Cine
Emma Watson… y el misterio de la igualdad
¡OCULUS REPARO!
¿Hay persona que no sepa de la existencia de Emma Watson? El mundo la conoció por primera vez en 2001 con tan sólo 11 años, encarnando a la pequeña Hermione Granger, en la adaptación de ‘Harry Potter y la Piedra Filosofal’, para la pantalla grande.
Hombres y mujeres hemos sido hechizados más de una vez por esta joven, convirtiéndose en un amor platónico o una fuente de admiración e inspiración.
El caso es que la señorita Watson, no deja a nadie indiferente.
Quizá parezca que ya hace un par de años dejó atrás la imagen de la joven bruja que le dio fama internacional, pero parece tener más en común con la estudiante de Gryffindor de lo que pensábamos: La rigen los mismos valores y coraje que Hermione, ¿Alguien recuerda la P.E.D.D.O. (SPEW) que Granger fundó para otorgarle los mismos derechos a los elfos domésticos?
Consciente de su arrolladora popularidad, su capacidad para mover masas e influir en su seguidores, Watson optó por el camino menos transitado para una estrella ya establecida (y en constante crecimiento), que a sus veintes, pareciera tenerlo todo. La británica se encuentra sumamente comprometida en campañas y todo tipo de manifestaciones que alientan a hacer de esta sociedad una más inclusiva.
Blanco de elogios por su postura feminista, así como también de fuertes críticas de quienes no entienden el concepto como tal, se sienten amenazados o amenazadas por la seguridad con la que ella alza la voz y se atreve a decir lo que sus contemporáneas callan o sencillamente no les importa. Unos la aman y otros la odian.
Estos últimos años se ha convertido en una figura a quien seguir el paso muy de cerca; la chica levanta polémica, gracias a la certeza en sus palabras por un mundo igualitario. Emma tiene fija su postura y el poder de cambio que puede lograr como si se tratase de un hechizo aprendido en Hogwarts.
“Feminismo, por definición es creer que tanto hombres como mujeres deben tener iguales derechos y oportunidades”.
Sabemos que el feminismo no es una corriente de mujeres contra hombres, “Su finalidad es alcanzar la igualdad en derechos, obligaciones. Políticamente, culturalmente, socialmente, económicamente, así de simple“. Afirma sin siquiera titubear. Al contrario del machismo que es una ideología, la cual sostiene que el hombre es por naturaleza superior a la mujer.
Los hombres podemos ser feministas y gozar de los beneficios de la iniciativa a la par que ellas. Las mujeres, lamentablemente pueden ser machistas y tanto hostigar a otras mujeres como a los propios hombres e incluso ellas (Quienes hostigan) ser víctimas de su propia mentalidad.
“Los hombres tampoco gozan de los beneficios de la igualdad. No se habla de que el hombre está aprisionado gracias a los estereotipos de género. Si se liberan, las cosas cambiaran como consecuencia natural para las mujeres. Si los hombres no tuvieran que ser agresivos para ser aceptados, las mujeres no sentirían la necesidad de ser sumisas. Si los hombres no controlaran, las mujeres no sentirían que tienen que ser controladas”
‘HE FOR SHE’, EL INICIO DE SU LUCHA POR LA IGUALDAD.
En 2014, Emma se convirtió en embajadora de buena voluntad de la ONU, específicamente en UN WOMEN, cuando la campaña ‘He For She’ se celebró el 20 de septiembre en la sede de las Naciones Unidas en New York. Está orientada a borrar los prejuicios sociales y difuminar las dudas en cuanto al desconocimiento sobre el feminismo.
Muchas personas se sienten incómodas con dicho término y con todo lo que ello conlleva, incluso se ha llegado a creer que es un movimiento en contra de los varones. Nada más alejado de la realidad. Por ello Emma ha intentado arrancar de raíz esos fantasmas que colapsan la iniciativa o que incluso la satanizan.
“La mayoría del tiempo se habla de desigualdad que sufren las mujeres pero pocas veces se habla de la desigualdad en los hombres”.
Con ésta premisa la chica busca simpatizar y hacer partícipe de ambos géneros a unirse.
“He visto a hombres jóvenes aguantando el dolor de una enfermedad mental, por miedo a pedir ayuda, porque eso los hará ver menos masculinos. He visto hombres frágiles e inseguros por culpa de un sentido distorsionado de lo que constituye ser un hombre de éxito”.
El machismo sigue latente y cobrando víctimas silenciosas; por una parte, los hombres muchas veces se ven frustrados por no alcanzar lo que como sociedad se espera de ellos: un puesto importante, ser el líder y mantener una familia. Cuando no se llega a llenar estos estándares apegados al varón, se cree que pierden su virilidad, su respeto y suena ridículo pero incluso que son ‘menos’ hombres.
Por el lado de las féminas, no es bien visto que ellas ganen más que sus esposos, no se les permite ser exitosas, incluso hay cierto temor y los hombres las llegan a ver como amenazantes a su hombría. En situaciones extremas cuando un noviazgo o matrimonio ‘sufre’ de esto, se puede llegar a convertir en un escenario violento tanto física como psicológicamente.
“Tanto los hombres como las mujeres deberían sentirse libres de ser sensibles. Tanto los hombres como las mujeres deberían sentirse libres de ser fuertes” (Emma Watson).
La actriz ha sido clara, ella cree que para alcanzar la igualdad no es necesario un rompimiento o una división entre hombres y mujeres, sino una unión aceptando nuestras propias diferencias, abrazando nuestros miedos y realzando nuestros valores. La visibilidad e información son las armas más poderosas que podemos tener y la intérprete inglesa lo sabe perfectamente. La invitación a otros sectores de la sociedad es clave y determinante para “normalizar” las situaciones que en dado momento y de manera equivocada se cree que afectan el equilibrio social como lo conocemos.
En el caso del colectivo LGBTTTIQ sucede algo parecido. Se debe entender que toda lucha es ‘La lucha’, así como por lo que se pelea debe ser la de otros y otras, muy por encima de una orientación sexual, (sea homo, hetero, bi o trans) al final todos somos humanos.
Las mujeres lesbianas, bisexuales y transgenero son precisamente eso: ¡Mujeres!
¿Por qué no apoyar acciones que fomenten igualdad para otras, sin importar si son heterosexuales?
Mujeres heterosexuales que quieren un pago justo, mismos derechos, ¿Por qué no respaldar las acciones del colectivo LGBTTTIQ? Ahí existen mujeres también como ustedes.
Hombres gay, bisexuales y trasngénero, al respaldar los derechos de las mujeres automáticamente respaldas al 50% de los miembros de tu comunidad.
Hombres heterosexuales, tengan la confianza y libertad de expresarse sin miedos, sin prejuicios, sin señalamientos. No hay nada de malo en ello y no resta nada en ti, al contrario te hace más completo. Todos nos encontramos entrelazados y ningún movimiento ni sentimiento es ajeno. Entre más unidad exista, habrá un mayor alcance y beneficios para todos.
“Mis padres no me quisieron menos por haber nacido mujer. En mi escuela no me limitaron por serlo. Estas son las influencias que me han hecho la persona que soy hoy. Tal vez pueden no saberlo, pero son ellos quienes están cambiando al mundo. Los verdaderos embajadores de la igualdad”.
“Al darnos cuenta que todos podemos ser parte del problema, todos podemos hacer la diferencia”
La misión es que cada vez haya más inclusión, pero no podemos hacerlo si solo la mitad de las personas están invitadas a la “fiesta”.
La principal finalidad es esa, que formemos parte de otros grupos e invitemos a más personas a ser aliados y nosotros los de ellos.
La gente no se define por su género, su orientación sexual, etnia, idioma o color de piel.
¿Por qué ese afán de separarnos y creer que los problemas de otros no nos afectan?
Suena contradictorio, pero, entre menos marcadas estén nuestras diferencias, las mismas van a materializarse para bien y podrán brillar con más luz y de una forma más genuina. Cuando dejemos de vernos unos contra otros como enemigos declarados, sólo entonces, podremos formar un equipo más grande y poderoso.
“Si crees en la igualdad, para hacer el cambio necesitamos estar unidos. Te invito a dar un paso al frente y te preguntes: Si no soy yo ¿Quién? Si no es hoy, ¿Cuándo?”
