Explorando Caminos No Convencionales del Amor: Un Profundo Vistazo a Ossan’s Love

Ossan’s Love, un innovador drama televisivo gay y japonés producido por TV Asahi, ha labrado su propio espacio en el mundo del entretenimiento al adentrarse en el inexplorado territorio del amor entre hombres, o “boys’ love“.

Esta serie, conocida por su trama única y personajes carismáticos, presenta a los espectadores las complejidades del amor y las relaciones de una manera refrescantemente no convencional. Echemos un vistazo más de cerca al cautivador mundo de Ossan’s Love.

RELACIONADO: Diferencias entre el género BL (Boy’s Love) entre Japón y Thailandi

La historia gira en torno a Soichi Haruta, un trabajador de oficina de 33 años cuyos esfuerzos románticos han sido menos que exitosos.

Un día, su mundo da un giro inesperado cuando su jefe, Kurosawa, confiesa sus profundos sentimientos de amor por él.

La trama se complica cuando Haruta descubre que su compañero de trabajo y compañero de cuarto, Ryota Maki, también alberga sentimientos románticos hacia él. Atrapado en un triángulo amoroso, Haruta emprende un viaje de autodescubrimiento y navegación emocional.

Los personajes principales de “Ossan’s Love” aportan dimensiones fascinantes a la trama.

Soichi Haruta, interpretado por Kei Tanaka, encarna al protagonista, un soltero enfrentando desafíos románticos, quien se ve inesperadamente enredado en un intrigante triángulo amoroso. Kōtarō Yoshida da vida a Musashi Kurosawa, el jefe y gerente de Haruta, que confiesa audazmente sus sentimientos románticos, marcando el tono para la narrativa única de la serie. Por último, Kento Hayashi interpreta a Ryota Maki, el compañero de cuarto y colega protector de Haruta, cuyo amor añade una capa adicional de complejidad al apasionante drama romántico que se desenvuelve en la trama.

RELACIONADO: Boys Like Boys: Un programa taiwanés de citas QUEER que llega a Warner Bros

Ossan’s Love desafía las normas tradicionales y explora las complejidades de las relaciones no convencionales.

La serie no solo presenta una trama única dentro del género “boys’ love”, sino que también indaga en el crecimiento personal de los personajes y su aceptación de sus propias emociones. La narrativa equilibra hábilmente el humor y el corazón, convirtiéndola en una serie encantadora y reflexiva.

Como uno de los primeros dramas televisivos japoneses en aventurarse en el género “boys’ love”, Ossan’s Love ha desempeñado un papel crucial en expandir la diversidad de narrativas en la industria del entretenimiento japonesa. Ha cosechado una base de fanáticos dedicada y ha generado debates sobre la representación y la aceptación de diferentes formas de amor en los medios de comunicación convencionales.

Relacionado: Dentro del Campo, una película gay que explora un romance en el mundo del rugby

El éxito de Ossan’s Love se debe a las magníficas interpretaciones de su elenco quienes crean una dinámica creíble y atractiva en la pantalla. Su química aporta autenticidad a la montaña rusa emocional que se desarrolla a lo largo de la serie.

Ossan’s Love trasciende la pantalla de televisión, con su impacto alcanzando más allá de la serie original. El lanzamiento de la secuela cinematográfica, “Ossan’s Love: Love or Dead”, y la segunda temporada, “Ossan’s Love: In the Sky”, consolidan aún más la duradera popularidad de la serie y su capacidad para cautivar a la audiencia con su historia de amor no convencional.

RELACIONADO: El Repostero de Berlín: Una película queer de amor y pérdida

Ossan’s Love se erige como un testimonio del cambiante panorama de los dramas televisivos japoneses, desafiando límites y abrazando narrativas diversas.

Con su trama única, personajes bien construidos y temas que invitan a la reflexión, la serie ha dejado una marca indeleble en el mundo del entretenimiento, invitando a los espectadores a explorar la belleza y complejidad del amor en todas sus formas.

Ve también: Trémulo, un cortometraje mexicano con temática gay ganó varios premios (Corto completo aquí)

https://www.youtube.com/watch?v=E1ySCOiPrws

Joe Locke, conocido por su destacado papel como Charlie Spring en el aclamado drama de Netflix, Heartstopper, está listo para hacer su debut en Broadway el próximo mes en Sweeney Todd: The Demon Barber of Fleet Street.

El joven talento asumirá el papel de Tobias Ragg, el aprendiz de Sweeney Todd, en el Teatro Lunt-Fontanne a partir del 31 de enero.

Este emocionante anuncio fue hecho por los productores el 7 de diciembre, revelando que Joe dejará atrás los patios de la escuela Truham Grammar School para embarcarse en la icónica producción de Stephen Sondheim y Hugh Wheeler.

Relacionado: ¿Qué personaje eres de Heartstopper según tu signo zodiacal?

Junto a Locke, el elenco contará con las incorporaciones de Aaron Tveit y Sutton Foster, quienes se unirán como Sweeney Todd y Mrs. Lovett el 9 de febrero, sucediendo a los miembros originales del elenco, Josh Groban y Annaleigh Ashford, cuyas últimas actuaciones están programadas para el 14 de enero.

Joe compartió la emocionante noticia a través de Instagram, simplemente anunciando: “Nos vemos en Broadway el 31 de enero”. Las felicitaciones no tardaron en llegar, con compañeros de reparto de Heartstopper expresando su orgullo y entusiasmo.

Relacionado: Heartstopper: Esta es la razón por la que se cambió la historia de Nick Nelson

Esta incursión en Broadway no es la primera vez que Locke pisa un escenario.

Hizo su debut profesional en agosto pasado en la producción de Donmar Warehouse de The Trials de Dawn King, donde desempeñó el papel de uno de los 12 niños jurados encargados de determinar la culpabilidad en un caso de crímenes contra el medio ambiente.

Joe Locke saltó a la fama gracias a su interpretación destacada como Charlie Spring en Heartstopper, un drama de Netflix que ha cautivado a audiencias de todo el mundo. Aunque la tercera temporada de la serie ya está en producción desde el 2 de octubre, aún no se ha anunciado la fecha de lanzamiento.

RELACIONADO: Heartstopper tercera temporada: Todo lo que sabemos

Se confirmó la inclusión de Darragh Hand como nuevo miembro del elenco para la tercera temporada, pero los detalles completos del reparto aún no han sido revelados. Se espera el regreso de los personajes principales, incluyendo a Locke como Charlie, Kit Connor como Nick, y otros miembros del elenco que han contribuido al éxito continuo de la serie.

Aunque Sebastian Croft no regresará como Ben, la expareja tóxica de Charlie, la nueva temporada promete emociones y desarrollos intrigantes para los personajes queridos por los fanáticos de Heartstopper.

RELACIONADO: Creadora de Heartstopper dice que el personaje asexual se basa en su historia más personal

“Happy Together: Un Viaje Cinematográfico de Amor, Pérdida y Autoexploración”

“Happy Together”, dirigida por Wong Kar-wai en 1997, se erige como un hito en el mundo del cine, especialmente dentro del movimiento New Queer Cinema.

