que Franklin contactara al actor a través de Scott Handy, director de drama del Eton College. Para sorpresa del joven, McKellen respondió personalmente expresando su entusiasmo: “Nos dijo que estaba realmente inspirado por el proyecto y que le encantaría participar. Yo no lo podía creer”, compartió Franklin a PinkNews.

A pesar de la magnitud del actor, Franklin relató que la experiencia fue completamente accesible y colaborativa: “No se sentía como si estuviera trabajando con una estrella de cine. Fue como trabajar con cualquier otro actor del equipo.”

El proyecto, producido por Notice Productions, un colectivo juvenil de Windsor, ha sido desarrollado casi por completo por jóvenes talentos. “Estamos haciendo nuestra propia música, nuestros propios vestuarios. Mi mejor amigo compone, y Nic, que forma parte del comité del Pride, es nuestro diseñador de vestuario”, explicó Franklin.

En un emotivo video publicado en Facebook, McKellen habló sobre lo personal que ha sido este proyecto para él: “A los 14 años yo sabía que era gay, pero nunca se lo conté a mis padres. No tuve el valor ni el entorno adecuado para hacerlo. Ver a Jacob y todo esto me hace pensar que, quizás, si el mundo hubiera sido diferente, yo también podría haberlo hecho.”

Con dos nominaciones al Oscar y una carrera que abarca desde Gandalf en The Lord of the Rings hasta Magneto en X-Men, la participación de McKellen otorga al proyecto una relevancia única en el panorama cultural actual.

Dragged Through Time se estrenará el próximo 26 de julio en Alexandra Gardens, como parte de la programación del Windsor and Eton Pride. Una película hecha con pasión, historia y valentía que promete conmover y educar a públicos de todas las edades.

El esperado drama queer protagonizado por Paul Mescal y Josh O’Connor debutará en Cannes 2025

Finalmente, The History of Sound ha asegurado su estreno mundial, y será nada más y nada menos que en el prestigioso Festival de Cine de Cannes 2025.

Dirigida por Oliver Hermanus, la película está basada en la aclamada colección de cuentos del autor Ben Shattuck, ganadora del premio Pushcart. La obra abarca tres siglos de historia y explora los patrones generacionales de amor y pérdida a través de 12 relatos íntimos.

El cuento que da nombre a la película se sitúa durante la Primera Guerra Mundial y sigue a Lionel (Paul Mescal) y David (Josh O’Connor), dos jóvenes que se embarcan en un viaje por Estados Unidos con la misión de grabar las voces, historias y música de sus compatriotas. A medida que documentan estas memorias, también descubren el amor entre ellos, en medio del ruido de la guerra.

El pasado 10 de abril, Thierry Frémaux (delegado general de Cannes) e Iris Knobloch (presidenta del festival) confirmaron que The History of Sound tendrá su estreno mundial en la edición de este año, según informó The Guardian.

Además, se ha revelado que la plataforma de streaming y distribuidora MUBI se ha asegurado los derechos para América del Norte. A nivel internacional, el lanzamiento estará a cargo de Focus Features y Universal Pictures International.

Con una historia cargada de emoción, sensibilidad y un elenco de lujo, The History of Sound promete ser uno de los títulos más comentados del año.

El ganador de The Traitors, Dylan Efron, demuestra que el cuidado de la piel nunca se vio tan bien

Dylan Efron, el reciente ganador de The Traitors, ha encendido las redes sociales con su nueva colaboración para Sephora, donde aparece vistiendo únicamente una toalla mientras habla —aunque, siendo sinceros, es difícil concentrarse en lo que dice.

El hombre de 33 años, que conquistó a América (y al jurado) con su debut en el reality show, ahora está usando su fama para algo importante: mostrar sus abdominales.

“Voy a ser honesto, nunca me ha interesado mucho el cuidado de la piel”, confiesa Efron en el video. “De hecho, he sido bastante duro con mi cara durante años. Pero últimamente decidí cambiar eso.”

Aunque sus palabras son sabias, los espectadores no pueden evitar distraerse con su físico. En el video, Efron irradia seguridad mientras comparte su nueva rutina de cuidado facial, revelando además que no es una persona madrugadora. Un dato curioso… y adorable.