Jack Veal, actor de “Loki”, comparte actualización emocional sobre su situación de homelessness
Jack Veal, el actor británico de 17 años que interpretó a Kid Loki en la serie de Marvel Loki, ha compartido una conmovedora actualización sobre su situación de estar sin hogar (homeless), después de haber revelado en un video en TikTok que se encontraba sin hogar. En su mensaje original, Veal detalló las dificultades por las que estaba pasando, mencionando sus problemas de salud mental y solicitando ayuda a través de las redes sociales.
En el video, el joven actor pidió a sus seguidores que compartieran su mensaje para visibilizar cómo el gobierno estaba tratando a los jóvenes en situaciones vulnerables como la suya. Al principio, las autoridades de servicios sociales lo contactaron para organizar una reunión sobre una posible colocación en un hogar de acogida o alojamiento temporal. Sin embargo, cuando volvió a actualizar a sus seguidores el 4 de diciembre, Veal lamentó que aún seguía sin hogar.
“Me han dicho que tengo que estar en la calle hasta que encuentren un lugar en una familia de acogida, lo que podría tardar semanas”, explicó. “Así que tendré que ser ‘sin hogar’ por un tiempo más.”
Pero la situación dio un giro cuando, días después, Veal compartió en otro video que finalmente había conseguido un lugar donde quedarse.
“Finalmente he conseguido una colocación, y es increíble”, expresó, visiblemente emocionado, mientras agradecía a sus seguidores por su apoyo. “Ha sido una experiencia increíble, pero gracias a todos por ayudarme a encontrar una solución de emergencia.”
@jackvealfitnessIts beeen a rollercoaster. Thankyou all. Ill update you more tomorrow.♬ original sound – jackvealfitness
El joven actor se benefició de la Sección 20 de la Ley de Niños de 1989, que permite a las autoridades locales proporcionar alojamiento a jóvenes entre 16 y 21 años que lo necesiten, lo que ha sido crucial para su situación.
Veal, quien también ha aparecido en The End of the F**ing World* y Tin Star, ha recibido apoyo de diversas organizaciones que ayudan a las personas sin hogar, como StreetLink y Shelter England, aunque el proceso para obtener una solución permanente puede ser largo.
Su historia ha generado un gran apoyo en redes sociales, destacando la importancia de cuidar a los jóvenes en situaciones de vulnerabilidad y la necesidad de una acción más efectiva por parte de las autoridades.
En México existen diversas asociaciones que te pueden ayudar si te encuentras sin hogar. Una de ellas es Refugio Casa Frida en CDMX. Si pasas por una situación similar, escríbenos por mensaje directo en instagram y podríamos averiguar qué lugares hay así en tu ciudad.
“Girls Like Girls”, la película de Hayley Kiyoko, llega a Focus Features
Focus Features ha adquirido los derechos mundiales de Girls Like Girls, una película que marcará el debut como directora y guionista de la cantante pop, actriz y novelista Hayley Kiyoko.
Basada en su exitosa canción y su viral videoclip del mismo nombre, Girls Like Girls explora la historia universal de enamorarse por primera vez y aprender a aceptarse a uno mismo en el proceso.
El sencillo Girls Like Girls fue lanzado en febrero de 2015, seguido por su videoclip en junio del mismo año, el cual mostró a Kiyoko como directora. El video se volvió viral rápidamente gracias a su representación sensible de la amistad entre dos jóvenes mujeres que se transforma en sentimientos románticos. Hasta la fecha, la canción ha superado los 140 millones de descargas en Spotify y los 157 millones de visualizaciones en YouTube. Además, Kiyoko publicó una novela juvenil en 2023, inspirada por los personajes de su videoclip, que debutó en el puesto número 1 de la lista de bestsellers de libros juveniles del New York Times, manteniéndose entre los primeros 10 durante siete semanas consecutivas.
El proyecto cuenta con los productores Marc Platt, Katie McNicol, Adam Siegel y Dee Best de Marc Platt Productions, junto con Michael Philip, Jason Moring y Richard Alan Reid de BuzzFeed Studios. Kiyoko coescribe el guion junto a Stefanie Scott, quien también participó en el videoclip original. El proyecto será supervisado para Focus por Michelle Momplaisir.
Kiyoko, que ha lanzado dos álbumes de estudio y cuatro EPs, ha acumulado más de 1.1 mil millones de streams, 2.3 millones de suscriptores en YouTube y 820 millones de visualizaciones en su canal. Reconocida por su impacto en la música, la artista ha sido premiada como la “Push Artist of the Year” en los MTV VMA y ha realizado giras por todo el mundo. También es conocida por sus papeles en Lemonade Mouth, Insecure y más. En 2018, NPR la incluyó en su lista de las “Mujeres más influyentes en la música del siglo XXI”.
Por su parte, Stefanie Scott, colaboradora de Kiyoko, ha participado en películas como Insidious: Chapter 3, Jem and the Holograms y Beautiful Boy, entre otros proyectos.
Focus Features, que recientemente presentó Conclave, el contendor al Oscar de Edward Berger, y se prepara para el estreno de la anticipada versión de Nosferatu dirigida por Robert Eggers, tiene grandes expectativas para este nuevo proyecto.
Nava Mau se une al elenco de The Dregs, la próxima comedia de suspenso
Según informó Deadline, la estrella de Baby Reindeer Nava Mau, se ha incorporado al elenco de The Dregs, una comedia de suspenso dirigida por Connor Martin.
La película, ambientada en Italia, narra la historia de un grupo de amigos que viajan a la Toscana. Sin embargo, su aventura toma un giro inesperado cuando surgen heridas emocionales profundas y aparece una botella maldita de Vin Santo, lo que desata una serie de eventos imprevistos.
El elenco de The Dregs también contará con la participación de Benjamin Norris, Marta Pozzan, Maria Grazia Cucinotta y Zach Tinker, quienes acompañarán a Mau en esta intrigante trama. En un comunicado a Deadline, el productor Mike Stern expresó su entusiasmo por la participación de Mau en el proyecto: “Nava fue increíble en Baby Reindeer, y estamos encantados de que se una a The Dregs. Es una actriz inventiva, llena de suspenso y dolorosamente graciosa”, señaló.
Además, destacó la autenticidad y la convicción de los actores principales, incluyendo a Mau, resaltando que será un honor mostrar todo su talento en esta comedia única.
La inclusión de Mau en The Dregs llega poco tiempo después de que se confirmara su participación en la quinta y última temporada del thriller psicológico You de Netflix, donde interpretará a la Detective Marquez. Esta nueva incorporación promete enfrentar a Mau con el personaje principal, Joe Goldberg, interpretado por Penn Badgley, en una inevitable confrontación con el peligroso y obsesivo asesino en serie.
La carrera de Mau ha experimentado un ascenso constante en los últimos años. En 2021, la actriz destacó en la primera temporada de Generation, la comedia dramática queer de HBO Max, que, lamentablemente, fue cancelada tras una temporada. Sin embargo, fue en 2024 cuando alcanzó un éxito de gran reconocimiento en Baby Reindeer, la aclamada comedia negra de Richard Gadd, donde interpretó a Teri, la terapeuta y objeto de interés amoroso del personaje principal. En este papel, Mau hizo historia como la primera actriz trans en ser nominada a los Premios Emmy en la categoría de “Mejor Actriz de Reparto en una Serie Limitada o Película”, lo que marcó un hito importante para la representación trans en la industria.
Tras recibir la nominación, Mau compartió con Deadline su emoción por el reconocimiento, revelando que lloró durante 45 minutos con “una alegría abrumadora”. En sus declaraciones, resaltó la falta de oportunidades para los actores trans en la industria y la importancia de ser reconocidos por su talento y todo lo que pueden ofrecer.
“Ha sido una experiencia invaluable ser parte de este proyecto. Cada paso de este camino ha transformado mi vida y lo que siento que es posible”, expresó con una sonrisa llena de gratitud.
Con The Dregs, Mau sigue ampliando su presencia en la industria del cine y la televisión, consolidándose como una de las actrices más prometedoras de su generación.
Yo, Adolescente (Memories of a Teenager): Una introspectiva sobre la juventud, la identidad y la memoria
Yo, Adolescente (Memories of a Teenager), dirigida por Lucas Santa Ana, es una obra que explora las complejidades emocionales y psicológicas de la adolescencia a través de los ojos de Nicolás “Zabo” Zamorano, un joven argentino que se enfrenta a la tragedia, la confusión de su identidad sexual y las turbulentas aguas de la madurez. Estrenada en el año 2020, la película no solo es una reflexión sobre los días de juventud, sino también un retrato sincero de cómo los eventos traumáticos pueden moldear la forma en que vemos el mundo y a nosotros mismos.
