Yossi (2012), dirigida por Eytan Fox, es la secuela de la exitosa Yossi & Jagger (2002), una de las películas más emblemáticas del cine israelí que retrata el amor en un contexto de tensión y conflicto. Con una duración de solo 81 minutos, esta entrega nos sumerge nuevamente en la vida de Yossi, un personaje que, tras la pérdida de su pareja, lucha por sanar y encontrar la paz emocional.

La trama se desarrolla varios años después de los eventos ocurridos en la primera película, mostrando a un Yossi (interpretado por Ohad Knoller) atrapado en su dolor y soledad. A lo largo de Yossi, el protagonista se enfrenta a su pasado, que lo persigue y le impide avanzar. Cuando una serie de eventos lo lleva a emprender un viaje, acompañado por varios soldados, comienza a buscar no solo un destino físico, sino también una reconexión emocional con él mismo.

La película es un retrato profundamente humano de la reconstrucción emocional, explorando los dilemas internos de un hombre que sigue viviendo con las huellas de su pasado, el cual involucra no solo el amor perdido, sino también las dificultades de aceptar su identidad y su entorno. La carretera, como metáfora del viaje interior de Yossi, es el espacio donde se enfrentan sus demonios, mientras intenta despertar del “sueño” de su vida anterior y encontrar nuevas formas de conexión y esperanza.

El guion, escrito por Itay Segal, presenta un enfoque sobrio y minimalista. A través de diálogos sencillos pero significativos, la película destaca la lucha interna de Yossi, cuyo sufrimiento es tanto un reflejo de su amor por Jagger, como de las expectativas que la sociedad y él mismo han puesto sobre su vida.

El tono de Yossi es a la vez nostálgico y esperanzador. Aunque la historia de amor que subyace en la película está marcada por la tragedia, la película tiene un enfoque de redención. A través del proceso de enfrentarse a su pasado, Yossi no solo busca la reconciliación con su amor perdido, sino también consigo mismo.

A lo largo de la película, el director Eytan Fox presenta una mirada cruda pero delicada de las emociones humanas. La puesta en escena y la fotografía a cargo de Guy Raz hacen que cada plano sea contemplativo, transmitiendo la melancolía de la historia sin sobrecargarla de dramatismo.

Yossi ha sido aclamada por la crítica por su enfoque emocional y austero. El crítico de The Wall Street Journal, Joe Morgenstern, destacó la película como “un emocionante y admirablemente austero retrato del amor perdido”. Esta obra no busca ofrecer respuestas fáciles, sino que invita al espectador a reflexionar sobre los procesos de duelo, aceptación y la búsqueda de una nueva oportunidad para el amor.

Yossi es un viaje emocional que no solo continúa la historia de Yossi & Jagger, sino que la expande al explorar las consecuencias del amor no correspondido y la soledad que queda en su lugar. La película, con su tono intimista y su estilo visual sobrio, logra capturar la complejidad de los sentimientos humanos con una sinceridad conmovedora. Si bien la trama puede parecer sencilla, la profundidad emocional que encierra convierte a Yossi en una obra memorable que toca las fibras más sensibles del espectador.

Disponible para ver en MUBI y renta en sitios de streaming. Aquí el tráiler:

Playa del Futuro (Praia do Futuro, 2014) del director Karim Aïnouz es un drama romántico que explora temas complejos de identidad, amor y desplazamiento a través de una historia de conexión inesperada entre dos hombres que se conocen en circunstancias dramáticas en la playa. La película, que fue bien recibida en varios festivales internacionales, se destaca por su enfoque sensorial y contemplativo, aunque su ritmo pausado y sus decisiones narrativas han generado opiniones divididas.

La trama sigue a Donato (interpretado por Wagner Moura), un salvavidas en la peligrosa Praia do Futuro, en Brasil. Durante una de sus jornadas en el mar, rescata a Konrad (interpretado por Clemens Schick), un turista alemán, mientras su compañero se ahoga. En medio de la espera por la recuperación del cuerpo de la víctima, se desarrolla una conexión emocional y sexual entre Donato y Konrad. Lo que comienza como una aventura de rescate se convierte en una relación que pondrá a prueba las identidades, emociones y destinos de los protagonistas, en un juego de desplazamiento entre Brasil y Alemania, donde el amor no parece suficiente para superar las barreras del pasado y las diferencias culturales.