Protagonizada por Leslie Cheung y Tony Leung Chiu-Wai, la película explora las complejidades de un romance turbulento entre Ho Po-Wing y Lai Yiu-Fai, ofreciendo una narrativa conmovedora ambientada en Hong Kong y los paisajes cautivadores de Argentina. Este artículo profundiza en la aclamación crítica de la película, su impacto en el género LGBT y la cautivadora trama que captura la esencia del amor y la autoexploración.

Relacionado: Dentro del Campo, una película gay que explora un romance en el mundo del rugby

“Happy Together” obtuvo amplio reconocimiento, siendo nominada a la Palma de Oro y ganando el premio al Mejor Director en el Festival de Cine de Cannes de 1997.

Con el tiempo, su importancia ha crecido, como lo demuestra su inclusión en varias encuestas.

En 2022, aseguró el puesto 225 en la encuesta de críticos de Sight & Sound sobre las mejores películas de todos los tiempos.

Además, el British Film Institute lo clasificó como la tercera mejor película LGBT en 2016, mientras que la BBC lo reconoció como la 71ª mejor película en lengua extranjera en 2018.

Estos elogios subrayan el impacto rdurable de “Happy Together” en el cine mundial.

El título chino de la película, “春光乍洩”, lleva la expresión idiomática que sugiere “la exposición de algo íntimo”.

RELACIONADO: El Repostero de Berlín: Una película queer de amor y pérdida

Este título refleja adecuadamente la naturaleza de la relación de Ho Po-Wing y Lai Yiu-Fai, que se muestra sin reservas para que la audiencia lo presencie. La representación íntima de sus luchas y la exposición de sus vulnerabilidades contribuyen a la profundidad emocional de la película, conectando con los espectadores a un nivel personal.

Ubicada en el impresionante escenario de Argentina, la película sigue la relación tumultuosa de Ho Po-Wing y Lai Yiu-Fai. La pareja emprende un viaje que los lleva a las Cataratas del Iguazú, pero su amor se ve puesto a prueba por separaciones y reconciliaciones frecuentes. La narrativa explora temas de amor, pérdida y autoexploración mientras los personajes navegan por las complejidades de su relación en tierras extranjeras.

Leslie Cheung ofrece una actuación poderosa como Ho Po-Wing, un personaje que lleva una vida promiscua, mientras que Tony Leung Chiu-Wai interpreta a Lai Yiu-Fai, un hombre que lucha con la sospecha y los celos. Las dinámicas entre los personajes son palpables, evocando una gama de emociones en la audiencia mientras son testigos del flujo y reflujo de la relación de la pareja.

Ve también: Trémulo, un cortometraje mexicano con temática gay ganó varios premios (Corto completo aquí)

“Happy Together” sigue siendo una obra maestra cinematográfica que trasciende las fronteras culturales y lingüísticas.

La dirección de Wong Kar-wai, junto con las destacadas actuaciones de Leslie Cheung y Tony Leung Chiu-Wai, crea una exploración conmovedora del amor y la autoexploración. El reconocimiento perdurable de la película en diversas encuestas subraya su relevancia atemporal y consolida su lugar en el panteón de las grandes películas, especialmente dentro del ámbito del cine LGBT.

La película Happy Together está disponible en Amazon Prime.

Anne Hathaway y Emily Blunt Reviven la Magia de “El Diablo Viste a la Moda” en una nueva entrevista para Variety

En una reciente entrevista con Variety, Anne Hathaway y Emily Blunt, el dinámico dúo de la querida película de 2006 “El Diablo Viste a la Moda”, compartieron momentos sinceros, risas y reflexiones sobre su duradera amistad y exitosas carreras.

El par, que interpretó roles contrastantes en la comedia romántica de la oficina, se puso al día sobre sus respectivos caminos desde estrellas en ascenso hasta megastars.

Blunt, conocida por su impecable interpretación de la asistente imperiosa Emily, y Hathaway, cuyo encanto rizado como asistente junior Andrea cautivó a audiencias de todo el mundo, discutieron sus trayectorias desde estrellas en ascenso hasta ser super estrellas.

RELACIONADO: Nuevo thriller lésbico interpretado por Anne Hathaway y Thomasin McKenzie (TRÁILER)

Hathaway, aún maravillada por Blunt, reveló el momento en que la conoció por primera vez, describiéndolo como un encuentro con una “estrella de cine esparciendo polvo de estrellas”.

Blunt, por otro lado, recordó con cariño cómo Hathaway la trató como una igual a pesar de su estatus de enorme estrella de cine en ese momento.

La conversación se desplazó naturalmente hacia sus proyectos recientes.

Blunt, ofreciendo actuaciones destacadas en “Oppenheimer” de Christopher Nolan, y Hathaway, asumiendo el papel de una misteriosa psicóloga de prisión en “Eileen“, mostraron la evolución de sus habilidades actorales.

Ve también: Guía sexual que toda mujer que tiene sexo con otras mujeres debe leer

Compartiendo percepciones sobre trabajar con Nolan, Hathaway elogió el enfoque autoritario pero respetuoso del director. Blunt agregó sus observaciones, incluido el cambio literal en la apariencia de Nolan según su estado de ánimo.

La entrevista tocó el éxito de “Oppenheimer“, con Blunt expresando asombro por el triunfo inesperado del drama histórico de tres horas, que humorísticamente catalogó como una “película de terror, una historia de amor y un thriller de persecución”.

Cambiando de tema, las actrices se sumergieron en su colaboración reciente y discutieron los desafíos y la emoción de salir de sus zonas de confort. Blunt elogió la interpretación de Hathaway en “Eileen”, destacando su atracción feroz y calificando a su personaje como una “rara ave que hechiza a todos”.

Ve también:  Lista de pelis no tan comerciales con temática lésbica que podrías disfrutar

Para añadir un toque de nostalgia, el dúo revivió citas memorables de “El Diablo Viste a la Moda”, haciéndose reír con líneas icónicas y anécdotas detrás de cámaras.

La entrevista no solo mostró su crecimiento profesional sino también el vínculo genuino que ha perdurado durante 18 años.

En una industria a menudo marcada por conexiones efímeras, la duradera amistad entre Anne Hathaway y Emily Blunt es un testimonio de la magia creada en y fuera de la pantalla. Como fanáticos, solo podemos esperar más colaboraciones y entrevistas sinceras que brinden una visión de la dinámica encantadora entre estas dos talentosas actrices.

Puedes leer la entrevista completa aquí.

Quiz: ¿Qué tanto sabes sobre cultura lésbica?

Ve también: Visibilidad lésbica:  “No Pareces Lesbiana”

Explorando la Profundidad de la Identidad en “Mónica”

Dirigida por Andrea Pallaoro, “Mónica” es una obra cinematográfica que se adentra en las complejidades de la identidad y las conexiones familiares.

Esta producción, que se estrenó en 2022 y cuenta con la participación de Estados Unidos e Italia, se ha destacado en varios festivales de cine, incluyendo el Festival de Cine de Venecia y la Fiesta AFI, donde obtuvo el codiciado Premio ARCA CinemaGiovani a la Mejor Película Italiana en Venecia.