La historia se desarrolla en los años 2004 y 2005, una época que se siente casi como un momento suspendido entre el cambio del milenio y los primeros destellos de lo que sería una nueva era tecnológica y cultural. Nicolás, tras la muerte de un amigo cercano y un trágico incendio en un concierto, comienza a escribir un blog bajo el título Yo, Adolescente. A través de su blog, Zabo documenta sus pensamientos y experiencias mientras lucha con su sexualidad y explora sus primeras relaciones íntimas. Este acto de escribir se convierte en una especie de catarsis, un intento por comprender sus propios sentimientos mientras se enfrenta al desconcierto del dolor y las inseguridades propias de la edad.
El guion de Santa Ana presenta una narrativa cruda y sincera que se apoya en las vivencias cotidianas de los adolescentes: la búsqueda de la identidad, la amistad, el amor, y la tragedia. La dirección y los guiones de Santa Ana, combinados con la destacada actuación de Renato Quattordio como Zabo, logran transmitir de manera eficaz la angustia existencial de un joven que está comenzando a forjar su camino en un mundo que parece abrumarlo.
Además, la película se distingue por su retrato de la sexualidad y la identidad de género, un tema que ha sido tradicionalmente poco explorado en el cine juvenil. La relación de Zabo con otros personajes como Tomás (interpretado por Thomás Lepera) y Tina (Malena Narvay) refleja la complejidad de las emociones de un adolescente que aún está construyendo su entendimiento de sí mismo y de los demás.
Memories of a Teenager no es solo una película sobre el crecimiento personal, sino también una reflexión sobre la memoria. Al contar su historia a través del formato del blog, la película utiliza la escritura como una forma de preservar el recuerdo, de darle sentido a las experiencias que marcan el paso hacia la madurez. En este sentido, se puede ver como una obra sobre la forma en que los recuerdos nos definen y cómo los momentos dolorosos pueden estar entrelazados con los de belleza y aprendizaje.
La película también fue reconocida en varios festivales internacionales, obteniendo premios como Mejor Película en el Festival Internacional de Cine de Viña del Mar y el Festival de Cine Iberoamericano de Huelva, además de ser nominado en varios otros certámenes. Estos logros reflejan el impacto que Memories of a Teenager ha tenido tanto en el ámbito local como internacional.
En resumen, Memories of a Teenager es una película que invita a los espectadores a recordar su propia juventud con una mezcla de nostalgia, reflexión y aceptación. A través de la vida de Zabo, el filme ofrece una mirada sincera a los dilemas existenciales que muchos de nosotros enfrentamos en nuestra adolescencia, mientras demuestra que, en última instancia, es el proceso de autodescubrimiento y aceptación lo que realmente define nuestra identidad.
Hoy se lanzó el tráiler de Blanca Nieves, y mientras Rachel Ziegler brilla como la princesa, el internet se ha dividido una vez más.
Ziegler, una actriz latina, interpreta a Blanca Nieves en esta adaptación en vivo, lo que ha provocado reacciones similares a las que surgieron cuando Halle Bailey fue elegida como La Sirenita. Algunos críticos argumentan que “Blanca Nieves debe ser blanca por el nombre”, ignorando que estas princesas son personajes ficticios creados por Disney.
La actriz comparte pantalla con Gal Gadot, quien interpreta a la malvada reina, pero lo que ha generado más controversia es la decisión de Disney de utilizar CGI para los enanitos, en lugar de contratar a actores reales de estatura baja. Esto ha sido duramente criticado por activistas y seguidores, quienes consideran que se ha dejado de lado la posibilidad de dar estos roles a verdaderos actores de estatura pequeña.
El tráiler promete una atmósfera mágica y encantadora, con Ziegler cantando “Whistle While You Work” con su dulce voz. Además, la película incluirá canciones originales de Pasek y Paul, creadores de la exitosa The Greatest Showman.
La historia de Blanca Nieves sigue el mismo esquema que conocemos: la madrastra malvada, la manzana envenenada y el príncipe encantador.
Ya sea por la nostalgia del cuento clásico o por la controversia que está generando, Blanca Nieves se perfila como una de las películas más comentadas de la próxima primavera.
Te dejamos el tráiler para que juzgues tú misme.
Personas queer vapean más del doble que personas heterosexuales
Un nuevo informe masivo sobre el uso del tabaco, publicado por el Cirujano General de los Estados Unidos, ha revelado que las personas gay, lesbianas y bisexuales vapean a tasas significativamente más altas que sus pares heterosexuales.
Casi el 40% de las personas LGB han probado los cigarrillos electrónicos, frente al 16,5% de las personas heterosexuales, según el informe. La cifra asciende a casi el 50% entre los estadounidenses bisexuales. Los autores señalaron que los datos definitivos sobre el uso de estas sustancias entre personas transgénero no estaban disponibles.
El estrés asociado con la identidad LGBTQ+ fomenta la adicción al tabaco
En el estudio se destaca que la presión de vivir en un entorno de discriminación y exclusión aumenta el riesgo de adicciones en la comunidad LGBTQ+. Este fenómeno afecta especialmente a los jóvenes, quienes recurren al vapeo y al consumo de tabaco para lidiar con el estrés. A pesar de los esfuerzos de activistas antitabaco, la comunidad aún enfrenta una falta de recursos adecuados para afrontar esta crisis.
El informe también clasifica los cigarrillos electrónicos como cigars electrónicos, pipas electrónicas, hookahs electrónicas, bolígrafos para vapor y bolígrafos para hookah. Desde 2014, estos productos se han convertido en la opción preferida de tabaco entre los jóvenes adultos y adolescentes.
El vapeo es más común entre los jóvenes LGBTQ+
El estudio encontró que mientras que más del 42% de los adultos jóvenes LGB y el 56% de los estudiantes de secundaria LGB reportaron haber vapeado, las tasas de vapeo entre los jóvenes heterosexuales fueron más bajas, con un 30,3% y un 49,8%, respectivamente.
Según el informe de 837 páginas, 36 millones de adultos estadounidenses y 760,000 estudiantes de secundaria y preparatoria consumen productos de tabaco de alguna forma. A pesar de que la tasa de consumo ha caído un 30% desde 1965, alcanzando solo el 11,5% de la población estadounidense, la creciente popularidad del vapeo pone en riesgo ese progreso.
El uso de productos de tabaco no combustibles pone en peligro el progreso alcanzado
El informe subraya que los productos de tabaco no combustibles, como los cigarrillos electrónicos y las bolsas de nicotina, podrían revertir los avances en la prevención y reducción del uso de tabaco entre los jóvenes. La doctora Kristy Marynak, coeditora del estudio y asesora principal de los Centros para el Control y la Prevención de Enfermedades, afirmó que el consumo de tabaco es “una amenaza de salud única para las comunidades LGBTQAI+” y que casi 1 de cada 5 muertes en Estados Unidos es atribuible al tabaco.
El papel de la publicidad dirigida
Uno de los factores que contribuyen a las altas tasas de vapeo y consumo de tabaco entre la comunidad LGBTQ+ es la publicidad dirigida a este colectivo por parte de las empresas tabacaleras. El informe también destaca que muchas de estas corporaciones hacen donaciones a organizaciones que promueven los derechos LGBTQ+ y las iniciativas del Orgullo, lo que genera un conflicto de intereses al mismo tiempo que incentivan el consumo de productos dañinos.
El impacto en la salud
El uso de cigarrillos electrónicos produce una serie de sustancias químicas peligrosas, como acetaldehído, acroleína y formaldehído, que, al igual que los cigarrillos tradicionales, causan enfermedades pulmonares y cardíacas. Además, el vapeo, al igual que los cigarrillos, contiene nicotina, una sustancia adictiva que puede aumentar la ansiedad y la depresión, y que además afecta el desarrollo cerebral en los usuarios más jóvenes.
La comunidad LGBTQ+ enfrenta un desafío único con respecto a su salud y bienestar, lo que hace que la lucha contra el consumo de tabaco y productos derivados sea aún más urgente.
Oscars: Timothée Chalamet y su Bob Dylan son Serios Candidatos al Mejor Actor. ¿Hará Historia?
Timothée Chalamet ha cautivado a la crítica con su interpretación de Bob Dylan en A Complete Unknown, un papel que le podría abrir las puertas del Oscar como Mejor Actor. Lo que hace aún más impresionante su trabajo es que el actor no solo se enfrenta al reto de personificar a una de las voces más icónicas de la música, sino que además realiza todas sus propias interpretaciones vocales. Este es un desafío inusual en los biopics musicales, especialmente cuando se trata de un artista como Dylan, cuya voz es tan distintiva y difícil de emular.