Lo que Futuro Beach ofrece al espectador es un retrato de la vida de los personajes que se mueve más por sensaciones que por la acción en sí misma. La película se enfoca en la evolución emocional de los protagonistas a través de una serie de elipsis narrativas y saltos temporales que reflejan el desplazamiento tanto físico como emocional de los personajes. Este tratamiento de la narrativa, sin embargo, ha generado críticas sobre su “indefinición”, como señala el crítico Luis Martínez de El Mundo, quien considera que la historia no logra profundizar ni avanzar lo suficiente.

El director Karim Aïnouz ha sido elogiado por su capacidad para capturar la textura de las emociones a través de imágenes sensuales y hermosas, creando una atmósfera única que da vida a la historia de amor. La crítica de Village Voice resalta que la película es “tan potente en textura como en narrativa” y está llena de “imágenes sensuales”, lo cual es un testimonio de la destreza del director para inmortalizar el sentimiento de pertenencia y la conexión en un paisaje tan desolador como la playa en la que se desarrolla la historia.

Lo que se encuentra en Futuro Beach es una historia de amor llena de barreras: no solo la distancia geográfica entre Brasil y Alemania, sino también las barreras emocionales que se erigen cuando dos personas de orígenes y expectativas tan distintas intentan construir algo duradero. La relación entre Donato y Konrad es intensa, pero la película también muestra cómo las cicatrices del pasado, los temores internos y las inseguridades sociales y personales se interponen en el camino.

Aunque la película se desarrolla con la promesa de un romance conmovedor, muchos críticos, como Sergi Sánchez de La Razón, argumentan que la falta de una conexión emocional clara con los personajes principales hace que todo se sienta algo académico, e incluso “torpe”. La forma en que Aïnouz decide desvelar las emociones a través de silencios y no a través de palabras crea una atmósfera densa, pero esta misma estrategia puede resultar desafiante para algunos espectadores que prefieren una narrativa más directa.

En el fondo, Futuro Beach es una meditación sobre el desarraigo y la búsqueda de identidad. Donato es un hombre atrapado en su país, en su vida y en sus relaciones, mientras que Konrad es un extranjero cuya presencia en Brasil simboliza tanto una ruptura como una posibilidad de redención. La historia pone de relieve cómo las relaciones amorosas pueden ofrecer tanto una oportunidad para la autodefinición como un obstáculo para ello, especialmente cuando las expectativas y las presiones sociales se entrelazan con las emociones de los personajes.

La película está disponible en renta en Google, Youtube y en Amazon Prime. Aquí el tráiler

La película Those People (2016) nos ofrece una ventana emocional a la vida de un joven pintor gay, Charlie, atrapado en un torbellino de deseos, pasiones y realidades complejas, que exploran las difíciles decisiones que debemos tomar a medida que transitamos en la adultez. En una opulenta Manhattan, en el corazón del Upper East Side, Charlie vive entre el sueño artístico y la confusión emocional, deseando lo inalcanzable y confrontando las sombras del pasado.

El filme, calificado como drama LGBT+ y etiquetado como pesimista y emotivo, nos sumerge en la tensión emocional que surge cuando los amores y las amistades se mezclan con la ambición personal y la presión social. Charlie, un joven pintor lleno de aspiraciones, se ve atrapado en un triángulo amoroso que le impide avanzar: por un lado, su enamoramiento no correspondido por su mejor amigo, el carismático y manipulador Sebastian, y por otro, una relación con Tim, un pianista mayor, que promete algo más genuino y profundo.

Lo que distingue a Those People no es solo su tratamiento de los amores no correspondidos o la típica lucha entre lo correcto y lo deseado, sino la complejidad de sus personajes, especialmente de Sebastian, quien personifica esa figura tóxica a la que muchos de nosotros nos aferramos en un intento por justificar nuestras propias inseguridades. Sebastian, atrapado en un escándalo financiero, se convierte en la fuerza que mueve el drama, un reflejo de los desafíos de la juventud privilegiada de Nueva York y sus dilemas éticos. A través de él, Those People se convierte en una exploración de cómo los vínculos emocionales pueden estar contaminados por la manipulación y la falta de honestidad.