Ve también: Guía para respetar a personas trans y no binarias

La trama de “Mónica” se centra en una mujer transgénero distanciada que regresa a su hogar para visitar a su madre moribunda. A medida que la historia se desarrolla durante sus días en casa, la protagonista se ve obligada a enfrentar su pasado y, en última instancia, a encontrarse a sí misma.

El viaje emocional de esta mujer transgénero es una exploración íntima de la identidad, la aceptación y la conexión con las raíces.

Con una duración de 106 minutos, la película se sumerge en la profundidad de las relaciones familiares y cómo estas pueden influir en la construcción de la identidad de una persona.

Ve también: 7 cosas que jamás deberás decirle a una persona no binaria

La directora Andrea Pallaoro aborda con sensibilidad los desafíos que enfrenta la protagonista, creando un retrato auténtico y emotivo de su viaje personal.

El reconocimiento en festivales como el Festival Internacional de Cine de Karlovy Vary y el Festival Internacional de Cine de Chicago subraya la calidad y relevancia de “Mónica Remolque”. El Premio ARCA CinemaGiovani en Venecia resalta la excelencia de la película dentro del panorama cinematográfico italiano.

El filme invita a la reflexión sobre temas de identidad de género, aceptación y reconciliación familiar. La interpretación de los actores, así como la dirección cuidadosa de Pallaoro, contribuyen a la autenticidad y el impacto emocional de la película.

Si estás buscando una experiencia cinematográfica que aborde temas profundos con sensibilidad y honestidad, “Mónica” merece ser explorada.

Ve también: Queer, demigénero, género neutro y las diferencias entre identidades no-binarias

Su capacidad para conmover y provocar la reflexión la convierte en una obra destacada en el ámbito del cine contemporáneo.

Aquí está el tráiler de Mónica y la puedes ver en Amazon Prime Video, Vudu o Apple TV.

Ve también: 7 razones por las que no me gustó «La vida de Adèle» (Blue is the warmest color)

Explorando la Magia de “Una boda navideña en Nueva York (A New York Christmas Wedding)” de Netflix

La Navidad de 1999 marca el inicio de una historia cautivadora en “Una boda navideña en Nueva York (A New York Christmas Wedding)”, una película dirigida por Otoja Abit que nos sumerge en la mezcla de drama y romance.

Disponible en DVD y plataformas de streaming desde el 1 de noviembre de 2020, la película ofrece 88 minutos de intrigas emocionales y decisiones de vida.

El elenco encabezado por Nia Fairweather como Jennifer, Chris Noth como el sacerdote, Otoja Abit como David, y Adriano DeMeo como Gabby, crea un vínculo con los espectadores desde el principio. La trama se desenvuelve en torno a las complejidades de la amistad, el amor y las decisiones cruciales.

La historia se inicia con Jennifer y Gabby, mejores amigas en la escuela secundaria, enfrentando una disputa que cambiará sus vidas para siempre.

La comunicación fallida desencadena una serie de eventos, incluido un embarazo no planificado y trágico, llevando a Jennifer a las puertas de un matrimonio con David.

La madre dominante de David desencadena un giro inesperado cuando expulsa a Jennifer de la casa, desatando una serie de revelaciones. A través de flashbacks y experiencias alternativas, descubrimos que las dudas de Jennifer no solo se centran en la suegra controladora, sino también en los recuerdos de su primer amor lésbico con Gabby.

La narrativa da un giro fascinante con la introducción de Azrael, interpretado por Cooper Koch, el ángel guardián de Jennifer. Azrael transporta a Jennifer a universos alternativos, ofreciendo visiones de su vida con David y otra donde Gabby está viva, planeando una boda.

El punto culminante llega cuando el sacerdote, interpretado por Chris Noth, desafía las normas de la iglesia para casar a la pareja.

La película explora la complejidad de las decisiones y la búsqueda de la felicidad genuina.

El dilema de Jennifer entre dos vidas aparentemente perfectas plantea preguntas sobre el destino, la elección y la autenticidad.

La presencia de Azrael añade una capa de fantasía que eleva la película a un nivel metafórico, donde las decisiones de Jennifer no solo afectan su vida sino también su alma.

En “Una boda navideña en Nueva York”, Otoja Abit teje una narrativa que combina elementos festivos con la exploración profunda de la identidad y el amor.

La película invita a los espectadores a reflexionar sobre sus propias elecciones mientras disfrutan de una historia conmovedora y llena de giros sorprendentes. Con un elenco talentoso, una dirección hábil y un toque angelical, esta película de Netflix ofrece una experiencia cinematográfica única en la temporada navideña.

La película está en Netflix. O también la puedes ver aquí.

https://www.youtube.com/watch?v=0yvzC4d723s

Celebrando la Diversidad en Navidad: “Make the Yuletide Gay” (2009)

Make the Yuletide Gay, dirigida por Rob Williams y estrenada en 2009, es una película gay que abraza la diversidad y la esencia festiva de la Navidad.

Con una duración de 89 minutos, esta comedia romántica estadounidense se sumerge en el tema de la homosexualidad, la familia y el deseo de ser auténtico en medio de las festividades.

Relacionado: Dentro del Campo, una película gay que explora un romance en el mundo del rugby

La película cuenta con un elenco encabezado por Keith Jordan, Adamo Ruggiero, Hallee Hirsh, Kelly Keaton, Derek Long, Alison Arngrim, Ian Buchanan, Gates McFadden, Steve Callahan, Wyatt Fenner, Massimo Quagliano, Kevin F. Sherry y Jim Wharton. La música, que añade la melodía perfecta a la trama, fue compuesta por Austin Wintory, mientras que la fotografía estuvo a cargo de Ian McGlocklin. La producción corrió a cargo de Guest House Films.

La historia sigue a Olaf “Gunn” Gunnunderson, un estudiante abiertamente gay que decide volver al armario durante las vacaciones de Navidad para evitar tensiones familiares.

RELACIONADO: El Repostero de Berlín: Una película queer de amor y pérdida

Sin embargo, el giro llega cuando su novio, Nathan, aparece sorpresivamente en su hogar. Gunn se enfrenta a la tarea de mantener su relación en secreto, sumergiéndose en situaciones cómicas y a veces complicadas.

Con la presión constante y las risas que surgen de la situación, la pregunta persiste: ¿saldrá Gunn del armario antes de que se revele la verdad?

La película aborda temas contemporáneos como la aceptación, la autenticidad y la importancia de las relaciones familiares, todo ello envuelto en el espíritu navideño. La trama invita a reflexionar sobre la presión social y la búsqueda de la felicidad genuina, sin importar la orientación sexual.

Ve también: Trémulo, un cortometraje mexicano con temática gay ganó varios premios (Corto completo aquí)

Make the Yuletide Gay logra equilibrar hábilmente el humor con momentos más emotivos, creando una experiencia cinematográfica que atrae a una audiencia diversa. La película celebra el amor en todas sus formas y ofrece una representación refrescante de la diversidad en un contexto navideño.

En resumen, Make the Yuletide Gay es una propuesta cinematográfica que va más allá de los límites tradicionales, ofreciendo una perspectiva única sobre la homosexualidad y la importancia de ser auténtico, incluso durante las festividades. Con su encanto festivo y elenco talentoso, esta película se convierte en una opción ideal para quienes buscan una historia navideña que celebra la diversidad y el amor en todas sus formas.