Sin embargo, al igual que otros grandes intérpretes antes que él, como Diana Ross en Lady Sings the Blues (1972) o Renée Zellweger en Judy (2019), Chalamet se ha destacado al no intentar imitar a Dylan nota por nota. En lugar de eso, captura la esencia del estilo vocal de Dylan, así como la intensidad emocional que caracteriza al artista, brindando una actuación que se siente auténtica y profunda.
Este desempeño podría ser exactamente lo que los votantes de la Academia no podrán resistir. De hecho, Chalamet, quien hizo historia al ser nominado al Mejor Actor con solo 22 años por Call Me by Your Name (2017), podría establecer otro récord este año. Si se lleva la estatuilla, se convertiría en el actor más joven en ganar en esta categoría, superando a Adrien Brody, quien ganó a los 29 años por The Pianist. Chalamet cumple 29 años en diciembre, lo que lo hace 279 días más joven que Brody cuando obtuvo su victoria.
Sin embargo, Chalamet no tendrá el camino fácil, ya que deberá enfrentarse a otros pesos pesados como Ralph Fiennes (Conclave), Adrien Brody (The Brutalist) y Colman Domingo (Sing Sing), quienes también lucharán por obtener su oportunidad de llevarse el Oscar.
Los pronósticos de los premios de la Academia siguen en constante evolución, pero no cabe duda de que Chalamet se ha consolidado como uno de los principales contendientes para el Oscar al Mejor Actor en la ceremonia del 2 de marzo de 2024.
Ncuti Gatwa brilla en el reestreno de ‘La Importancia de Llamarse Ernesto’ en el National Theatre
Ncuti Gatwa regresa a las tablas londinenses con una nueva adaptación de la famosa obra de Oscar Wilde, La importancia de llamarse Ernesto, en el National Theatre. A días de su estreno, se han revelado las primeras imágenes del espectáculo, que destacan la brillante interpretación del actor, conocido por sus papeles en Doctor Who y Sex Education.
En esta versión, Gatwa da vida a Algernon Moncrieff, un soltero astuto y desenfadado, mientras que Hugh Skinner interpreta a Jack Worthing, el personaje que lleva una doble vida. La dirección corre a cargo de Max Webster, quien ha trabajado anteriormente en producciones aclamadas como Macbeth en Donmar Warehouse y Life of Pi. Esta nueva propuesta trae una visión fresca y dinámica de la icónica comedia de enredos.
El argumento de la obra sigue a Jack, quien, mientras actúa como un guardián serio y responsable en el campo, se desinhibe en la ciudad bajo una falsa identidad. Su amigo Algernon adopta un papel similar, y ambos intentan impresionar a dos jóvenes damas. Sin embargo, sus mentiras los llevan a una serie de situaciones cómicas que deben resolver con astucia.
La obra estará en el Lyttelton Theatre del National Theatre hasta el 25 de enero de 2024, y una versión grabada será proyectada en cines a nivel mundial a partir del 20 de febrero. Además de Gatwa y Skinner, el elenco está formado por destacados actores como Ronkẹ Adékọluẹ́jọ́, Julian Bleach, Shereener Browne, Richard Cant y Eliza Scanlen.
Las entradas para La importancia de llamarse Ernesto siguen disponibles en el sitio web del National Theatre, lo que hace de esta una oportunidad única para disfrutar de una obra clásica con un toque contemporáneo.
Te dejamos fotos para que veas a Ncuti brillando en el escenario:
Dwayne Johnson Confirma Uso de Traje de Cuerpo Completo para Su Papel de Maui en la Película de Acción Real de ‘Moana’
Dwayne Johnson, conocido por su imponente físico, ha revelado un detalle interesante sobre su interpretación de Maui, el carismático semidiós de Moana, en la esperada película de acción real que Disney está preparando. Aunque el actor es famoso por su musculatura, para dar vida al personaje de Maui en la nueva versión, recurrirá a un traje de cuerpo completo que lo ayudará a alcanzar la figura sobrehumana que caracteriza al personaje.
En una reciente entrevista con Extra, Johnson fue preguntado si había tenido que aumentar su masa muscular para el papel. A pesar de su impresionante físico, el actor admitió que no fue su cuerpo el que recreó la musculatura de Maui, sino un elaborado traje. “Es un traje que me tomó mucho tiempo ponerme”, comentó entre risas. “Así que me alegra que dijeran ‘Te pusiste más fuerte’, porque eso significa que no se notó.”
El uso del traje también se debe a los complejos detalles del personaje, como los numerosos tatuajes en su cuerpo, que son una parte esencial de la identidad de Maui. “Eso es algo que toma varias horas al día, transformándome y poniéndome todo,” explicó Johnson sobre el proceso para lograr que los tatuajes se vean realistas.
El actor también habló sobre las fotos del set que se filtraron en internet, las cuales mostraban a Johnson vestido como Maui. “Rodamos en exteriores y cuando las fotos salieron, pensé, ‘Mierda, nos atraparon’”, confesó. Según relató, el equipo había tomado medidas para evitar que los paparazzi capturaran imágenes, pero estos se las ingeniaron para tomar fotos desde botes cercanos.
La película de acción real de Moana, que contará con la participación de la actriz Catherine Laga’aia como la protagonista, se estrenará en el verano de 2026. Mientras tanto, los fanáticos de Disney pueden disfrutar de Moana 2, la secuela animada, que ya está conquistando la taquilla con un récord histórico de preventa de 13.8 millones de dólares.
“Mi tío Frank (Uncle Frank 2020)”: Una Película de Comedia Dramática sobre el Enfrentamiento con el Pasado y la Aceptación
Uncle Frank, escrita, dirigida y coproducida por Alan Ball, es una comedia dramática que toca temas de identidad, familia y aceptación. Estrenada mundialmente en el Festival de Cine de Sundance el 25 de enero de 2020, la película fue lanzada en plataformas de streaming por Amazon Studios el 25 de noviembre del mismo año. Ambientada en la década de 1970, Uncle Frank sigue a Frank Bledsoe, un hombre gay que regresa a su hogar en el sur de los Estados Unidos, enfrentándose a su pasado y a su familia conservadora.
La trama gira en torno a Frank Bledsoe (interpretado por Paul Bettany), un hombre abiertamente gay que vive en Nueva York con su pareja, Walid “Wally” Nadeem (Peter Macdissi). Tras la muerte de su padre, Frank viaja de regreso a su hogar en Carolina del Sur, acompañado por su sobrina Beth Bledsoe (Sophia Lillis). Lo que parece ser un viaje para rendir homenaje a su padre se convierte en una oportunidad para que Frank enfrente su doloroso pasado familiar y las tensiones relacionadas con su orientación sexual. A lo largo del camino, la película explora la complejidad de las relaciones familiares, el rechazo y, en última instancia, la búsqueda de la aceptación.
Junto a Bettany y Lillis, el reparto de Uncle Frank incluye a actores como Steve Zahn, Judy Greer, Margo Martindale, Stephen Root, Lois Smith y otros, quienes aportan profundidad a la historia de una familia suramericana atrapada entre lo tradicional y lo moderno.
Después de su exitoso estreno en Sundance, Uncle Frank fue adquirida por Amazon Studios, lo que permitió su distribución global. Desde su lanzamiento en noviembre de 2020, la película ha sido bien recibida tanto por críticos como por la audiencia.
En términos de calificación, Uncle Frank obtuvo una aceptación positiva en varios sitios especializados. En Rotten Tomatoes, cuenta con un 77% de aprobación basado en 123 reseñas, y un consenso crítico que resalta la habilidad de Alan Ball para explorar las dinámicas familiares de la sociedad estadounidense moderna. Además, la película tiene una calificación del 84% en la sección de audiencia de Rotten Tomatoes, basada en más de 500 votos, destacando la conexión emocional que logra generar en los espectadores.
Metacritic otorgó una puntuación de 58 sobre 100, lo que sugiere reseñas mixtas, mientras que en IMDb, la película posee una calificación de 7.3/10 con más de 22,000 votos, lo que refleja una recepción mayormente positiva. En FilmAffinity, cuenta con una calificación de 6.8/10, basada en 3656 votos.
A través de Uncle Frank, Alan Ball, conocido por su trabajo en Six Feet Under y American Beauty, continúa explorando la vida de personajes que lidian con la dualidad de ser ellos mismos en un mundo que les exige esconder su identidad. La película aborda temas cruciales, como la homofobia internalizada, el conflicto generacional y la aceptación dentro de las familias tradicionales.