La película no presenta respuestas fáciles. No hay héroes ni villanos claros. Más bien, nos presenta a seres humanos complejos, imperfectos, cuyo deseo de amor y éxito se ve eclipsado por sus propias sombras. El trabajo de Charlie refleja, en gran parte, su desconcierto emocional: mientras busca el amor y la validación, parece también huir de la confrontación con su propia identidad y sus deseos más profundos. Esto es especialmente evidente cuando se enfrenta al dilema entre su afecto por Sebastian y su creciente relación con Tim, quien representa una figura madura y estable, un contraste significativo con el caos que Sebastian arrastra consigo.

El tono pesimista del filme también es relevante en su contexto. A diferencia de otros relatos LGBT+ que suelen presentar finales redentores o románticos, Those People se atreve a exponer la realidad de que, a veces, los lazos más profundos que formamos no son necesariamente los más saludables. La película nos recuerda que, en la vida, no siempre ganamos o alcanzamos lo que queremos de la manera que lo esperamos.

Además de los matices en la trama, Those People también brilla por su tratamiento visual. El escenario de Manhattan, que se convierte en otro personaje, refleja la brecha entre las aspiraciones personales de Charlie y la fría indiferencia del mundo que lo rodea. Los colores y las composiciones de la película subrayan la división entre lo que Charlie desea y lo que realmente necesita, sumando una capa más de complejidad emocional.

A pesar de ser un filme que aborda temas como el amor, la amistad y la traición en un contexto social privilegiado, Those People nos invita a reflexionar sobre cuestiones universales que afectan a cualquier persona, independientemente de su identidad o contexto: la lucha interna entre lo que creemos que debemos querer y lo que realmente necesitamos para ser felices.

En conclusión, Those People no es solo una historia de amor gay en el corazón de Nueva York, es una reflexión sobre los desafíos emocionales que enfrentamos al buscar nuestro lugar en el mundo, con las inevitables pérdidas y dilemas morales que acompañan esa búsqueda. Es una obra que invita a pensar, a cuestionar y, sobre todo, a aceptar que el camino hacia el amor verdadero no siempre es claro, ni fácil de transitar.

El caso de Natalia Lane, activista y periodista trans víctima de un intento de feminicidio, representa la grave crisis que atraviesa el sistema de justicia mexicano, especialmente cuando se trata de casos de violencia de género que afectan a la comunidad trans. El 16 de enero de 2022, Natalia fue atacada por Alejandro “N” con la intención de arrebatarle la vida. Sin embargo, tres años después, el proceso judicial sigue sin ofrecer una sentencia. El agresor fue detenido el 21 de enero de 2022, pero hasta el 16 de enero de 2025, sigue apelando su condena, utilizando juicios de amparo que retrasan aún más la resolución de este caso.

El sistema de justicia mexicano, que con frecuencia revictimiza a las víctimas, es incapaz de garantizar una respuesta pronta y efectiva ante la violencia, dejando a las mujeres trans expuestas a la impunidad. En el caso de Natalia Lane, esta situación se vuelve aún más evidente tras la intervención de la jueza Ruby Celia Castellanos Barradas, quien, al ordenar la revisión del caso, pone en riesgo la integridad de la activista y periodista, permitiendo que el agresor recupere su libertad.

Este caso no es aislado. A lo largo y ancho de México, cientos de mujeres trans viven en la incertidumbre de que sus agresores, asesinos y violadores no sean condenados, ya que los procesos judiciales son lentos, ineficaces y, en muchos casos, incapaces de brindar justicia. En 2024, el país vivió uno de los años más letales para las mujeres trans, con 60 asesinatos reportados solo en ese año. La Ciudad de México, con 13 crímenes registrados, lideró esta lamentable estadística.

Es evidente que el sistema de justicia no está preparado para proteger a la comunidad trans ni para dar respuestas adecuadas a la violencia que enfrentan.