#Quiz: ¿Podrás adivinar de qué peli son las siguientes escenas de cine gay?

Aquí te dejamos el tráiler de esta película:

O si de una vez la quieres ver toda, aquí te dejamos la película completa:

https://www.youtube.com/watch?v=LhmD58ahJs8+

Ya está por estrenarse la nueva película LGBTQ de Dan Levy: Good Grief

El debut cinematográfico como director de Dan Levy, Good Grief, promete ser una montaña rusa emocional que te hará reír a carcajadas y, al mismo tiempo, tocará tus fibras más sensibles.

En este primer vistazo, Levy nos sumerge en la historia de Marc, interpretado por él mismo, quien enfrenta la difícil tarea de superar la pérdida de su carismático esposo, encarnado por Luke Evans.

Relacionado: Dentro del Campo, una película gay que explora un romance en el mundo del rugby

El tráiler comienza con una reflexión profunda sobre el duelo y cómo el cerebro, cual músculo entrenado, lucha por liberarse de los lazos emocionales tras la partida de un ser querido. La elección de la emotiva canción de Phoebe Bridgers intensifica aún más la experiencia, preparándonos para un viaje lleno de risas, lágrimas y, sobre todo, autenticidad.

En Good Grief, el protagonista es acompañado por sus mejores amigos, Sophie (Ruth Negga) y Thomas (Himesh Patel).

Marc emprende un viaje a París en el primer aniversario de la muerte de su esposo. La película se convierte en una exploración de la amistad, la sanación y la búsqueda de la alegría en medio del dolor. Mientras Marc lucha por seguir adelante, sus amigos se convierten en anclas de recordatorios de que la vida continúa.

RELACIONADO: El Repostero de Berlín: Una película queer de amor y pérdida

En una entrevista con Entertainment Weekly, Levy comparte su deseo de explorar las complejidades de las relaciones de amistad a medida que envejecemos. Después de contar la historia de una familia en Schitt’s Creek, el director se sumerge en la narrativa de una familia encontrada y el amor que puede surgir en los lazos de la amistad.

Good Grief se estrenará en Netflix el 5 de enero, prometiendo una experiencia cinematográfica que va más allá de las lágrimas y las risas, adentrándose en la intimidad de las conexiones humanas. ¿Estás listo para este viaje emocional?

Ve también: Trémulo, un cortometraje mexicano con temática gay ganó varios premios (Corto completo aquí)

https://www.youtube.com/watch?v=bR_MPXTaEZw&embeds_referring_euri=https%3A%2F%2Fwww.out.com%2Ffilm%2Fgood-grief-dan-levy-trailer&source_ve_path=MjM4NTE&feature=emb_title

Monster: Explorando la Oscuridad detrás de la Inocencia

Premiada en el Festival de Cannes y excluida de la competencia del Oscar, la película del director Hirokazu Kore-eda plantea el despertar sexual de dos adolescentes en una sociedad hermética

“Monster” (怪物 – Kaibutsu), la película dramática japonesa de 2023 dirigida y editada por Hirokazu Kore-eda, nos sumerge en una historia impactante de confrontación y descubrimiento. Con un guion escrito por Yuji Sakamoto, la película presenta a Sakura Andō en el papel de Saori Mugino, una madre que se enfrenta a un maestro después de notar cambios perturbadores en el comportamiento de su hijo.

Este proyecto cinematográfico es significativo no solo por su narrativa intensa sino también por ser la primera vez que Kore-eda dirige una película que no escribió desde “Maborosi” en 1995. Además, “Monster” lleva consigo el peso emocional de ser la última obra musical del aclamado Ryuichi Sakamoto, quien falleció dos meses antes de su estreno; la película está dedicada a su memoria.

“Monster” tuvo su estreno mundial en el 76º Festival de Cine de Cannes el 17 de mayo de 2023, compitiendo por la Palma de Oro y siendo honrada con la Queer Palm, así como el premio al Mejor Guión.

La película llegó a las pantallas japonesas el 2 de junio de 2023.

La trama se desenvuelve cuando el joven hijo de Saori, Minato, comienza a mostrar un comportamiento inquietante, alertando a su madre de que algo no está bien. Al descubrir que un maestro es responsable de estos cambios, Saori irrumpe en la escuela exigiendo respuestas. Sin embargo, la verdad no tarda en revelarse a medida que la historia se desenvuelve desde la perspectiva de la madre, el maestro y el niño.

El elenco encabezado por Sakura Andō brinda una interpretación conmovedora, sumergiéndonos en la angustia y la determinación de una madre decidida a descubrir la verdad detrás de la transformación de su hijo.

“Monster” no solo destaca por su narrativa envolvente, sino también por abordar temas profundos que exploran las complejidades de la relación entre padres, maestros y niños. La película invita a la audiencia a reflexionar sobre la vulnerabilidad de la infancia y la lucha de una madre por proteger a su hijo.

En resumen, “Monster” no solo es un thriller psicológico cautivador, sino también un tributo conmovedor a la colaboración creativa y un legado musical perdurable.

¿Qué dice la crítica sobre la película LGBTQ Monster?

“Monster” no solo cautiva a la audiencia con su poderosa narrativa, sino que también recibe elogios entusiastas por parte de la crítica especializada.

En el sitio web Rotten Tomatoes, la película ostenta un impresionante índice de aprobación del 97%, basado en 86 reseñas de críticos con una calificación promedio de 7.9/10. El consenso de los críticos en el sitio destaca que “Gentilmente devastadora en su compasión, Monster es una obra maestra de perspectivas cambiantes que sorprende hasta el final.”

Metacritic, que utiliza un promedio ponderado, le otorga una puntuación de 82 sobre 100, basada en 28 críticos, indicando reseñas “generalmente favorables”.

Tras el estreno de la película en Cannes, Peter Bradshaw de The Guardian le otorgó 4 de 5 estrellas, calificándola como “una película creada con una gran inteligencia moral y humanidad”. Namrata Joshi de The New Indian Express y Alissa Wilkinson de Vox elogian la maestría de Kore-eda en dirigir actuaciones infantiles, sugiriendo que este enfoque puede haber revitalizado al director.

Estas reseñas resaltan la capacidad de “Monster” para conmover y sorprender, estableciéndola como una obra maestra cinematográfica que no solo cautiva con su historia, sino que también deja una huella duradera en la memoria de la audiencia y la crítica.

https://www.youtube.com/watch?v=LQmEBduu07I&pp=ygUMbW9uc3RlciAyMDIz

Sale el primer tráiler oficial de la película de amor gay tan esperada: “Aristóteles y Dante”

Reese Gonzales y Max Pelayo llegan a la pantalla grande en ‘Aristóteles y Dante descubren los secretos del universo’.

La próxima adaptación de acción en vivo de Aristóteles y Dante Descubre los secretos del universo te hará recordar lo que se siente ser un adolescente enamorado.

RELACIONADO: Aristóteles y Dante, una película gay basada en el libro del mismo nombre

El tráiler de la próxima película queer sobre la mayoría de edad, Aristóteles y Dante, Descubre los secretos del universo, se lanzó ayer, el día del orgullo LGBTQ y nos hace recordar nuestra juventud malgastada.