 

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Dylan, hermano del ícono de High School Musical, Zac Efron, capturó especialmente la atención de la comunidad LGBTQ+ durante su paso por The Traitors, tanto por su carisma como por ciertas fotos “picantes” en redes sociales, en las que muestra una pose con bastante arco.

“Esa foto estaba escondida al final de un carrusel y resurgió con todo,” contó Efron a PRIDE durante los Premios GLAAD 2025. “¡Por eso estoy aquí! Amo lo inclusiva que es esta comunidad. Es lo mejor del mundo sentirse aceptado así.”

Lemme start rooting for Dylan Efron, hold up. pic.twitter.com/EVCrlUJ9VK

— Michael. (@yosoymichael) January 16, 2025

Y parece que Dylan no piensa desaparecer del radar: “Estoy abierto a hacer otro reality o incluso tener mi propio programa de viajes,” reveló. “Quiero comprometerme con algo grande. ¡Ir con todo!”

Isabela Merced y Bella Ramsey protagonizan el esperado momento en el primer episodio de la temporada 2

La esperada segunda temporada de The Last of Us no comenzó con una explosión, sino con un beso que ha hecho vibrar a los fans.

Desde que se anunció que Isabela Merced (Alien: Romulus) se uniría al elenco como Dina, la novia de Ellie (Bella Ramsey), los seguidores más apasionados de la saga esperaban ver desarrollarse esta historia de amor en la pantalla. Y HBO no los hizo esperar: en el episodio de estreno ya pudimos ver la química entre las dos jóvenes.

Ellie y Joel están asentados en Jackson, Wyoming, junto a otros sobrevivientes, entre ellos Dina, una chica de la misma edad que Ellie, con quien forma un fuerte vínculo. En una patrulla juntas, Dina invita a Ellie a la fiesta de Año Nuevo del asentamiento como “mejores amigas”, pero el baile deja claro que sus intenciones van más allá de la amistad.

Los fanáticos más acérrimos de The Last of Us notaron que algunas escenas se inspiran directamente en los videojuegos. Craig Mazin, creador de la serie, dijo a Variety: “Hay una toma en particular dentro de la iglesia, donde vemos a Ellie desde atrás con luces hermosas y gente bailando. Es muy similar a lo que hay en el juego”.

“Recuerdo haber entrado al set y pensar: ‘Wow’. Realmente sentí que estaba dentro del juego, a pesar de que no lo he jugado”, añadió Bella Ramsey.

i didn’t think i could love dina and ellie any more than i already do but bella and isabela knocked this episode out of the park. gonna be a sap for a second but it really means a lot to see gay girls so unapologetically front and center in a genre show, especially right now :’) https://t.co/Z23q2fTggc

— zoë rose bryant (@zoerosebryant) April 14, 2025

Durante el baile, Ellie comenta que todos los chicos están mirando a Dina, pero ella le responde que quizás están mirando a Ellie… porque están celosos. Ellie le dice: “No tienen por qué. No soy una amenaza”, a lo que Dina responde: “Oh, Ellie, creo que deberían tenerte miedo”, antes de besarla.

Ramsey explicó que Ellie pensaba que Dina era heterosexual y que estaba en una relación con Jesse. “Tiene miedo de lo que siente por Dina y de arruinar una amistad que le importa mucho”, dijo. “Incluso cuando Dina empieza a acercarse y la besa, Ellie aún se pregunta: ‘¿Esto está pasando de verdad?’”

Pero ni en el apocalipsis desaparece la homofobia. Un hombre llamado Seth las interrumpe diciendo que es un evento familiar y les lanza un comentario despectivo. Joel interviene, defiende a Ellie y derriba al agresor, lo que incomoda a Ellie, que le dice a Joel que no necesita que la proteja.

Craig Mazin explicó que decidieron mantener esta escena porque refleja la realidad. “Si hay un momento que molesta, también es un recordatorio de cómo eran las cosas”, dijo a Wired. “No queríamos barrer eso bajo la alfombra.”

Como era de esperarse, internet estalló con reacciones al beso, un momento que los fans han estado esperando desde la primera temporada. La relación entre Ellie y Dina es central en The Last of Us Part II, por lo que muchos esperan que esta temporada esté llena de momentos entre la pareja.