En un comunicado, la Asamblea Nacional Trans y No Binarie (ANTNB), hace un llamado urgente al Magistrado Presidente del Tribunal Superior de Justicia de la Ciudad de México, Rafael Guerra Álvarez, para que no permita que el caso de Natalia Lane quede impune. La decisión de los tribunales no solo afectará a la víctima, sino también a todas las mujeres trans en México que luchan por vivir con dignidad y sin miedo a ser atacadas.

Es fundamental que el personal judicial se conduzca con una perspectiva de género adecuada y que asuma su responsabilidad en la protección de las víctimas de violencia. En el caso de Natalia, esto es crucial para evitar que su agresor sea liberado y para garantizar que la justicia se haga efectiva.

Asimismo, alertan sobre la campaña mediática impulsada por el colectivo “No más presos inocentes”, que intenta difamar a Natalia Lane y revictimizarla.

Es alarmante que en un país donde la violencia contra las personas trans es tan alta, existan grupos que no solo niegan la identidad de género de las víctimas, sino que además promueven el odio y la impunidad hacia quienes luchan por sus derechos.

En un contexto tan desgarrador, es comprensible la frustración de Natalia, quien, después de tres años de luchar por justicia, se vio obligada a manifestarse en el Poder Judicial de la Ciudad de México junto con otras compañeras. La respuesta fue una agresión mediática que solo profundiza la herida de un sistema que protege a los agresores.

Responsabilizo al #PoderJudicial d lo que hoy en adelante me pueda suceder.

La sangre d una mujer trans está sobre sus manos. Sus omisiones y tortura institucional quedará a la posteridad como una víctima q decidió confiar en el sistema de justicia y solo obtuvo silencio 🔥🏳️‍⚧️ pic.twitter.com/oJO6eJzEb1

— Natalia Lane (@natalia_lane) January 16, 2025

Por todo esto, exigimos justicia para Natalia Lane, para las 60 mujeres trans asesinadas en 2024 y para las casi 800 mujeres trans asesinadas en los últimos 17 años.

Es hora de que el sistema de justicia mexicano cumpla su deber de proteger a todas las mujeres, sin distinción de género, y que se ponga fin a la revictimización que solo perpetúa el ciclo de violencia e impunidad.

¡Justicia para Natalia y justicia para TODAS!

La actriz Karla Sofía Gascón continúa haciendo historia en la industria del cine, ahora al convertirse en la primera mujer trans en ser nominada a los prestigiosos BAFTA Film Awards. Gascón, quien interpreta el papel protagónico en el drama musical Emilia Pérez, ha sido incluida en la categoría de Mejor Actriz por su destacada interpretación de Emilia, una exjefa de cartel mexicana que finge su propia muerte para someterse a una cirugía de afirmación de género.

La película Emilia Pérez ha sido una de las grandes revelaciones de la edición 2025 de los BAFTA, logrando un total impresionante de 11 nominaciones, incluidas las de Mejor Película y Mejor Director para Jacques Audiard. En una edición con gran competencia, Conclave lidera con 12 nominaciones, pero Gascón se ha ganado su lugar en el corazón de la crítica y el público.

En la categoría de Mejor Actriz, Gascón competirá con destacadas figuras del cine, como Cynthia Erivo (estrella de Wicked), Demi Moore (de The Substance), Saoirse Ronan (por The Outrun), Mikey Madison (de Anora), y Marianne Jean-Baptiste (de Hard Truths). Además, otras estrellas de Emilia Pérez, como Zoë Saldaña y Selena Gomez, también han recibido nominaciones en la categoría de Mejor Actriz Secundaria, por sus papeles como Rita, una abogada que ayuda a Emilia a simular su muerte, y Jessi, la esposa de Emilia antes de su transición, respectivamente.

El impacto de Gascón en la industria ha sido notable desde su incursión en el cine mainstream. En mayo, la actriz se convirtió en la primera mujer trans en ganar el premio a Mejor Actriz en el Festival de Cine de Cannes. En los recientes Premios Globo de Oro, hizo historia al convertirse en la primera actriz trans nominada en la categoría de Mejor Actriz (Musical o Comedia), aunque el premio fue para Moore.

Con su creciente éxito, Gascón es una fuerte candidata a ser nominada en la categoría de Mejor Actriz en los Premios Oscar de 2025, cuyas nominaciones se revelarán la próxima semana.