Basada en una popular novela para adultos jóvenes del mismo nombre del autor gay Benjamin Alire Saenz, la película explora el punto en la adolescencia cuando la línea entre la amistad y el amor romántico comienza a desdibujarse, una experiencia que puede ser aún más difícil de transitar cuando estás tratando de entender tu propia sexualidad al mismo tiempo.

Esta película se centra en dos adolescentes mexicano-estadounidenses en El Paso, Texas en 1987. Max Pelayo interpreta a Aristóteles Mendoza, de 15 años, cuya vida aislada cambia un verano cuando conoce al espíritu libre Dante Quintana, interpretado por Reese Gonzales.

La película, también protagonizada por Eva Longoria, fue escrita y dirigida por Aitch Alberto (marcando su debut como directora), y fue producida por Lin-Manuel Miranda a través de su compañía 5000 Broadway Productions. El creador de Hamilton, quien se unió a la película luego de que Alberto se acercara a través de las redes sociales, también narró la versión en audiolibro de la novela de Sáenz.

RELACIONADO: 20 ilustraciones de Aristóteles y Dante que querrás de fondo de pantalla

El tráiler muestra a los dos haciéndose amigos rápidamente, conociendo a las familias del otro, corriendo en ropa interior bajo la lluvia y luego pasando por un dolor de corazón cuando Aristóteles tiene que mudarse por un año.

En la película, Dante pone patas arriba el mundo de Aristóteles, presentándole “música, poesía y lecciones sobre el cielo”, según un comunicado. Dante expande el mundo de Aristóteles y rompe lentamente su “fachada de aislamiento que lo ha protegido durante tanto tiempo”. Pero todo esto se ve desafiado cuando los dos se separan y comienzan a cuestionar su sexualidad.

El tráiler se ha lanzado y la película se estrenó en los cines de Estados Unidos el 8 de septiembre y sale el 21 de diciembre en cines de México y Latinoamérica

“Esta película va a ser espectacular, ya puedo decirlo”, escribió un fanático. “Creo que Reese y Max se robaron el espectáculo. Dieron vida a Ari y Dante de las maneras más hermosas”.

“¡Mi pequeño y angustiado corazón adolescente está abrumado!” comentó otra persona. “Esta historia significa mucho para tantos, ¡es increíble!”

 Aquí el tráiler:

Explorando el sutil encanto de “El Repostero de Berlín (The Cakemaker)”: Un relato de amor y pérdida

Dirigida por Ofir Raul Grazier y protagonizada por Sarah Adler, Tim Kalkhof, Zohar Strauss y Roy Miller, “El Repostero de Berlín (The Cakemaker)” cautiva con su relato íntimo y conmovedor.

Este filme, estrenado en el 52.º Festival Internacional de Cine de Karlovy Vary, ha dejado una huella con su narrativa cuidadosamente construida.

Relacionado: Dentro del Campo, una película gay que explora un romance en el mundo del rugby

Ganadora del Premio del Jurado Ecuménico y del Premio Ophir 2018 a la mejor película, “The Cakemaker” se alzó como la candidata israelí para la categoría de mejor película de lengua extranjera en los Premios Óscar de la 91.ª edición, aunque no logró la nominación.

La trama sigue a Thomas, un joven panadero alemán solitario, cuya vida da un giro cuando se enamora de Oren, un israelí casado que visita Berlín por negocios.

Cuando la vida toma un giro trágico con la repentina muerte de Oren, Thomas viaja a Jerusalén en busca de respuestas.

Ve también: Esta serie tiene una escena en la que un personaje viaja en el tiempo y tiene sexo consigo mismo (VIDEO)

La película se desarrolla en el café de Anat, la viuda de Oren, donde Thomas encuentra trabajo sin revelar su conexión con el difunto.

A través de la habilidad de Graizer para explorar las complejidades de las relaciones, la película teje una trama que va más allá de la superficie de un romance prohibido. La delicadeza y la contención con las que se abordan temas como la identidad sexual y la pérdida revelan la maestría del director.

La narrativa, rica en matices, se sumerge en la vida contemporánea israelí y en la interacción entre culturas, marcando así su relevancia en el ámbito internacional del cine.

La película destaca por su enfoque sutil y directo en la sexualidad y la identidad sexual, alejándose de los estereotipos.

Ve también: Las 10 películas con temática gay más tristes que tienes que ver

Graizer permite que el deseo fluya de manera fluida y compleja, conectándolo con otras emociones y problemas de la vida. Esta reticencia cuidadosa envuelve al espectador en la historia, invitándolo a reflexionar sobre la naturaleza humana y las relaciones.

El filme también se destaca por sus actuaciones, especialmente la de Tim Kalkhof, cuya interpretación de Thomas es notable por su presencia creíble y su misteriosa distancia. La película se sumerge en la vida de Anat y su familia, explorando las tensiones entre lo religioso y lo secular, y las diferentes formas en que los israelíes reciben a un alemán en su comunidad.

A medida que la trama se desarrolla, Thomas enfrenta desafíos en la cafetería de Anat, desentrañando verdades ocultas y enfrentándose a la complejidad de las emociones humanas. La culpa y el dolor emergen a medida que los personajes descubren secretos y luchan con su propio viaje emocional.

Ve también: Trémulo, un cortometraje mexicano con temática gay ganó varios premios (Corto completo aquí)

En última instancia, “The Cakemaker” se revela como una obra maestra que equilibra la belleza cinematográfica con una narrativa reflexiva0 La película invita al público a explorar la profundidad de las relaciones humanas y los caminos que se abren después de la tragedia.

La magistral dirección de Ofir Raul Grazier establece un estándar elevado para futuros proyectos, consolidando su posición como un talento a tener en cuenta en el cine internacional.

Ve también: 11 películas gays que NO tienen el típico final triste

 Noche Blancas (Let It Snow): La película navideña de Netflix que rompe moldes en el amor

La película navideña de Netflix, Noches Blancas (Let It Snow), cautiva a la audiencia con una historia de amor inusual.

Adaptada del libro más vendido de John Green, Maureen Johnson y Lauren Myracle, la película sigue a un grupo de estudiantes de último año de secundaria cuyas amistades y vidas amorosas se entrelazan de manera única después de que una tormenta de nieve azota su pequeño pueblo en Nochebuena.

Netflix promete una experiencia festiva inolvidable con elementos intrigantes como una estrella del pop varada, un barril robado, un equipo de bailarines competitivos, una misteriosa mujer cubierta con papel de aluminio y una fiesta épica en el Waffle Town local.

La sinopsis de la película ofrece un vistazo tentador a las diversas tramas que se desarrollarán durante la Navidad.

El elenco estelar incluye a Isabela Merced, Shameik Moore, Odeya Rush, Mitchell Hope, Kiernan Shipka, Jacob Batalon y Joan Cusack. Sin embargo, lo que hace que Let It Snow sea aún más especial es la inclusión de un romance entre personas del mismo sexo, interpretado por Liv Hewson y la estrella de YouTube Anna Akana.

Lo que es aún más notable es que ambxs actorxs son queer en la vida real, con Liv identificándose como no binaria y gay, mientras que Anna es bisexual.