Aunque también, al igual que Seth en la serie, algunas personas han mostrado su homofobia ante la escena, lo que confirma que aún queda mucho por avanzar.

ellie putting her arm around dina to protect her, bro calm down you’ve been together for less than 30 seconds (it is unbelievably sexy) pic.twitter.com/2AgJs3SX24

— 💌 (@strangesapphics) April 14, 2025

Los nuevos episodios de la segunda temporada de The Last of Us se estrenan cada domingo por HBO y Max.

La séptima temporada de Black Mirror trae consigo una grata sorpresa para los fans del episodio más querido de la serie: San Junipero. Según confirmó el creador Charlie Brooker a Entertainment Weekly, el nuevo episodio protagonizado por Issa Rae, Hotel Reverie, es una “secuela espiritual” del aclamado capítulo estrenado en 2016.

Rae interpreta a Brandy Friday, una estrella de Hollywood cansada de los rumores sobre su vida personal y de los papeles mediocres que le ofrecen. Su escape llega de la mano de Redream, una empresa liderada por Kimmy (interpretada por Awkwafina), que reimagina películas clásicas mediante una tecnología capaz de insertar la conciencia de un actor en la narrativa fílmica. La película elegida: Hotel Reverie, un drama romántico ficticio al estilo Casablanca, donde Brandy exige interpretar a la pareja femenina de la protagonista Clara (Emma Corrin), no a Clara misma.

Lo que comienza como un experimento actoral se convierte en una historia de amor intensa y transformadora. Brandy se enamora de Dorothy, la actriz dentro del personaje de Clara, y su presencia comienza a alterar el guión original. Cuando confunde la identidad del personaje y llama “Dorothy” a Clara, el sistema colapsa, dejándola atrapada en el mundo de la película, donde el tiempo avanza mucho más rápido que en el mundo real.

Mientras el equipo de Redream decide si es seguro sacarla, Brandy y Dorothy se acercan más, compartiendo momentos íntimos que escapan al control del rodaje. Esta relación lleva a Dorothy a enfrentar su propia represión sexual y un pasado marcado por la pérdida. La historia culmina con un giro dramático en el final de la película que altera el destino de los personajes, dando paso a una resolución inesperadamente trágica.

Ya fuera del sistema y con la película estrenada exitosamente, Brandy no logra superar la pérdida emocional. Sin embargo, un regalo de Kimmy le permite reconectarse con Dorothy a través de una antigua prueba de cámara, estableciendo un canal de comunicación inesperado entre mundos.

La conexión con San Junipero es explícita y emocional.

Ambas historias tratan sobre el amor queer, la nostalgia, el deseo de una segunda oportunidad y la escapatoria a través de mundos digitales. Aunque la tecnología no es exactamente la misma, hay guiños evidentes: desde el dispositivo de transferencia de conciencia (el “Nubbin”) hasta una dirección clave en la historia —Junipero Drive—, que recuerda directamente al título del episodio original.

“Es una pieza complementaria”, explicó Brooker.

“Claramente hay temas que se cruzan. Hay ADN compartido.” Aunque Hotel Reverie no busca reemplazar a San Junipero, sí amplía su legado con una historia moderna, emotiva y profundamente humana.

Matt Bomer recuerda cómo fue sacado del clóset por Perez Hilton en los inicios de su carrera

El actor habló abiertamente sobre el tema en el pódcast de Jesse Tyler Ferguson, Dinner’s On Me.

En el último episodio del pódcast Dinner’s On Me, conducido por Jesse Tyler Ferguson, el actor Matt Bomer —conocido por su papel en The Boys in the Band— reflexionó sobre los inicios de su carrera y cómo fue expuesto públicamente por el bloguero Perez Hilton en los años 2000.

Aunque Bomer salió del clóset oficialmente en 2012 durante los premios Steve Chase Humanitarian Awards, donde fue homenajeado por su activismo en la lucha contra el VIH, explicó que su vida privada fue objeto de especulación pública mucho antes de que él pudiera compartir su verdad en sus propios términos.

“Era una época en la que otros podían tomar control de tu narrativa personal antes de que tú siquiera tuvieras la oportunidad de hacerlo,” recordó. “Recuerdo medios como el blog de Perez Hilton hablando sobre mi vida personal cuando yo aún no había tenido la oportunidad de hacerlo por mí mismo. Y no era porque no quisiera —es que ni siquiera había tenido la oportunidad.”