Además de su éxito en la crítica, Gascón ha respondido con firmeza a los detractores de Emilia Pérez, quienes han acusado a la película de reforzar estereotipos dañinos sobre las mujeres trans. La actriz ha defendido la película, explicando cómo su actuación y la historia de Audiard contribuyen a mejorar la representación trans en el cine.

En esta misma edición de los BAFTA, Wicked obtuvo siete nominaciones, mientras que figuras como Daniel Craig y Denzel Washington fueron excluidos de las nominaciones, a pesar de sus interpretaciones como personajes queer en Queer de Luca Guadagnino y Gladiator II de Ridley Scott, respectivamente.

Los BAFTA Film Awards se celebrarán el próximo 16 de febrero, y la ceremonia será presentada por el aliado de la comunidad LGBTQ+, David Tennant.

La película Avenida Beira-Mar nos transporta a la costa de Niterói, donde, a través de los ojos de dos jóvenes, somos testigos de los desafíos que enfrentan al tratar de reconciliar su identidad con las expectativas de una sociedad que no siempre las entiende. Dirigida por el cineasta brasileño, esta emotiva historia explora temas como el cambio, la aceptación y la presión social, con una trama que pone en primer plano la importancia de la amistad y el amor propio en el proceso de autodescubrimiento.

Rebeca, una niña de 12 años, se muda con su madre a un suburbio tranquilo luego del divorcio de sus padres, pero pronto se ve atrapada en un mundo de inseguridad y desconfianza por los robos que azotan la zona. Mientras lucha por adaptarse a su nueva vida, conoce a Mika, una niña transgénero que desafía abiertamente las normas de género establecidas. Mika, antes conocida como João Pedro, decide abrazar su identidad femenina, enfrentándose al rechazo y la incomprensión de su entorno familiar.

Lo que empieza como una amistad fortuita entre Rebeca y Mika se convierte en el núcleo de la película. Su relación desafía las barreras sociales, mostrando la belleza de un vínculo genuino entre dos almas jóvenes que buscan entenderse en un mundo lleno de restricciones. Sin embargo, la presión que enfrenta Mika debido a su identidad de género y el rechazo que recibe de su familia se convierten en una carga insostenible, llevándola a desaparecer repentinamente, dejando a Rebeca en una desesperada búsqueda para encontrarla.

Con un guion que aborda la lucha interna de sus personajes con una sensibilidad impresionante, Avenida Beira-Mar ofrece una mirada conmovedora a las realidades de las personas transgénero, particularmente a aquellas que aún son jóvenes y están en el proceso de afirmación de su identidad. La película no solo destaca la importancia de la amistad y el amor incondicional, sino también la urgencia de un entorno de apoyo y comprensión para que las personas puedan vivir auténticamente.

El elenco, encabezado por Andréa Beltrão, Emiliano Queiroz y Márcio Vito, da vida a unos personajes complejos y auténticos que reflejan las luchas cotidianas de quienes buscan encontrar su lugar en el mundo. Si bien la película se adentra en temas serios y profundos, su tratamiento sensible y la naturalidad con que aborda la historia de Mika y Rebeca ofrecen un mensaje de esperanza y resistencia frente a la adversidad.

En resumen, Avenida Beira-Mar es una obra cinematográfica que no solo toca los corazones, sino que también invita a la reflexión sobre la importancia de la empatía, la aceptación y la valentía de ser uno mismo, especialmente en un contexto tan desafiante como el de las personas transgénero. Sin lugar a dudas, una película recomendada para todos aquellos que buscan historias que rompan las convenciones y den voz a quienes a menudo son invisibilizados en el cine convencional.

Esta película se estrenó el 7 de junio de 2024 y ahora la puedes ver por MUBI y por renta en Google y otros sitios de streaming.

El actor surcoreano Park Sung-hoon ha compartido su perspectiva sobre cómo abordó el personaje trans de la segunda temporada de Squid Game, la exitosa serie de Netflix. El casting de Park, un actor cisgénero, para interpretar a Hyun-ju, una exsoldado de fuerzas especiales y mujer trans, generó controversia cuando se dio a conocer el mes pasado.