El tráiler revela un emocionante diálogo del personaje de Liv que resuena con la autenticidad del amor:

“Esa chica y yo teníamos algo. ¿Alguna vez has estado con alguien y te quedas despierto hasta las 4 de la mañana hablando de todo y dices: No puedo creer que pueda existir al mismo tiempo que tú?”

Hablando sobre la película, Liv compartió con GayStarNews: “Hay varias historias de amor e historias navideñas diferentes, y puedo interpretar a una lesbiana, lo cual es genial. ¡Las lesbianas también celebran la Navidad!”

Con Let It Snow, Netflix no solo ofrece una película navideña encantadora, sino que también destaca la importancia de representar diversas formas de amor y celebrar la diversidad durante la temporada festiva.

https://www.youtube.com/watch?v=AAZLc8_3gqs

Dentro del Campo (In From the Side) – Un romance en el mundo del rugby que explora los bordes de una relación

Dentro del Campo (In From the Side), un drama deportivo romántico financiado a través de Kickstarter y creado con u n modesto presupuesto de alrededor de $60,000, se presenta como una producción bien ejecutada en términos de cinematografía, actuación y montaje.

La película, dirigida, filmada, editada y coescrita por el versátil cineasta británico Matt Carter, se sumerge en una historia apasionante de amor y deseo entre dos jugadores de un equipo de rugby gay, los South London Stags.

RELACIONADO: Sale el primer tráiler oficial del drama gay “Compañeros Viajeros” (VIDEO)

A pesar de su atractivo y la falta de clichés, la narrativa se ve lastrada por un examen superficial de la monogamia y la lealtad, lo que impide una conexión más profunda con los protagonistas, Mark (Alexander Lincoln) y Warren (Alexander King).

Ve también: Esta serie tiene una escena en la que un personaje viaja en el tiempo y tiene sexo consigo mismo (VIDEO)

Según la sinopsis, después de un encuentro de copas, dos hombres igualmente apegados de un club de rugby gay dividido y con problemas de liquidez, sin saberlo, caminan sonámbulos hacia una aventura adúltera, pero deben ocultar sus crecientes sentimientos o arriesgarse a destruir el club que aman.

El encuentro apasionado entre los dos jugadores, a pesar de ser convincente, desencadena una serie de complicaciones cuando se revelan relaciones previas con otros miembros del equipo.

El filme aborda la falta de compromiso romántico y explora la relación clandestina de Mark y Warren, pero se queda corto al no profundizar lo suficiente en los desafíos de la monogamia y la lealtad.

Ve también: 11 películas gays que NO tienen el típico final triste

La película destaca por su falta de clichés y su presentación auténtica del rugby, capturando la intensidad y la emoción del deporte. Sin embargo, algunos personajes secundarios se presentan de manera superficial, y la trama sobre los problemas económicos del equipo B se siente desconectada del romance central.

A pesar de estos desafíos, “In From the Side” tiene momentos conmovedores y destaca por su estética visual, especialmente en las escenas de rugby que son capturadas con vigor y emoción.

El título críptico, que se refiere a un movimiento ilegal de rugby y a la intervención de terceros en una relación, agrega una capa adicional de complejidad a la trama.

Ve también: 12 pelis con temática gay o bisexual 

En resumen, la película ofrece una experiencia visual y emocional atractiva, pero su enfoque superficial de los problemas de la relación impide que alcance su máximo potencial.

Con una mirada más profunda a los matices de la monogamia y una edición más ajustada, “In From the Side” podría haber sido una exploración más convincente y reflexiva de las complejidades del amor y la lealtad en el contexto del mundo del rugby.

La puedes ver actualmente en Amazon Prime. Aquí te dejamos el tráiler:

Ve también: Trémulo, un cortometraje mexicano con temática gay ganó varios premios (Corto completo aquí)

La estrella de Disney Karan Brar sale del clóset como bisexual y aborda la salud mental

El ex actor de Disney, Karan Brar, ha decidido compartir un capítulo importante de su vida al revelar su bisexualidad en un sincero ensayo para Teen Vogue, donde también aborda temas cruciales relacionados con la salud mental y la búsqueda de ayuda.

En su conmovedor relato, Brar explora su experiencia al mudarse de la casa de sus padres, un paso significativo que, como indoamericano, le generó ciertas dificultades. Este proceso fue el catalizador que lo llevó a sincerarse sobre su orientación sexual con sus amigos más cercanos.

Conocido por su papel protagónico como Chirag Gupta en Diary of a Wimpy Kid y la serie Jessie de Disney, Brar ha dejado una marca en el mundo del entretenimiento.

En su escrito, comparte cómo su vida cambió al trasladarse con sus compañeros actores Cameron Boyce y Sophie Reynolds en 2019, permitiéndole integrar las facetas pública y privada de su identidad.

El actor recuerda una noche en la que, bajo la influencia del alcohol, reveló su bisexualidad a sus compañeros de cuarto, temiendo que esta confesión alterara irreversiblemente su percepción de él.

“En el momento en que esas palabras salieron de mi boca, las lamenté. Apenas podía ver recto, pero aún así intenté controlar el daño”, escribió.

Brar ofreció mudarse, pero sus amigos lo interrumpieron abrazándolo por detrás. Aunque temía que su bisexualidad cambiara la dinámica de su amistad, recibió un apoyo inquebrantable.

Lamentablemente, la vida tomó un giro trágico con la muerte de Cameron Boyce debido a complicaciones de la epilepsia.

Este suceso, junto con otros factores estresantes, afectó la salud mental de Brar, llevándolo a contemplar el suicidio. Afortunadamente, buscó ayuda y se admitió en un centro de tratamiento, recibiendo un diagnóstico de Trastorno de Estrés Postraumático (TEPT) y Trastorno Depresivo Mayor.

Hoy, tres años después, Karan Brar comparte su trayectoria hacia la recuperación y destaca la importancia de abordar la salud mental.

Su historia es un recordatorio de la resiliencia humana y la necesidad de apoyar a quienes enfrentan desafíos similares.

“Saltburn” la película queer que muestra la línea entre el alamour y la realidad de la clase alta

En el resplandor del debut cinematográfico de “Saltburn“, las críticas están desentrañando la fachada brillante de la película, revelando una narrativa que rodea los aspectos más oscuros de las clases altas.

Ten cuidado con continuar leyendo si no te quieres spoilear.

La película dirigida por Emerald Fennell ha enfrentado críticas, especialmente en el Reino Unido, por su retrato del estudiante becado Oliver Quick como un artista estafador vampírico interpretado por Jacob Elordi, yuxtapuesto con el aparentemente bondadoso y sincero Felix Catton, interpretado por Barry Keoghan.

Surge la pregunta: ¿”Saltburn” blanquea la verdad fea sobre las clases altas?

RELACIONADO: Sale el primer tráiler oficial del drama gay “Compañeros Viajeros” (VIDEO)

A pesar de su impresionante cinematografía, humor e inesperados giros, la película ha sido acusada de no exponer completamente el lado menos agradable de la aristocracia.

El trasfondo de Fennell, siendo hija del joyero de la sociedad Theo Fennell, añade una capa de complejidad a la crítica. Como parte de un conjunto social élite en Oxford, la lente de Fennell puede suavizar inadvertidamente los bordes ásperos de la clase alta.