El tono de Uncle Frank es un equilibrio entre la comedia y el drama, permitiendo momentos de ligereza y humor, pero sin dejar de lado el peso emocional que conlleva el enfrentamiento con el pasado. La conexión entre los personajes, especialmente entre Frank y su sobrina Beth, es uno de los puntos fuertes de la película, lo que agrega una capa de ternura y esperanza a la narrativa.
Uncle Frank es una película conmovedora y reflexiva sobre los desafíos de la identidad y la familia en un contexto conservador. Con una interpretación sobresaliente de Paul Bettany y una sólida actuación de Sophia Lillis, la película ofrece una mirada sincera a la vida de un hombre que, a pesar de la adversidad, busca la reconciliación con su pasado y con su familia. Aunque no escapa de las críticas mixtas de la crítica especializada, la obra de Alan Ball se consolida como una importante adición al cine contemporáneo LGBTQ+, destacando por su sinceridad emocional y su capacidad para tocar temas universales de aceptación y amor.
“Caminos Cruzados” (Crossing 2023): Un Viaje de Esperanza y Descubrimiento en la Lucha por la Identidad Trans
Levan Akin regresa al cine con Caminos cruzados (Crossing), una película que explora la identidad, la esperanza y la aceptación en el contexto de la comunidad transgénero. Después del éxito de su película anterior, Solo nos queda bailar (2019), el director sueco-georgiano presenta una historia que refleja las dificultades de las personas marginadas, especialmente de la población LGBTI+, mientras se embarcan en un viaje lleno de desafíos emocionales y físicos.
La trama sigue a Lia (interpretada por Mzia Arabuli), una maestra georgiana de 70 años que decide cumplir el último deseo de su hermana fallecida: encontrar a su sobrina Tekla, una joven transgénero desaparecida en Estambul. Para ello, Lia se embarca en un viaje de Batumi (Georgia) a Estambul, acompañado por Achi (Lucas Kankava), un joven que huye de su hogar en busca de libertad. Lo que comienza como un simple viaje hacia un destino físico, pronto se convierte en un recorrido de autodescubrimiento y reconciliación para ambos personajes.
A lo largo de su viaje, la película presenta una serie de personajes secundarios que amplían la reflexión sobre la marginación, la identidad y la lucha por pertenecer. En el camino, Lia y Achi se cruzan con Izzet (Bünyamin Değer) y Gülpembe (Sema Sultan Elekci), dos niños huérfanos que se hacen pasar por hermanos, y con Evrim (Deniz Dumanlı), una mujer abogada que se dedica a defender los derechos de la comunidad transgénero. Estos personajes se entrelazan con los protagonistas, mientras sus historias paralelas van avanzando hacia un punto de encuentro.
La película se desarrolla en el contexto de dos ciudades clave: Batumi y Estambul, que sirven como escenarios para reflejar las realidades sociales y culturales de Georgia y Turquía. Akin utiliza la ciudad de Estambul, conocida por su diversidad, como un lugar de tránsito y transformación, mientras que las interacciones entre los personajes van tejiendo una narrativa sobre los desafíos de encontrar amor, aceptación y pertenencia en una sociedad muchas veces hostil.
Uno de los elementos más destacados de Caminos cruzados es cómo aborda la representación de la comunidad transgénero, en particular la historia de Tekla, que se encuentra en el centro de la búsqueda. La película plantea una reflexión sobre la lucha por la aceptación de las identidades trans en una sociedad conservadora y patriarcal, y muestra cómo las diferentes generaciones enfrentan estos temas, desde la incomprensión hasta la reconciliación.
El director Levan Akin sigue explorando los temas de la comunidad LGBTI+ y las dinámicas sociales en un contexto post-soviético, un tema central en muchas de sus obras. En este caso, Caminos cruzados también ofrece una crítica a las estructuras sociales y culturales que limitan la libertad y el autoconocimiento, a la vez que resalta las tensiones generacionales y las transformaciones que se producen cuando las personas logran superar sus prejuicios y miedos.
Crossing se inserta en un cine contemporáneo que busca humanizar a los personajes de la comunidad LGBTI+ y visibilizar sus luchas y aspiraciones en un mundo a menudo marcado por la discriminación. Akin consigue, con esta película, una obra conmovedora que no solo cuestiona las estructuras sociales, sino que también ofrece un mensaje de esperanza, identidad y perdón.
En resumen, Caminos cruzados es una película que invita a la reflexión sobre las realidades de las personas trans y las dificultades de aquellos que buscan pertenecer a una sociedad que a menudo los rechaza. A través de una narrativa que cruza fronteras geográficas y emocionales, Levan Akin crea una historia que no solo conecta con la comunidad LGBTI+, sino con todos aquellos que han luchado por ser aceptados en sus propios contextos culturales.
El dolor de no ser aceptado por quienes más queremos, las cicatrices emocionales de la represión y la constante búsqueda de amor incondicional son temas universales que atraviesan las vidas de muchas personas LGBTQ+. De la misma forma en que Charlie busca la reconciliación con su hija, muchos en la comunidad buscan restablecer lazos con sus seres queridos, superar traumas y encontrar un lugar donde puedan sentirse completos y aceptados tal como son.
La película también abre un espacio para reflexionar sobre cómo la sociedad percibe el cuerpo, la salud y la apariencia, temas que se entrelazan con los desafíos que enfrentan muchas personas LGBTQ+ al lidiar con los estándares de belleza impuestos y las expectativas sociales. El juicio sobre el cuerpo y las decisiones sobre cómo vivirlo son también una lucha que ha sido particularmente significativa para las personas transgénero, no binarias y otras personas dentro de la comunidad.
En conclusión, La Ballena no solo ofrece una narrativa sobre el sufrimiento y la autoaceptación, sino que también se convierte en un espejo de las experiencias de las personas LGBTQ+ que, al igual que Charlie, luchan por encontrar su lugar en un mundo que no siempre está dispuesto a aceptarlos tal como son. La película subraya la importancia de la empatía y el amor incondicional, invitándonos a reflexionar sobre la manera en que todos, independientemente de nuestra identidad, buscamos la aceptación, la conexión y la redención.
Esta película está disponible para ver en Netflix.
Rumores sobre disparidad salarial en Wicked desmentidos: Ariana Grande y Cynthia Erivo recibieron el mismo salario
En medio del éxito de Wicked: Parte 1 en taquilla, surgieron rumores sobre una posible disparidad salarial entre sus dos protagonistas, Ariana Grande y Cynthia Erivo. Sin embargo, Universal Pictures ha salido al paso de estos rumores, desmintiendo las especulaciones que se habían difundido en redes sociales como TikTok y Reddit.
Un portavoz de Universal declaró a The Hollywood Reporter: “Los informes sobre disparidad salarial entre Cynthia y Ariana son completamente falsos y basados en rumores de internet. Las mujeres recibieron el mismo salario por su trabajo en Wicked“.
Varios medios también confirmaron esta información, citando fuentes cercanas al proyecto que afirmaron que ambas artistas fueron remuneradas de manera igualitaria por sus papeles en la película dirigida por Jon M. Chu.
Los rumores comenzaron a circular cuando algunos usuarios en redes sociales afirmaron que Ariana Grande habría ganado 15 millones de dólares por interpretar a Glinda, mientras que Cynthia Erivo, quien da vida a Elphaba, supuestamente habría recibido solo 1 millón. Estos comentarios fueron rápidamente recogidos por varios medios de comunicación, lo que amplificó la polémica y generó indignación entre los seguidores de las artistas.
Wicked, basada en la novela de Gregory Maguire, cuenta la historia de las brujas de Oz y presenta a Erivo y Grande en los papeles de las icónicas brujas. El guion de la película fue escrito por Winnie Holzman, autora del libro de la producción teatral, y Dana Fox. La adaptación musical para la pantalla fue realizada por el galardonado compositor Stephen Schwartz.
En cuanto a la relación entre las dos actrices, ambas han expresado su profunda amistad tanto en el set como fuera de él. Durante la promoción de la película, han compartido lo mucho que disfrutan trabajar juntas y han manifestado su deseo de regresar al escenario de Broadway en el futuro, idealmente en conjunto.
Mientras tanto, la película continúa rompiendo récords en la taquilla. Wicked: Parte 1 recaudó más de 160 millones de dólares en su fin de semana de estreno, y recientemente logró una impresionante cifra de 15.8 millones de dólares en la taquilla del lunes, estableciendo un nuevo récord para un musical. La secuela de Wicked está programada para estrenarse el 21 de noviembre de 2025.