Bomer aclaró que no vivía necesariamente “en el clóset”, pero definió esa etapa como “una época extraña”. “Ningún medio venía a preguntarme nada directamente. Simplemente no tenía una carrera lo suficientemente relevante para que eso sucediera,” comentó.

“Y sentí que fue injusto que eso me lo arrebataran personas que sí tenían un micrófono en ese momento.”

Durante su discurso de aceptación en 2012, Bomer agradeció a su esposo Simon Halls y a sus tres hijos, Kit, Walker y Henry, diciendo: “Gracias por enseñarme lo que es el amor incondicional. Siempre serán mi mayor orgullo.”

En el pódcast, explicó que su decisión de hacer pública su orientación también fue motivada por su deseo de proteger y honrar a su familia. “No quería que Simon ni mis hijos sintieran que eran un secreto vergonzoso o algo que yo escondía debajo de la alfombra solo para tener una gran carrera,” afirmó.

 

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Emma Corrin protagoniza una historia de amor queer junto a Issa Rae en la nueva temporada de Black Mirror

La séptima temporada de Black Mirror, la aclamada serie distópica de Netflix, ha regresado con una propuesta inesperadamente conmovedora. En uno de sus nuevos episodios, titulado Hotel Reverie, se nos presenta una historia de amor entre los personajes interpretados por Emma Corrin (The Crown) e Issa Rae (Insecure), desafiando las expectativas de terror tecnológico con una narrativa queer cargada de ternura.

Dirigido por Haolu Wang, Hotel Reverie plantea un escenario donde una inteligencia artificial permite insertar actores actuales en películas clásicas. La actriz Brandy Friday (Rae) es transportada digitalmente a un remake simulado del filme Hotel Reverie, donde se enamora de una figura generada por IA: la heredera Clara Ryce-Lechere, encarnada por Corrin. A pesar del trasfondo tecnológico, la química entre ambas actrices ha sido descrita como tan emotiva que “desdibuja la sensación de inquietud” característica de la serie, según Elle UK.

“Es brillante”, comentó Corrin sobre trabajar junto a Rae. “Su sentido del humor es increíble. En el fondo, es una historia de amor, y creo que eso va a sorprender a la audiencia. No es una gran advertencia de horror como otras veces”.

La crítica ya ha comenzado a comparar Hotel Reverie con San Junipero, el emblemático episodio de la tercera temporada, que también presentó una historia de amor entre mujeres en un entorno digital y ganó dos premios Emmy. Ambos episodios destacan por representar historias LGBTQ+ en un contexto de ciencia ficción que pone en primer plano las emociones humanas.

Más allá del rodaje, Corrin también habló con franqueza sobre sus preocupaciones respecto al avance de la inteligencia artificial. “No soy fan. Me parece terrible. Me asusta”, confesó. “Perder la creatividad orgánica, no tener que estar en una sala con otras personas creando desde cero… eso me parece devastador”.

La conversación no se detuvo ahí. Corrin, quien se identifica como persona no binaria, expresó su temor ante las políticas anti-trans impulsadas por figuras como Donald Trump.

“Es verdaderamente aterrador pensar en generaciones de niños que crecerán con miedo permanente y sin poder expresarse. Eso es realmente triste”, dijo, refiriéndose a la reciente orden ejecutiva que restringe el reconocimiento de identidades de género diversas en EE.UU.

A pesar del odio que han recibido tras compartir públicamente su identidad, Corrin dice sentirse más firme y en paz consigo misme que nunca antes. Actualmente interpreta a Nina en The Seagull, obra de teatro que protagoniza junto a Cate Blanchett en Londres. “Ella se aferra a la esperanza”, explica. “Y creo que eso es justo lo que necesitamos hacer ahora: seguir avanzando, paso a paso”.

Con Hotel Reverie, Black Mirror no solo continúa explorando los límites de la tecnología, sino también los del amor, la identidad y la resistencia en un mundo que cambia a pasos agigantados.