Los críticos han señalado que, además de negar oportunidades laborales a actrices trans, contratar a hombres cisgénero para interpretar a mujeres trans refuerza la percepción errónea de que las mujeres trans son “realmente” hombres. Esta creencia nociva está en el centro de los esfuerzos por negar a las mujeres trans el acceso a baños públicos, vestuarios y refugios, además de ser un factor que puede incitar la violencia contra ellas.

Aunque Park no abordó directamente las críticas, en una entrevista el 8 de enero con reporteros locales, explicó que trató el papel con “cautela” y lo consultó con personas trans para asegurarse de que el personaje de Hyun-ju no fuera un “estereotipo” y no se viera como una “caricatura”.

Según el diario Korea JoongAng Daily, la edición en inglés del periódico surcoreano JoongAng Ilbo, Park comentó que nunca quiso exagerar la voz ni los gestos de su personaje. Además, aseguró que el creador y director de Squid Game, Hwang Dong-hyuk, estuvo de acuerdo con él en este enfoque. “Como mi voz natural es bastante profunda, sentí que alterarla demasiado restaría autenticidad emocional”, señaló Park.

El actor también explicó que trabajó en estrecha colaboración con Hwang y con los equipos de vestuario y maquillaje para desarrollar la apariencia del personaje, aunque fue él quien sugirió el estilo de los “flequillos cortos” de Hyun-ju.

En una escena en particular, Hwang le pidió que reflexionara sobre cómo se habría sentido la madre de Hyun-ju al enterarse de su “sexualidad”. “Hwang quería que esa emoción se transmitiera, pero al mismo tiempo, no quería exagerarlo”, explicó Park.

Además, el actor mencionó que Hwang vio su lado femenino en su actuación como un padre en duelo en un episodio de 2021 de la serie surcoreana KBS Drama Special.

“Crecí con dos hermanas mayores, así que era difícil no ser influenciado por ellas mientras crecías”, dijo Park. “Pero había mantenido este lado femenino oculto.”

Por su parte, Hwang abordó las críticas sobre su elección de Park como protagonista trans al final del mes pasado.

En una entrevista con TVGuide.com, explicó que, aunque inicialmente quería contratar a una actriz trans, “casi no existen actores trans que sean abiertamente trans, ni siquiera abiertamente gays, porque lamentablemente en la sociedad coreana actualmente la comunidad LGBTQ+ sigue estando marginada y desatendida, lo cual es desgarrador”.

En una entrevista posterior con Decider, Hwang profundizó en la razón por la cual consideró importante incluir a un personaje trans en la segunda temporada de Squid Game.

“Vi a las personas que se unen a los juegos en Squid Game como personas que usualmente están marginadas o desatendidas por la sociedad, no solo económicamente”, dijo.

“Hoy en día, lamentablemente, en la sociedad coreana, la minoría de género es un grupo que no es ampliamente aceptado. Por eso creé al personaje de Hyun-ju, una mujer trans de hombre a mujer.”

Mark Zuckerberg, CEO de Meta, ha dado la orden de retirar los tampones de los baños de hombres en las oficinas de la compañía en Silicon Valley, Nueva York y Texas. Esta medida, que afectó principalmente a empleados trans y no binarios, ha sido vista como un paso más en la implementación de políticas que muchos consideran anti-LGBTQ+.

Este cambio en las instalaciones de Meta se enmarca en un giro más amplio en la gestión de la empresa.

La semana pasada, Zuckerberg anunció la eliminación de moderadores de contenido y verificadores de hechos, al mismo tiempo que flexibilizaba las restricciones sobre el discurso de odio, permitiendo expresiones como referirse a las personas LGBTQ+ como “enfermas mentales.”

En paralelo, Meta también ha decidido terminar con sus prácticas de Diversidad, Equidad e Inclusión (DEI) en los procesos de contratación, capacitación y selección de proveedores.

Además, la empresa habría eliminado los temas no binarios y trans de su aplicación Messenger, funciones que hasta ahora estaban disponibles desde hace años.

Zuckerberg, conocido por sus intervenciones en temas sociales, recientemente participó en una entrevista con el podcaster Joe Rogan, quien tiene una postura fuertemente crítica hacia la comunidad LGBTQ+.