Starcrossed: Una reflexión sobre el amor, la identidad y la lucha por la libertad LGBT
Starcrossed es un cortometraje dramático dirigido por James Burkhammer, estrenado en 2005, con una duración de 15 minutos. La película, que se enmarca dentro del género de drama y aborda temas de homosexualidad y la dinámica familiar, relata la historia de dos hermanos que desarrollan una atracción sexual el uno por el otro, en medio de un entorno social que no tiene espacio para la comprensión de sus sentimientos.
La trama explora de forma cruda y emotiva la lucha interna de los protagonistas, quienes enfrentan la angustia de una relación prohibida por las convenciones sociales y familiares. A lo largo de su breve pero intensa duración, Starcrossed se convierte en una reflexión sobre la identidad, el amor no correspondido y la dificultad de encontrar aceptación en un mundo que no está dispuesto a aceptar lo que consideran “anormal” o “incorrecto”.
La película se distingue por su tono sombrío y su tratamiento de una temática controvertida, que coloca a los hermanos en una situación de vulnerabilidad emocional, enfrentando tanto la incomprensión de su entorno como las complicaciones que surgen al desafiar los límites de lo considerado moralmente aceptable. A través de una fotografía sutil y una música que refuerza la atmósfera dramática, Starcrossed se adentra en las profundidades del conflicto personal y familiar, haciendo de esta obra una reflexión sobre la complejidad de las relaciones humanas en contextos desafiantes.
Con una duración relativamente corta, este cortometraje se posiciona como una pieza que invita a la reflexión sobre los límites de la aceptación y el amor en un mundo que a menudo se muestra cruel y excluyente ante lo que percibe como diferente.
Starcrossed es un ejemplo de cine que no teme abordar temáticas complejas, y aunque no está dirigida a un público general, se convierte en una propuesta significativa dentro del cine independiente que explora cuestiones de identidad, amor prohibido y el sufrimiento emocional que conlleva el no encajar en las normas sociales establecidas.
“Wicked: Parte I” Rompe Récords de Taquilla en su Fin de Semana de Estreno
Wicked: Parte I, protagonizada por Cynthia Erivo como Elphaba, Ariana Grande como Glinda y Jonathan Bailey como Fiyero, tuvo un desempeño en taquilla que desafió la gravedad en su fin de semana de estreno. Según Box Office Mojo, la película de 2024 dirigida por Jon M. Chu recaudó 164 millones de dólares a nivel global y 114 millones de dólares a nivel doméstico hasta el domingo 24 de noviembre.
Estos números son históricos de muchas maneras significativas, y es aún más impresionante pensar que un elenco tan inclusivo con miembros de la comunidad LGBTQ como Erivo y Bailey, junto a Bowen Yang (como Pfannee) y Marissa Bode (como Nessarose), haya logrado romper tantos récords de taquilla.
Desliza para ver todos los récords notables que rompió Wicked: Parte I, que ya está en cines.
- Mayor primer día de apertura de todos los tiempos para una película basada en un musical de Broadway.
Con 46 millones de dólares en su primer día de estreno, Wicked: Parte I ha superado a otras películas basadas en musicales de Broadway, como El Color Púrpura (2023) y Los Miserables (2012), que recaudaron 18 millones de dólares, según Deadline. - Cuarto mayor fin de semana de apertura de todos los tiempos para una película musical (De).
Con una recaudación de 114 millones de dólares en taquilla nacional, Wicked: Parte I ocupa el cuarto lugar, detrás de películas musicales como El Rey León (2019) con 191 millones de dólares, La Bella y la Bestia (2017) con 174 millones de dólares, y Frozen II (2019) con 130 millones de dólares, según lo informado por Deadline.
Para ponerlo en contexto, esta primera película de Wicked superó a la reciente adaptación en vivo de La Sirenita (2023), que recaudó 95 millones de dólares en su fin de semana de estreno (según Variety). - Quinto mayor fin de semana de apertura de todos los tiempos para una película musical (a nivel mundial).
En cuanto a la taquilla global, Wicked: Parte I ahora ocupa el quinto lugar, superando a otras películas musicales de gran éxito, como El Rey León (2019) con 446 millones de dólares, La Bella y la Bestia (2017) con 358 millones, Frozen II (2019) con 358 millones y Aladino (2019) con 213 millones, según The Hollywood Reporter. - Tercer mayor fin de semana de apertura de todos los tiempos para una película estrenada en 2024 (doméstica).
Con 114 millones de dólares en su fin de semana de estreno, Wicked ocupa el tercer lugar de las películas más exitosas de 2024, detrás de Deadpool & Wolverine (211 millones de dólares) y Inside Out 2 (152 millones de dólares), según Box Office Mojo. - Mayor fin de semana de apertura para una película original estrenada en 2024 (a nivel mundial).
En una era dominada por secuelas, Wicked: Parte I se ha destacado como la película no secuela más taquillera de 2024 a nivel global. Superó a otras películas originales como Yolo, un filme chino que recaudó 112 millones de dólares, y It Ends With Us, que obtuvo 80 millones en su debut global, según Deadline. - Décimo mayor fin de semana de apertura de todos los tiempos para una película estrenada en noviembre (doméstica).
Wicked: Parte I ha entrado en el top 10 de películas más taquilleras estrenadas en noviembre, con 114 millones de dólares en su apertura doméstica. Se encuentra en el décimo lugar, justo detrás de películas como Black Panther: Wakanda Forever (181 millones de dólares) y The Hunger Games: Catching Fire (158 millones de dólares), según Box Office Mojo. - Mayor fin de semana de apertura de todos los tiempos para una película basada en un musical de Broadway (doméstica y mundial).
Wicked: Parte I ha establecido un nuevo récord como la película basada en un musical de Broadway más exitosa en su fin de semana de estreno, superando a Les Misérables (2012), que recaudó 103 millones de dólares, según Forbes. - Mayor fin de semana de apertura para una película protagonizada por Cynthia Erivo (doméstica y mundial).
Wicked: Parte I ha tenido el mayor fin de semana de apertura de la carrera de Cynthia Erivo, nuestra Icono del Año 2024 de Out100. Su debut en taquilla doméstica y global ha superado a películas anteriores de la actriz como Viudas (2018) y Harriet (2019), según Box Office Mojo. - Mayor fin de semana de apertura para una película protagonizada por una estrella pop (doméstica).
Ariana Grande también ha establecido un nuevo récord con Wicked: Parte I. Su estreno doméstico de 114 millones de dólares ha superado a otras películas protagonizadas por estrellas pop como A Star Is Born (2018) con Lady Gaga, Don’t Worry Darling (2022) con Harry Styles y Crossroads (2002) con Britney Spears, según Deadline. - Mayor fin de semana de apertura de todos los tiempos para una película dirigida por Jon M. Chu (doméstica y mundial).
El director Jon M. Chu también ha experimentado su fin de semana de apertura más exitoso con Wicked: Parte I, superando a su película anterior G.I. Joe: Retaliation (2013), que recaudó 40 millones de dólares a nivel nacional y 132 millones a nivel mundial, según Box Office Mojo.
‘Tomb Raider’: Sophie Turner podría interpretar a Lara Croft en la serie de Amazon de Phoebe Waller-Bridge
Sophie Turner, famosa por su papel de Sansa Stark en Game of Thrones, está en negociaciones para interpretar a Lara Croft en la serie de Tomb Raider para Prime Video, adaptación de la popular franquicia de videojuegos, que será producida por la creadora de Fleabag, Phoebe Waller-Bridge, según fuentes de Deadline. Un representante de Amazon MGM Studios declinó hacer comentarios sobre la noticia.
Tal como se informó el mes pasado, Turner fue una de las actrices que realizó pruebas para el codiciado papel de Lara Croft, un personaje que ha sido interpretado anteriormente en el cine por Angelina Jolie y Alicia Vikander.
La serie de Tomb Raider, que fue anunciada oficialmente en mayo, ha sido descrita como “épica” y “de aventuras globales” por Jennifer Salke, cabeza de Amazon MGM. Este proyecto ha sido una de las grandes pasiones de Waller-Bridge, quien en su momento expresó lo mucho que significa Lara Croft para ella y su emoción por abordar esta nueva aventura. “Lara Croft significa mucho para mí, como para muchos, y no puedo esperar para embarcarme en esta aventura. Con murciélagos y todo”, comentó Waller-Bridge en mayo, haciendo referencia a los elementos de acción y aventura que caracterizan a la heroína.