¿Quién era Sara Millerey? La mujer trans víctima de un brutal transfeminicidio en Colombi

El nombre de Sara Millerey González Borja resuena hoy en toda Colombia como símbolo de lucha, dignidad y también de dolor. Su asesinato, ocurrido el pasado 5 de abril en el municipio de Bello, Antioquia, ha sacudido a la opinión pública no solo por la crueldad del crimen, sino por la historia que hay detrás de esta mujer trans de 32 años, cuya vida fue una constante batalla por existir y ser respetada.

¿Quién era Sara Millerey?

Sara nació con el nombre de Alejandro González, en Medellín, Colombia. Desde temprana edad supo que su identidad no coincidía con el cuerpo que habitaba. “Estaba atrapada en un cuerpo que no le pertenecía”, relató una amiga cercana, quien fue testigo de su lucha desde la adolescencia.

Su proceso de afirmación de género fue duro, atravesado por la discriminación, el rechazo social e incluso la violencia familiar. Dejó la escuela a una edad temprana, cayó en el consumo de sustancias y vivió durante años en situación de calle. Aun así, nunca se rindió.

Con apoyo de su madre, Sara intentó rehabilitarse. Hubo momentos de luz: consiguió pareja, comenzó a vender dulces en el comercio informal y soñaba con un futuro más estable. Durante un tiempo, logró tener un techo en el barrio El Cóngolo, gracias al esfuerzo conjunto con su madre. Pero la vulnerabilidad en la que vivía nunca desapareció del todo.

La transfobia mata. El silencio, también.

Desde el Ministerio de Igualdad y Equidad rechazamos con total contundencia el asesinato de Sara Millerey, mujer trans de 32 años, ocurrido el 6 de abril en Bello, Antioquia. Su muerte violenta y deshumanizante enluta al país y evidencia… pic.twitter.com/hUQszyEWu6

— Ministerio de Igualdad y Equidad de Colombia 🇨🇴 (@MinIgualdad_Col) April 7, 2025

El crimen que sacudió al país

El 4 de abril, cerca de las 3 de la tarde, su madre recibió una llamada desgarradora: Sara había sido arrojada a la quebrada La García tras recibir una golpiza que le fracturó brazos y piernas. Un video viral captó sus últimos momentos con vida: herida de gravedad, luchaba por no ser arrastrada por la corriente, aferrándose a unas ramas en medio del dolor.

Rescatada por los bomberos, fue trasladada al Hospital La María en Medellín, donde falleció al día siguiente a causa de las heridas y las infecciones generadas por el agua contaminada. Su muerte fue calificada como transfeminicidio, un término que busca visibilizar la violencia sistemática hacia mujeres trans.

¿Por qué su caso ha conmovido tanto?

La historia de Sara es la historia de muchas personas trans en Colombia y América Latina: violencia estructural, abandono estatal, discriminación constante y una lucha diaria por sobrevivir. Su asesinato no fue un hecho aislado. Solo en los primeros tres meses de 2025, se han reportado 13 transfeminicidios en el país, según la Defensoría del Pueblo.

El caso generó una ola de indignación. Colectivos LGBTIQ+ exigieron justicia inmediata, y la alcaldesa de Bello, Lorena González Ospina, anunció una recompensa de hasta 50 millones de pesos por información que permita identificar a los responsables. Además, en Medellín, Bogotá y otras ciudades, se organizaron velatones y manifestaciones para honrar su memoria y exigir que su muerte no quede impune.

Justicia para Sara

Sara Millerey no solo fue una víctima. Fue una mujer valiente que, pese a todo, intentó construir una vida digna. La exigencia de justicia por su caso es también un clamor colectivo para que nunca más una persona trans sea asesinada solo por ser quien es.

En sus propias palabras, compartidas alguna vez con su círculo cercano, Sara decía que solo quería vivir tranquila, con respeto. Que ese deseo no se apague con su muerte.

Ponyboi es más que una película: es un acto de rebeldía intersex

El cine LGBTQ+ da un nuevo paso importante con Ponyboi, una película escrita y protagonizada por River Gallo, artista intersex y activista, quien está decidide a poner sobre la mesa las historias que rara vez se cuentan en la gran pantalla.