“Saltburn” retrata un tribalismo que reconoce las distinciones de clase sin adentrarse en el sentido de pertenencia que define a las altas esferas.

La película pierde la oportunidad de examinar los comportamientos privilegiados que la sociedad “normal” no toleraría, como se ve en obras como “The Riot Club” o “Decline and Fall” de Evelyn Waugh. En cambio, la clase alta se presenta como sensata, un escudo contra amenazas percibidas.

RELACIONADO: “Compañeros de viaje”: Desde el fetiche de pies, el director buscaba “abrazar la expresión del sexo gay”

En el paradigma de “Saltburn”, las clases medias son retratadas como depredadoras, mientras que la promiscuidad de Felix es la peor ofensa. La conducta depredadora prevalente en círculos privilegiados en Oxford queda en gran medida sin explorar.

Aunque se promociona como sucesora de “Brideshead Revisited” de Waugh, la representación de Fennell carece de la escrupulosidad para mostrar tanto la crueldad como la absurdidad dentro de las clases altas.

Waugh diseccionó sus complejidades, mientras que “Saltburn” solo muestra la última, presentando las pullas de Elspeth con suficiente ingenio para encantar a la audiencia.

RELACIONADO: Director de la serie gay “Compañeros de viaje” explica cómo fueron las escenas sexuales

Según el sitio Variety, se sentía una mezcla de fascinación y repulsión hacia las clases altas.”Saltburn” roza esta dinámica pero se detiene antes de una exploración más profunda.

La vacilación de la película para exponer completamente las realidades más oscuras del privilegio plantea preguntas sobre si es una omisión calculada o una consecuencia no intencionada del trasfondo de Fennell.

Al final, “Saltburn” refleja la exclusividad selectiva que se encuentra en los círculos de la alta sociedad en Oxford: un mundo de invitaciones con relieve plateado y el recordatorio perpetuo de quién está y quién no está invitado al gran espectáculo.

Te dejamos el tráiler de esta película queer.

Próximamente en cines y disponible en Amazon Prime a partir del 22 de diciembre:

RELACIONADO: Matt Bomer y Jonathan Bailey tuvieron conexión instantánea en “Compañeros de Viaje”

“The Marvels” Concluye su Recaudación con la Menor Cifra en la Historia del MCU

La secuela de superhéroes “The Marvels” ha dejado su marca en la historia del Universo Cinematográfico de Marvel (MCU) al convertirse en la película de menor recaudación en la franquicia.

Después de cuatro semanas en cartelera, la película ha logrado solo 80 millones de dólares en Norteamérica y 197 millones de dólares a nivel mundial, marcando un inusual tropiezo para la exitosa franquicia.

La decepcionante actuación para muchas personas ha llevado a Disney a dejar de informar los resultados de taquilla de “The Marvels”, indicando que no espera una recuperación significativa durante la temporada navideña.

A pesar de que la película aún se proyecta en cines y se espera que alcance su presupuesto de más de 220 millones de dólares para el Año Nuevo, el estudio ha dado señales de no anticipar ingresos notables durante el resto de diciembre.

El filme, dirigido por Nia DaCosta, presenta a Brie Larson como Capitana Marvel, junto a Teyonah Parris como Monica Rambeau e Iman Vellani como Ms. Marvel.

A pesar de la expectación inicial, “The Marvels” tuvo un decepcionante estreno de 46 millones de dólares a nivel nacional, convirtiéndose en el peor debut en la historia del MCU.

Las ventas de entradas sufrieron una caída del 78% en su segundo fin de semana, estableciendo otro récord negativo.

La película ha luchado por superar los 100 millones de dólares en la taquilla nacional, marcando la primera vez que una película de Marvel no logra alcanzar esta cifra.

Comparada con su predecesora, “Capitana Marvel” (2019), que debutó con 153 millones de dólares y recaudó 1.130 millones de dólares en todo el mundo, “The Marvels” ha quedado a la zaga.

El CEO de Disney, Bob Iger, sugirió que las restricciones de producción relacionadas con la pandemia impactaron el resultado final de la película, indicando que la falta de supervisión en el set durante el rodaje pudo haber contribuido al rendimiento decepcionante.

El desempeño de “The Marvels” plantea preguntas sobre la fatiga de los superhéroes y la capacidad de la marca Marvel para atraer a las audiencias.

Aunque aún hay varias películas de MCU en desarrollo, incluida “Deadpool 3” para 2024, Disney podría necesitar reconsiderar la estrategia para mantener el atractivo de sus héroes en la pantalla grande.

El reciente retraso de varias películas, incluyendo “Capitán América: Un mundo feliz” y “Blade”, hasta 2025, indica que el estudio está ajustando su enfoque ante los desafíos actuales en la industria cinematográfica.

https://www.youtube.com/watch?v=_8ylSrn3SJY&pp=ygUGbWFydmVs

Bella Ramsey, conocida por su destacada actuación en The Last of Us y otras producciones, ha expresado su deseo de explorar el lado oscuro al interpretar al Joker.

Bella Ramsey es una persona no binaria y está cómoda con cualquier pronombre, ya sea “elle, ella o él”.

A pesar de haber encarnado principalmente roles de héroes o personajes afines al “lado bueno”, Ramsey reveló en una entrevista con LADbible su anhelo de sumergirse en el papel de un villano complejo y fascinante.

Ve también: Queer, demigénero, género neutro y las diferencias entre identidades no-binarias

“En realidad todavía no he interpretado a un villano. Entonces quiero hacer de malo. Pero como un villano realmente interesante, intrincado y complejo”, explicó.

Cuando el entrevistador sugirió al Joker como un personaje potencial para interpretar, el querido talento rápidamente estuvo de acuerdo y dijo: “Sí, en realidad yo también estaba pensando en eso. El Joker, alguien así realmente interesante”.

Cuando se le sugirió el Joker como un posible personaje para interpretar, Ramsey estuvo de acuerdo, expresando su interés en explorar la complejidad del icónico villano.

Además, mencionó que también estaría intrigada por interpretar a un personaje villano como Hannibal Lecter.

Ver también: ¿La pansexualidad es bifóbica? Bisexual y pansexual, ambos existen y son válidos

A lo largo de los años, diversos actores han asumido el desafío de dar vida al Joker, desde Jack Nicholson y Heath Ledger hasta Joaquin Phoenix en la película dirigida por Todd Phillips. Ramsey, al manifestar su interés en el papel, se une a una lista de talentosos intérpretes que han dejado su huella en el enigmático villano de Gotham.

En 2019, Joaquin Phoenix asumió el desafiante papel en la película “Joker”, bajo la dirección de Todd Phillips.

El renombrado actor de “Napoleón” está listo para retomar su caracterización en “Joker: Folie à Deux”, donde compartirá pantalla con Lady Gaga, quien encarnará a Harley Quinn.

En el mes de marzo, los seguidores quedaron asombrados con filtraciones que capturaban a la icónica estrella de la música grabando una escena como el famoso personaje. En estos videos virales, se observa a Gaga ascendiendo las escaleras de la Corte Suprema del Condado de Nueva York para sorprender con un beso a una transeúnte anónima. Esta portaba un periódico con imágenes de Harley Quinn en la portada, bajo el titular “Locamente enamorado”.