La serie será producida por Crystal Dynamics y Amazon MGM Studios, con Waller-Bridge y Jenny Robins como productoras ejecutivas a través de Wells Street Productions. También están involucrados Dmitri M. Johnson de dj2 Entertainment, Michael Scheel y los titulares de los derechos de la franquicia, Legendary Television. Amanda Greenblatt y Ryan Andolina se desempeñarán como productores consultores bajo su sello Star Party.
Turner, quien fue nominada al Emmy por su papel de Sansa Stark, actualmente protagoniza la serie limitada británica Joan y próximamente aparecerá en otra serie británica, Haven, también para Prime Video, plataforma que albergará la serie de Tomb Raider. Con una exitosa carrera en la televisión, Turner se ha consolidado como una actriz de gran talento y presencia, lo que la convierte en una opción ideal para encarnar a la icónica aventurera Lara Croft.
La serie de Tomb Raider promete ser una de las producciones más esperadas en Prime Video, y con Sophie Turner como protagonista, las expectativas se incrementan considerablemente.
‘Sebastian’ (2024): El choque entre la realidad y la ficción en un drama provocador sobre identidad y sexualidad
Sebastian, la nueva película del director Mikko Makela, llega para darnos una visión cruda y honesta sobre la búsqueda de identidad en un mundo donde las expectativas sociales, la sexualidad y la ficción se entrelazan de formas inesperadas. Este drama británico, que no tiene miedo de explorar temas explícitos, nos cuenta la historia de Max, un joven escritor en Londres que, mientras lucha por completar su primera novela, decide adentrarse en el mundo de la prostitución como trabajador sexual. Lo que empieza como una forma de investigar para su libro pronto se convierte en algo mucho más complejo cuando las fronteras entre su vida como escritor y su vida como ‘Sebastian’ se empiezan a desdibujar.
Max se embarca en esta doble vida para entender más sobre el tema de su novela, utilizando sus encuentros sexuales con hombres como material para sus escritos. Lo que podría haber sido una simple investigación para su libro se convierte rápidamente en una experiencia que lo transforma, llevándolo a cuestionar quién es en realidad y qué está dispuesto a perder en el proceso. Sebastian no solo explora la conexión entre la sexualidad y la creatividad, sino también las luchas internas que enfrentan las personas al tratar de reconciliar sus deseos, sus miedos y las expectativas de los demás.
Una reflexión sobre la identidad y los límites
Lo que realmente hace interesante a Sebastian es cómo se enfrenta a temas que a menudo son tabú o poco explorados en el cine. El choque entre la realidad y la ficción es un tema recurrente a lo largo de la película, y es fascinante ver cómo Max se pierde en su propio personaje. A medida que la historia avanza, la distinción entre su vida real y su vida como ‘Sebastian’ empieza a desmoronarse, lo que genera una sensación de desconcierto e incomodidad, pero también una reflexión sobre cómo nuestras identidades pueden ser moldeadas por las experiencias y las historias que vivimos.
El trabajo de Ruaridh Mollica como Max/Sebastian ha sido aclamado por su capacidad para dar vida a un personaje tan vulnerable y contradictorio. Hay algo realmente tierno en su interpretación, pero también hay una crudeza y una dureza que capturan perfectamente la lucha interna del personaje. La película no da respuestas fáciles, pero nos invita a pensar sobre el precio de la autenticidad, la aceptación y el miedo a perder lo que somos al intentar ser algo que los demás esperan que seamos.
Más allá de lo explícito
A pesar de que Sebastian no se anda con rodeos a la hora de mostrar la sexualidad, no es una película solo sobre sexo. Es una reflexión sobre las expectativas sociales que nos empujan a escondernos, a crear máscaras para encajar, mientras que el precio de esa ocultación puede ser nuestra propia identidad. El guion de Makela se sumerge en temas de autodescubrimiento, en cómo el deseo y la escritura se entrelazan, y cómo la búsqueda de autenticidad puede ser tan peligrosa como liberadora.
La dirección de Makela, junto con la cinematografía de Iikka Salminen, crea una atmósfera visual que refleja perfectamente la confusión y la complejidad del viaje emocional de Max. Los paisajes urbanos de Londres se mezclan con una estética que resalta tanto la deshumanización de la vida en la ciudad como la búsqueda de algo más profundo dentro de uno mismo. La música de Ilari Heinilä, sutil y evocadora, acompaña el tono de la película sin restarle protagonismo a los momentos de tensión emocional.
Un filme que no teme incomodar
Si algo tiene Sebastian es que no tiene miedo de incomodar a su audiencia. Esta no es una película suave ni fácil de digerir, y probablemente no será para todes. Es un viaje emocionalmente intenso y, en ocasiones, doloroso, pero también es una historia sobre el coraje de ser uno mismo en un mundo que constantemente nos dice que no lo seamos. Como dice Max en un momento crucial de la película: “La realidad y la ficción no son tan diferentes, solo que a veces, en la ficción, podemos escribir lo que queramos ser.”
Con su enfoque audaz y su interpretación profunda, Sebastian es un recordatorio de lo complejo que puede ser el proceso de autodescubrimiento, especialmente en una sociedad que a menudo no está dispuesta a aceptar la pluralidad de identidades que existen. El filme ha sido reconocido en varios festivales, incluida su nominación al Premio del Jurado en Sundance, y se perfila como uno de los más interesantes en el panorama del cine queer contemporáneo.
En resumen, Sebastian es un retrato provocador de un joven que se pierde en su propio personaje mientras trata de entender quién es realmente. Una película que, a través de su crudeza, nos invita a cuestionarnos sobre nuestra identidad, la sexualidad y lo que estamos dispuestos a sacrificar para ser auténticos en un mundo que a menudo no nos deja serlo. Si te gustan las historias que desafían las normas, que son tanto incómodas como reveladoras, esta es una que no te puedes perder.
James Dean habría pagado a su ex amante para ocultar su romance gay, según nueva biografía
Una nueva biografía ha revelado detalles sorprendentes sobre la vida secreta de James Dean, afirmando que el famoso actor pagó a un ex amante hombre para mantener en secreto su romance, justo semanas antes del estreno de Al Este del Edén en 1955.
Según informa The Daily Mail, el autor Jason Colavito detalla esta transacción y los eventos que la precedieron en su recién publicado libro Jimmy: La vida secreta de James Dean. La biografía presenta documentos legales y otras fuentes que revelan que Dean se vio obligado a resolver la situación para proteger su incipiente carrera.
“Esta historia nunca se había contado antes, y todas las partes involucradas trabajaron arduamente para asegurarse de que nadie lo supiera”, comentó Colavito. “Y durante setenta años, nadie lo supo. La única razón por la que hoy lo sabemos es porque el agente de Dean guardó en secreto copias de sus documentos durante décadas”.
James Dean, cuya sexualidad siempre ha sido un tema de debate, estaría vinculado a un romance con Rogers Brackett, un director de radio de una agencia publicitaria. Ambos se conocieron cuando Dean trabajaba como valet de estacionamiento en Santa Monica, California, y Brackett se sintió atraído por el joven actor en apuros. Brackett no solo ayudó a Dean a conseguir roles en la radio, sino que también lo invitó a vivir con él y le brindó apoyo financiero mientras la carrera de Dean comenzaba a despegar.
Si bien la identidad sexual de Dean ha generado versiones contradictorias—algunos creen que era gay, otros que era bisexual, o que simplemente aprovechaba las oportunidades que Hollywood le ofrecía—el libro de Colavito sugiere que la relación entre Dean y Brackett fue mucho más íntima. William Bast, guionista que también afirmó haber tenido una relación sexual con Dean, describió al actor como el “boy” de Brackett, mientras que Brackett mismo llegó a referirse a su vínculo como “algo incestuoso”.
A medida que la fama de Dean creció, él y Brackett se distanciaron, pero la relación no terminó allí. En las semanas previas al estreno de Al Este del Edén, Brackett, enfrentando dificultades económicas, exigió a Dean que le devolviera el dinero que había gastado en él durante sus primeros años en Nueva York. Según Colavito, Dean, que ya veía la relación como algo explotador, le respondió a Brackett de manera mordaz: “No sabía que era el… quien pagaba, pensé que era al revés”.
Brackett envió una demanda legal formal exigiendo el pago de $1,200, lo que él consideraba un “préstamo”. Colavito señala que tanto Dean como Brackett sabían que hacer pública la relación destruiría la carrera de Dean. El equipo legal de Brackett amenazó con que la demanda podría derivar en un escándalo que arruinaría la imagen del actor. Para evitar este desastre, Dean acordó pagarle a Brackett $800 en pagos semanales e incluso consiguió que Warner Bros. le pagara una “comisión de buscador” para garantizar el silencio de Brackett sobre su relación.