Out Magazine lanzó en exclusiva el esperado tráiler de Ponyboi, dirigida por Esteban Arango, una cinta que sigue la historia de un joven intersex trabajador sexual en Nueva Jersey —interpretade por Gallo— que debe huir de la mafia tras un negocio fallido, mientras intenta encontrar su lugar en el mundo.

La historia transcurre durante el Día de San Valentín y mezcla drama, acción y una poderosa narrativa identitaria. En palabras de Gallo, la película es un viaje de redención, autodescubrimiento y esperanza:

“Es trágica, sí, pero sobre todo habla de superar cosas enormes. Es un viaje del héroe”.

El elenco incluye a nombres como Dylan O’Brien, Victoria Pedretti, Murray Bartlett e Indya Moore. En el tráiler, O’Brien encarna al proxeneta que presiona a Ponyboi a feminizarse:

“Creo que serías una mujer hermosa… además, eso vende”, le dice.

También aparece Bartlett como un vaquero misterioso que le ofrece a Ponyboi algo que nunca ha sentido: aceptación.

Gallo, quien recibió elogios tras el estreno de la película en el Festival de Sundance 2024, habló con franqueza sobre la importancia política y emocional de esta obra, especialmente en tiempos donde los derechos de las personas trans e intersex están bajo ataque:

“Este es el momento perfecto para una película intersex. Mientras la derecha promueve ideas falsas sobre el género y el sexo, Ponyboi muestra que existen más de dos cuerpos posibles. Las personas intersex existimos. Somos reales.”

Además, destacó que estas leyes anti-trans también afectan directamente a la población intersex, sobre todo en lo referente a cirugías médicamente innecesarias en menores.

“Los derechos intersex y los derechos trans son los mismos derechos: el derecho a la autonomía sobre nuestros cuerpos. Esa es la lucha que compartimos.”

Con una historia profundamente personal y políticamente urgente, Ponyboi llega para abrir conversaciones incómodas, pero necesarias, sobre identidad, trauma, resistencia y libertad.

“Espero que hasta Fox News hable de Ponyboi. Eso sería señal de que hicimos ruido donde hay que hacerlo.”

🎬 Ponyboi se estrena próximamente en salas seleccionadas. Puedes ver el tráiler exclusivo y consultar fechas en el sitio web oficial de la película.

 ‘Slow’ y el amor que no se mide en deseo: una mirada a las relaciones más allá del sexo

En tiempos donde el amor sigue estando fuertemente ligado al deseo sexual, Slow, la aclamada película de la directora lituana Marija Kavtaradzė, llega para proponer una pausa, un nuevo ritmo. La cinta —una coproducción entre Lituania, España y Suecia— es un drama íntimo y delicado que pone en el centro una experiencia poco representada en el cine: la asexualidad.

La historia comienza con un flechazo aparentemente clásico. Elena, una bailarina que enseña danza contemporánea, conoce a Dovydas, un intérprete de lengua de señas. La química entre ambos es palpable desde el primer encuentro, y la narrativa parece caminar hacia una típica historia de amor. Pero Slow no se rige por fórmulas.

Cuando Dovydas le revela a Elena que es asexual, la trama da un giro sutil pero profundo. No hay dramatismo excesivo, sino un desafío emocional: ¿cómo construyen dos personas una relación donde el amor y la atracción existen, pero el deseo físico se manifiesta de formas distintas?

Lejos de moralismos o estereotipos, Kavtaradzė dirige con una sensibilidad que permite habitar el silencio, los gestos, las coreografías corporales que dicen más que mil palabras. La intimidad se reconfigura en cada escena, explorando cómo la conexión puede resistir (o no) cuando los lenguajes del afecto no coinciden del todo.

La película, que fue premiada en Sundance, destaca por su exploración honesta del amor romántico más allá de lo sexual. Sin hacer de la asexualidad un “problema que resolver”, muestra con cuidado la experiencia de un vínculo que desafía normas, expectativas y guiones ya escritos.

Con una actuación conmovedora de Greta Grinevičiūtė y Kęstutis Cicėnas, Slow es una invitación a pensar en relaciones donde no todo gira en torno al cuerpo, pero donde el cuerpo sigue siendo central. No por su deseo, sino por su presencia, su lenguaje, su movimiento compartido.

Ve aquí el tráiler. Disponible para ver en MUBI y otros streamings en línea.