En la charla, Zuckerberg afirmó que las empresas necesitan más “energía masculina” y expresó su “optimismo” sobre el segundo mandato de Donald Trump, argumentando que el presidente electo “solo quiere que América gane”. Además, Zuckerberg es uno de los empresarios que ha donado un millón de dólares al fondo inaugural de Trump.

Según informa el New York Times, estos cambios son resultado de una serie de reuniones confidenciales que Zuckerberg mantuvo con altos ejecutivos de Meta en diciembre.

Este enfoque, más cerrado y acelerado, contrasta con el proceso habitual de toma de decisiones en la empresa, que solía ser más gradual y con mayor participación de empleados y líderes internos.

Las reacciones dentro de la compañía han sido mayormente negativas. Algunos empleados han expresado su frustración, especialmente aquellos que pertenecen a la comunidad LGBTQ+, sintiendo que esta serie de cambios no solo les afecta directamente, sino que también crea un ambiente más hostil. Varios trabajadores han manifestado que están considerando dejar Meta debido a estas nuevas políticas.

Por su parte, el presidente de Estados Unidos, Joe Biden, criticó públicamente a Zuckerberg por eliminar las políticas de verificación de hechos, calificando esta decisión como “vergonzosa”.

Fuentes cercanas a la empresa aseguran que estos cambios reflejan no solo una preparación para la era Trump, sino también una decisión personal de Zuckerberg, quien ahora parece estar más dispuesto a expresar públicamente sus puntos de vista.

La Verbena: Un Retrato Íntimo y Transformador de la Identidad LGTB

Rubén Sánchez, director y guionista en constante evolución dentro del cine español, ha dado un paso audaz en la representación LGTB con su nuevo mediometraje, La Verbena. A través de esta historia cargada de emoción, tensiones no resueltas y un intenso proceso de autodescubrimiento, Sánchez nos invita a reflexionar sobre la compleja relación entre la identidad sexual y el entorno social en el que se gestan nuestras decisiones más personales.

En La Verbena, el reencuentro entre dos viejos amigos, Alex (interpretado por Gabriel D’Almeida) y Marc (Robin Reese), se convierte en el centro de una narrativa profundamente humana y cargada de simbolismo. Alex, quien está a punto de ser padre, se enfrenta a la contradicción interna de aceptar su homosexualidad, un tema que toca fibras sensibles no solo por su relación con la figura paterna, sino también por el contraste entre sus deseos personales y las expectativas que la sociedad impone. Marc, por su parte, es el amigo de Londres que llega con un mensaje que no solo pone a prueba la amistad entre ambos, sino también sus identidades individuales. La verbena, ambiente festivo y caótico, se transforma en un escenario para la introspección y la toma de decisiones cruciales.

Lo que hace única a La Verbena no es solo su exploración de temas LGTB, sino la forma en que Rubén Sánchez fusiona la narrativa con una estética vibrante, que captura la magia de Barcelona en una cálida noche de verano. El guion ofrece una estructura que permite a los personajes, interpretados por un elenco en el que destacan D’Almeida y Reese, evolucionar de manera orgánica, con momentos de gran vulnerabilidad y otros de catarsis. La manera en que la película maneja la complejidad emocional de sus protagonistas refleja una visión madura sobre las dificultades de aceptación, tanto personal como en el contexto de relaciones interpersonales.

El trabajo de los actores es simplemente sobresaliente. Gabriel D’Almeida, conocido por su participación en Matthias & Maxime de Xavier Dolan, y Robin Reese, construyen personajes profundos y tridimensionales que hacen que la película sea tanto una lección de empatía como un ejercicio de honestidad emocional. La química entre ambos es palpable y refleja el sutil pero poderoso impacto de la amistad y el amor no correspondido. A través de ellos, el público no solo observa un conflicto, sino que lo siente en carne propia.

El equipo técnico también juega un papel crucial en la creación de esta atmósfera única. Ferran Miret, director de fotografía, captura la esencia de una noche de verano en Barcelona con planos que resaltan tanto la calidez como la incertidumbre de los personajes. La dirección de arte, la música y, sobre todo, el sonido, de la mano de Alberto Sáez, son otros elementos que enriquecen la narración, sumergiendo al espectador en una experiencia sensorial que trasciende las palabras.