Esta revelación ha reavivado el debate sobre los aspectos ocultos de la vida personal de James Dean, que siempre se mantuvieron en secreto durante su carrera. Aunque el legado del actor como ícono cultural sigue vivo, Jimmy: La vida secreta de James Dean ofrece una rara visión de los aspectos ocultos de su historia que se mantuvieron cuidadosamente guardados durante décadas.
Kit Connor habla sobre la posible cuarta temporada de Heartstopper y sus planes futuros
¡Atención, fanáticos de Heartstopper! Kit Connor, el actor de 20 años que se convirtió en el novio favorito de internet gracias a su papel como Nick Nelson, ha revelado novedades sobre el futuro de la exitosa serie de Netflix, y las noticias no son lo que muchos esperaban.
En una reciente entrevista con The Hollywood Reporter, Connor, quien actualmente brilla en Broadway en la obra Romeo + Juliet, admitió que no está seguro de que Heartstopper regrese para una cuarta temporada. Esta revelación llega poco después del estreno de la tercera temporada en octubre de 2024, dejando a los seguidores con más preguntas que respuestas.
El actor, quien forma parte de la lista de Next Gen Talent 2024 de The Hollywood Reporter, comentó sobre sus planes a futuro: “Me gustaría tomarme un pequeño descanso para limpiar mi mente y luego hacer algo completamente diferente. Quiero pasar los próximos años haciendo cosas desafiantes para mejorar como actor”, dijo Connor, quien también estará promocionando su papel más maduro hasta la fecha en el thriller Warfare, de A24.
Alice Oseman confirms a potential 4th season of Heartstopper would be the last. 🥹 New interview with #AliceOseman & #PatrickWalters dropping on my podcast “I’ve Never Said This Before,” Tuesday 10/22. Subscribe now on Apple Podcasts & Spotify so you don’t miss it:
Spotify:… pic.twitter.com/RgPbn1M0An— Tommy DiDario (@tommydidario) October 17, 2024
Esta no es la primera vez que alguien relacionado con el equipo de Heartstopper habla sobre el futuro incierto de la serie. En octubre, Alice Oseman, la autora del cómic que inspiró la serie, compartió en el podcast I’ve Never Said This Before que, de haber una cuarta temporada, sería la última. “Realmente quiero contar el final de la historia en la televisión y darles cierre a todos esos personajes”, dijo Oseman. Y agregó: “Así que, si hay una cuarta, sería el final, seguro”.
Oseman también comentó a Tudum, el sitio oficial de Netflix, que aunque todos quieren que el final llegue pronto, hay muchos factores a considerar que dificultan la confirmación de una cuarta temporada. “Lo compartiré cuando pueda”, añadió.
Aunque los fanáticos sueñan con ver más temporadas de Heartstopper, por ahora no hay más detalles sobre el futuro de la serie. Mientras tanto, los tres primeros episodios de Heartstopper siguen disponibles en Netflix.
“Straight”: Un Triángulo Amoroso que Explora la Identidad y las Etapas del Amor en el Cine Mexicano
Cinépolis se adelanta una vez más en la promoción de cine mexicano incluyente con el estreno de Straight, una película que, más allá de su triángulo amoroso, plantea una reflexión profunda sobre las etiquetas, el deseo y las decisiones que definen nuestras vidas. Dirigida por Marcelo Tobar, esta propuesta cinematográfica se lanza con el objetivo de desestigmatizar las relaciones humanas en su totalidad, sin importar su naturaleza.
Straight nos presenta a Ro (interpretado por Alejandro Speitzer), un hombre de 35 años que lleva una relación estable con Elia (Bárbara López), una mujer que parece tener todas las cualidades que uno podría desear. Sin embargo, su vida da un giro inesperado cuando conoce a Cristian (Franco Masini) a través de una aplicación de citas. Lo que comienza como una conexión casual se transforma en algo mucho más serio, y Ro se ve atrapado en una disyuntiva emocional entre su amor por Elia y la fascinación que siente por Cristian. Así, la historia se convierte en un viaje de autodescubrimiento donde las decisiones no solo afectan a los protagonistas, sino también a quienes los rodean.
Lo que hace interesante Straight no es solo el triángulo amoroso en sí, sino la perspectiva en la que se presenta. En un cine mexicano tradicionalmente centrado en relaciones heterosexuales y rígidas normas de género, la película de Tobar se atreve a mostrar un hombre que, en lugar de elegir entre dos mujeres, debe enfrentarse a la posibilidad de amar a un hombre y a una mujer al mismo tiempo. Este enfoque provoca una reflexión sobre los límites de la sexualidad y la fluidez del amor, un tema que, aunque en muchas partes del mundo ya está más que discutido, sigue siendo tabú en varios sectores de la sociedad mexicana.
El guion, aunque no renuncia a los clichés del melodrama, presenta un toque fresco al mostrar la homosexualidad de Ro no como un conflicto interno o una crisis, sino como una elección consciente, libre y aceptada. La película no busca convertir su aventura sexual con Cristian en una revelación dolorosa, sino más bien como una oportunidad para explorar nuevas facetas de su identidad, sin renunciar al amor “tradicional” que tiene con Elia.
Uno de los puntos más debatidos de la película es el papel de Elia, interpretado por Bárbara López. Algunos críticos han señalado que su personaje se muestra excesivamente pasivo y casi ingenuo frente a las señales que su pareja está enviando, lo que podría parecer un estereotipo de la “novia eterna” esperando que su príncipe azul finalmente se decida. Sin embargo, es precisamente este contraste con la energía y la libertad de Cristian (Franco Masini) lo que aporta una complejidad a la historia. Elia es la “agua” en un entorno que está dominado por el “fuego” de Cristian, mientras Ro se debate entre ambos.
El personaje de Ro es la pieza central que atraviesa todas las contradicciones y emociones del filme. Alejandro Speitzer, quien además es productor asociado de la cinta, logra interpretar a un hombre atrapado entre dos mundos sin que caiga en la caricatura del “hombre dividido”. Su trabajo refleja la tensión de alguien que ha vivido una vida dictada por las expectativas sociales, pero que también desea explorar aspectos de su identidad que había reprimido. La complejidad emocional de su personaje resuena con muchos, pues muestra cómo las decisiones sobre el amor, la sexualidad y la identidad rara vez son fáciles o lineales.
El desenlace de Straight ha sido una de las principales fuentes de discusión. El director, Marcelo Tobar, ha decidido cerrar la historia de manera que provocará opiniones divididas. ¿Es la elección de Ro una decisión correcta o un error fatal? El final, lejos de dar respuestas claras, invita al espectador a cuestionar la validez de las convenciones sociales sobre el amor, el compromiso y la fidelidad. Y como sucede con todos los finales abiertos, algunos lo verán como una revelación, mientras que otros sentirán que deja más preguntas que respuestas.
El estreno de Straight no solo es significativo por su enfoque inclusivo y su audaz tratamiento de temas complejos, sino también porque pone de manifiesto una transformación en el cine mexicano. Aunque no es la primera película mexicana que toca temas de sexualidad fluida o amor entre personas del mismo sexo (ejemplos como Sueño en otro idioma de Ernesto Contreras ya abordan aspectos de la diversidad sexual), Straight lo hace desde un lugar menos contemplativo y más visceral. El cine mexicano comienza a reflejar una realidad en la que los personajes no tienen que ajustarse a los moldes tradicionales de lo “normal” o lo “aceptable”. En lugar de ser un tema secundario, la sexualidad y las decisiones amorosas se presentan como algo central y fundamental para el desarrollo personal de los protagonistas.
La película, aunque se presenta con una estética melancólica y cargada de emociones complejas, también deja un espacio para la esperanza: el de la libertad de elegir, de experimentar y, finalmente, de ser uno mismo.
Straight no es solo una película que aborda un triángulo amoroso; es una reflexión sobre la identidad, la libertad emocional y las convenciones sociales que limitan nuestra capacidad de vivir el amor sin prejuicios. Aunque es probable que el público se divida en cuanto a sus opiniones sobre los personajes y el final, lo que está claro es que esta película se suma a una lista creciente de propuestas cinematográficas mexicanas que buscan visibilizar las realidades más complejas de la sociedad contemporánea, sin temor a romper con los estándares establecidos.
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