Ver también: Soy pansexual: 11 cosas que tienes que saber sobre mí

El rostro del protagonista también adorna el periódico con un subtítulo que proclama: “Joker tiene un nuevo amor”. Joaquin Phoenix fue avistado en el set, interpretando nuevamente al Joker/Arthur Fleck.

De acuerdo con los detectives de las redes sociales, la transeúnte exclama “vas al infierno” antes de que Gaga la bese y le diga: “Ahora ambos vamos al infierno”.

Mientras esperamos ver si Bella Ramsey materializa su deseo de interpretar al Joker, su versatilidad actoral promete agregar un toque único a cualquier personaje que elija abordar en el futuro.

Billie Eilish experimentó una pérdida de 100.000 seguidores tras compartir abiertamente detalles sobre su orientación sexual.

Ve también: 11 consejos útiles para ‘salir del clóset’ #LGBT

La artista ganadora del Grammy ha estado gradualmente compartiendo aspectos más personales de su vida, revelando su atracción hacia las mujeres en una entrevista con Variety el 13 de noviembre.

A pesar de su reconocimiento mundial y éxito con canciones como “Ocean Eyes”, parece que su sinceridad le costó la pérdida de 100.000 seguidores en Instagram.

Durante la entrevista para la edición Power of Women de Variety, Billie admitió sus dificultades para conectar con mujeres en el pasado, expresando su amor y atracción genuina hacia ellas.

Aunque la artista ha visto disminuir su base de seguidores a seis cifras, aún cuenta con un sólido respaldo de 110.200.603 seguidores hasta el 3 de diciembre.

A pesar de esta pérdida significativa, la cantante reafirmó su salida del clóset durante el evento Hitmakers de Variety, respondiendo con un tono de sorpresa a la pregunta sobre sus intenciones de hacerlo.

Billie expresó su deseo de simplemente existir y celebró el hecho de que más personas ahora conocen su autenticidad.

Ve también: ¿Cómo salir de Narnia sin perder el imperio? Tips para salir del clóset

Aunque 100.000 seguidores pueden parecer una cantidad considerable, algunos podrían argumentar que estos no eran auténticos fanáticos de Billie Eilish desde el principio, y su partida podría interpretarse como una purificación natural de su base de seguidores.

Esta no es la primera vez que la cantante experimenta una pérdida masiva de seguidores en poco tiempo.

Hace dos años, perdió 100.000 seguidores debido a una sesión fotográfica para Vogue británica, donde llevaba un corsé, revelando la superficialidad de algunos seguidores.

En última instancia, a pesar de los altibajos en su número de seguidores, Billie Eilish permanece fuerte en Instagram con 110 millones de seguidores, quienes la respaldan sin importar su orientación sexual o cualquier controversia pasada, demostrando que su autenticidad y talento siguen siendo apreciados.

RELACIONADO: Nadie tiene el derecho de sacar del clóset a otra persona.

https://www.youtube.com/watch?v=vbPgBL7h76A&pp=ygUGYmlsbGll

Billie Eilish ha confirmado que recientemente salió del clóset en su artículo de portada de Variety Power of Women, en el que reveló por primera vez su atracción por las mujeres.

En la alfombra roja del evento Hitmakers de Variety, Eilish compartió que no tenía la intención de hacer un gran gesto de “salir del clóset” y, de hecho, se sorprendió por la reacción del público a sus comentarios.

“Pensé, ¿no era obvio? No me di cuenta de que la gente no lo sabía. Realmente no creo en eso. Me pregunto: ¿por qué no podemos simplemente existir? He estado haciendo esto durante mucho tiempo y simplemente no hablé de ello”.

Ve también: ¿Cómo salir de Narnia sin perder el imperio? Tips para salir del clóset

En el perfil de noviembre, Eilish habló por primera vez sobre sus sentimientos por las mujeres y le dijo a Katcy Stephan de Variety: “Nunca sentí que pudiera relacionarme muy bien con las chicas. Las amo mucho. Las amo como personas. Me atraen como personas. Me atraen de verdad”.

“Tengo conexiones profundas con las mujeres de mi vida, las amigas de mi vida, la familia de mi vida”, continuó. “Me siento físicamente atraída por ellas. Pero también me intimidan mucho ellas, su belleza y su presencia”.

RELACIONADO: Nadie tiene el derecho de sacar del clóset a otra persona.

En el evento Hitmakers, donde la cantante será honrada con el premio a la Canción de Película del Año junto a su hermano Finneas, Tiana DeNicola de Variety también preguntó si su perspectiva sobre lo que otras mujeres sienten por ella ha cambiado después del lanzamiento de la historia.

Eilish respondió: “Todavía les tengo miedo, ¡pero creo que son bonitas!”

Eilish aparecerá en Hitmakers con su canción “What Was I Made For?”, que aparece de manera destacada en el éxito de taquilla “Barbie” de Greta Gerwig.

Ver también: 5 animes con temática LGBT que no te puedes perder

Nos encanta ver crecer a la hermosa familia de Anthony Rapp

Anthony Rapp, la estrella de Rent y Star Trek: Discovery, y su pareja Ken Ithiphol son nuevos y orgullosos padres al anunciar el nacimiento de su segundo hijo, Keony Lee Ithiphol.

“Conoce a la nueva incorporación a nuestra familia: Keony Lee Ithiphol. Nació el sábado 25 de noviembre de 2023 (pronunciación: kee-OH-knee)”, escribió en Instagram.

Ve también: ¿Cómo salir de Narnia sin perder el imperio? Tips para salir del clóset

“Estamos más que agradecidos de que nuestro viaje de gestación subrogada nos haya permitido conocer a personas maravillosas y nos haya ayudado a convertirnos en una familia de cuatro”.

Rapp e Ithiphol, que están juntos desde 2016 y se comprometieron en 2019, dieron la bienvenida a su primer bebé varón (a través de gestación subrogada) el año pasado en esta época.

Rai Larson Ithiphol nació el viernes 2 de diciembre de 2022, así que el final de noviembre/principios de diciembre está a punto de convertirse en la época más ocupada del año para esta feliz familia.

“¡Ken y yo estamos emocionados de compartir que nuestra familia ha crecido!” Rapp escribió en Instagram en el nacimiento de su primer hijo.

Ver también: 5 animes con temática LGBT que no te puedes perder

“Nuestro hijo, Rai Larson Ithiphol, llegó al mundo el viernes 2 de diciembre de 2022, gracias a una generosa gestante, a quien estamos eternamente agradecidos”.

El nacimiento de Rai ocurrió solo dos meses después de que el caso judicial de Rapp contra Kevin Spacey por presunto acoso sexual llegara a su fin, y Rapp dice que el nacimiento fue una nueva oportunidad para él.

“Para cerrar realmente el capítulo de [la demanda contra Spacey] y hacerlo sabiendo que Rai venía… decir que esto fue una luz al final del túnel es quedarse corto”, dijo Rapp a People en ese momento.

Ahora, tiene aún más luz en su vida. Estamos muy felices por ver el nacimiento de un nuevo integrante en la familia de Rapp.

RELACIONADO: Nadie tiene el derecho de sacar del clóset a otra persona.