En este mediometraje producido por Carla Fernández, La Verbena no solo busca entretener, sino también cuestionar, desafiar y reflexionar sobre la construcción de la identidad dentro del marco de las relaciones humanas. Rubén Sánchez ha creado una obra que no teme a la vulnerabilidad, un retrato fiel de los miedos, las tensiones y la belleza de aceptarnos a nosotros mismos, independientemente de los desafíos que encontremos en el camino.

La película se erige como una valiente propuesta en un panorama cinematográfico en el que las historias LGTB aún luchan por encontrar su espacio. Sin embargo, con La Verbena, Sánchez ha demostrado que el cine puede ser un vehículo para el cambio y una plataforma para explorar las experiencias más íntimas, tocando temas universales que resuenan en cualquier espectador. En definitiva, un trabajo que no solo es necesario, sino que invita a soñar con un futuro donde las historias LGTB sean contadas sin miedo ni reservas.

Ariana Grande ha ofrecido un vistazo a lo que los fans pueden esperar sobre la relación entre Glinda y Elphaba en Wicked: For Good, la esperada secuela de la película que conquistó a la audiencia mundial.

En noviembre del año pasado, por fin se estrenó la esperada adaptación cinematográfica de Wicked, que rápidamente se convirtió en un éxito tanto de crítica como de público. La película fue aclamada por sus impresionantes números musicales, las destacadas actuaciones del elenco y los sorprendentes efectos visuales, consolidándose como uno de los grandes éxitos de 2024.

Además de ser un fenómeno de taquilla, Wicked Parte 1 despertó un gran interés entre la comunidad LGBTQIA+, que comenzó a ver una posible relación romántica entre Elphaba y Glinda, gracias a la química evidente entre ambas.

Antes del estreno, Ariana Grande había hablado con GAY TIMES sobre este fenómeno de los fans, mencionando que podría haber algo más en la relación de las dos personajes. Incluso insinuó que “Glinda podría estar un poco en el closet”.

“Ellas tienen una relación genuina. Es un amor verdadero, y probablemente por eso la gente está tan involucrada. Lo que crean juntas es un lazo irrompible, es amor en su máxima expresión”, comentó la cantante.

Además, no descartó la idea de que Glinda pueda ser representada como un personaje queer en las futuras películas: “Nunca se sabe, denle un poco más de tiempo. Es un amor verdadero, y creo que eso trasciende cualquier etiqueta de sexualidad”.

Aunque la secuela aún no se ha estrenado, Ariana compartió más detalles sobre la naturaleza de la relación entre Glinda y Elphaba durante una charla con Variety.

“Creo que Glinda es una persona que ama profundamente, y para mí eso va más allá del género. Es algo que es recurrente en Oz”, explicó.

“También pienso que la forma en que Glinda ama a Elphaba, con ese perdón y amor incondicional que comparten, es como si estuvieran enamoradas”.

Aunque Ariana aclaró que la relación entre ellas es “platónica”, dejó claro que la secuela profundizará más en su vínculo.

“Pero ya hablaremos de eso con más detalle en la segunda película”, dijo, sugiriendo que habrá más exploración en la trama.

No solo Ariana Grande ha hablado sobre la relación entre las dos protagonistas. El director Jon M. Chu también se ha referido al tema. En una entrevista reciente con GAY TIMES, describió la conexión entre Elphaba y Glinda como “muy íntima” y “hermosa”.

“Creo que esa es la verdadera esencia de una amistad: tan íntima o no íntima como uno quiera que sea”, comentó Chu.

“No siempre entiendo toda la magia que ocurre, pero mi trabajo es capturarla y enfocarme en lo que más me intriga o me inspira. Al final, el público tiene la libertad de interpretarlo como desee, ya sea ‘Gelphie’ o lo que sea. Para mí, ese es el verdadero propósito”.

Los fanáticos no tendrán que esperar mucho para ver Wicked: For Good, que se estrenará en cines el 21 de noviembre de 2025.

A continuación, podrás leer nuestras entrevistas completas con Cynthia Erivo, Ariana Grande y Jon M. Chu.